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팝아트 평가C아쉬워요

1950년대 후반, 팝 아트 작가들이 예술계라는 거대한 무대에 등장하였을 때, 아무도 팝이 몰고 올 엄청난 파장을 예견하지 못했다. 순수미술의 성역을 고집하던 제도권의 작가, 비평가, 수집가들에게 팝 아트는 신성모독과 같았지만, 팝 아트는 모더니즘에서 포스트모더니즘의 대단원으로 흘러가는 도도한 역사의 흐름에서 필연적인 것이었다. 이 책은 문화의 다양성과 산업화의 가속화를 불러온 팝 아트의 중요성을 제대로 평가하고, 상업화한 서구세계의 매력과 향락주의를 찬미하는 예술형태로서 팝아트가 누리게 된 대중적 인기까지 두루 고찰하였다.1960년대 초에 미국과 영국에서 등장한 대중적 이미지를 차용한 미술로서 일상생활에서 흔히 볼 수 있는 물체, 특히 미국을 상징하는 테크놀로지와 매스 미디어의 소산(코카 콜라,마릴린 몬로의 얼굴,미키 마우스..)을 미술의 자원으로 높인다. 팝아트는 현대의 대량생산·소비사회와 그에 따른 대중 문화의 출현등 당시의 도시 환경에 직접적으로 영향을 받아 출현한 것이다. 팝 아트에서 보이는 대중적 형상의 주요 원천은 미국이며 도시 문화에 밀접하게 접촉한 미국의 미술가들은 그 문화의 특수한 풍조와 속성을 포착하고자 하였다. 이에 비해 영국의 팝아트는 구태의연한 사회질서를 공격하는 사회비판적 의도를 내재하고 있다.1950년대의 극도의 추상성을 지닌 고급 미술로서 추상표현주의가 미국에 깊게 뿌리를 내리고 있었기 때문에 팝아트가 처음 등장했을때는 평론가들로부터 많은 항의와 비난을 받았다. 그러나 팝아트의 속성으로 인해 대중에게 쉽게 침투하고 수집가들의 수집 대상이 되었으며 짧은 시간에 팝아트의 주요 작가들의 위치가 확해지면서 성공을 거두게 된다. 팝아트의 선례로 1950년대의 네오 다다를 들 수 있는데, 이는 뒤샹의 레디메이드를 계승한 것이다. 당시 만연하던 추상표현주의의 양식도 가미하고 있다. 뒤샹은 자신의 반예술과 팝아트의 유사점과 차이점을 언급하였는데, 다다나 팝아트는 기성품의 발견을 바탕으로 하지만 뒤샹의 경우는 기존의 미학을 좌절시키고자 한것인 반면, 팝아트는 그러한 반미학적 입장을 찾아 볼 수 없고 심미적 미의 관점에서 레디메이드를 찬미하고 있다. 미국의 팝아트 작가들은 기법의 다양성을 보여주어 팝아트의 양식을 한마디로 규정할 수 없게끔 한다.1. 사조명 : 팝아트 , Pop art2. 사조의 기간 : 1950-703. 주된 활동 국가1960년대 초기에 미국에서 발달하여 미국화단을 지배했던 구상회화의 한 경향.4. 서로 영향을 받거나 준 사조를 기술 / 관련된 사건을 기술팝아트에 길을 제시해준 선구자격 미술가 두명의 작품들을 감상하겠습니다. 로버트 라우센버그(robert Rauschenberg)와 재스퍼 존스(Jasper Johns)는 추상표현주의와 팝아트의 주요 어법들을 자유자재로 다룸으로써 미술의 다양한 가능성을 제시하였던 주목할만한 미술가들입니다.라우센버그의 라는 작품을 봅시다. 베개와 퀼트천으로 된 이불, 그리고 그 위에 가해진 표현주의적인 붓질... 매우 파격적인 방법으로 제작된 작품입니다. 통상 라우센버그의 제작 기법을 "앗상블라쥬(Assemblage)" 혹은 "컴바인 페인팅(combine painting)"이라고 합니다. "앗상블라쥬"란 말그대로 여러가지를 모아서 만든다는 의미이고, 라우센버그 스스로 자신의 작품을 설명하기 위해 주조한 용어인 "컴바인 페인팅" 역시 여러가지 상이한 재료들을 결합시킨 회화라는 뜻입니다. 좀 더 자세히 설명하자면, 앗상블라쥬(혹은 라우센버그의 컴바인 페인팅)는 첫째, 칠하거나 그리거나 설계하거나 조각하는 방법 대신 모으는 방법으로 만들어진 것이며, 둘째, 원래 예술적 재료가 아닌 자연적 재료나 대량생산된 재료로 이루어진 것을 의미합니다. 예컨대 이불, 신문조각, 잡지, 타이어 등 일상용품들이 소위 앗상블라쥬에서 흔히 사용됩니다. 침대를 구성하는 세속적 소재들을 순수 미술의 영역에 끌어들이는 행위는 추상미술, 즉 엄숙한 고급미술에 대한 허무주의적 도전이요, 그런 의미에서 다분히 다다적인 행위라고 할 수 있습니다.1963년 이후 라우센버그는 실크스크린 기법을 이용한 회화를 다수 제작합니다. 실크스크린은 색상이 선명하고 시각적 효과가 좋기 때문에 일찍부터 포스터나 광고전단 등 상업미술에 사용되던 인쇄기법입니다. 그런데 팝아트 작가들은 이 상업적인 판화기법을 아주 적극적으로 사용하였습니다. 라우센버그는 신문이나 영화 혹은 복제된 명화 등의 이미지들을 꼴라쥬하여 실크스크린으로 찍은 다음 그 위에 표현적인 붓질을 하였습니다. 그의 화면에 모아진 이미지들은 아주 상이한 원천으로부터 나온 것들이지만 모두가 우리의 일상 생활의 경험을 환기시키는 재료들입니다. 는 60대의 민감한 사안이었던 베트남 전쟁을 암시하는 요소들을 담고 있습니다. 이를테면 무장한 헬리콥터나 대머리 독수리 같이 미국인들의 애국심과 전쟁의 상징을 화면에 포함시키고 있는 걸 볼 수 있죠. 또한 이 그림에는 거리에서 흔히 볼 수 있는 광경과 더불어 미와 사랑에 대한 고전적인 상징이라 할 수 있는 루벤스의 가 복제되어 있는 것도 보이죠. 이 모든 요소들이 하나의 화면안에 조화롭게 통합되어 있는데요, 라우센버그는 아마도 이것을 우리 현대인들의 일상적 삶으로 제시하고 있는 것처럼 보입니다.5. 소속 작가 기술앤디워홀워홀은 우리에게 지겨우리만큼 익숙한 유명인사들의 형상을 기계적으로 반복되는 방법으로 만들어내고 있습니다.워홀은 원래 광고물제작같은 일들을 하던 상업미술가였습니다. 그는 유명한 패션지 나 같은 회사에서 일했었습니다. 워홀의 판화들은 모두 실크스크린 기법으로 제작되었는데, 실크스크린은 통상 광고전단 등을 제작하는 인쇄기법으로 상업미술에서 사용하는 방법입니다. 워홀의 많은 그림들에선 이미지들이 기계적으로 반복되고 있는 걸 볼 수 있는데 이것 역시 순수미술에서 사용하는 방법이라기 보다는 상업적인 인쇄물을 연상시키는 방법이라고 할 수 있습니다. 이처럼 비개성적이고 기계적인 방법을 사용함으로써 워홀은 자신이 작품에 대해 지극히 중립적인 태도를 견지하는데, 이러한 태도는 워홀뿐 아니라 기타 다른 팝작가들에게서 공통적으로 발견되는 것입니다.리히텐슈타인(Lichtenstein)주로 만화의 형식, 주제, 기법을 거의 그대로 차용 하였습니다. 그는 애정, 폭력, 전쟁 등 만화의 통속 적 주제들을 선택하여 사이즈만 크게 확대해서 보여 주는 그림을 그렸습니다. 얼핏 보면 리히텐슈타인은 아주 손쉽게 그림의 소재를 얻은 것처럼 보입니다. 하지만 실제로 그는 아주 신중하게 소재를 선별했습 니다. 그는 최근의 세련된 만화 대신에 오래된 만 화, 그래서 누구나가 다 알고, 지겨우리만차 사람들 에게 익숙한 소재를 선택했습니다. 워홀과 마찬가지 로 대중에게 얼마나 익숙한 이미지인가가 리히텐슈 타인에게도 중요했던 것입니다. 리히텐슈타인이 만 화에서 가져온 주제들은 주로 격렬한 액션이나, 폭발장면, 센티멘탈한 로멘스 등 아주 진부한 것들이었습니다. 그러한 통속적인 주제들을 원본보다 더 단순화시켜 대형으로 그려 놓고 있죠. 대형으로 확대된 리히텐슈타인의 통속적 이미지들은 그 스케일때문에 오히려 장엄한 효과를 주기도 합니다.리히텐슈타인의 양식은 아주 간결합니다. 단순하고 평면적인 색채와 형태를 하고 있죠. 특징적인 것은 선명한 검은색 테두리와 형태들을 메우고 있는 점들입니다. 멜랑꼴리한 표정을 하고 노래하고 있는 가수의 얼굴을 보십시오. 마치 신문에 실리는 사진처럼 작은 점들로 채워져 있죠. 리히텐슈타인은 일률적으로 구멍이 뚫어져 있는 판을 사용하여 색점들을 만들어내는 독특한 방법을 사용했는데, 이를 일명 "Ben Day Dot"라고 부릅니다. 화가가 직접 드로잉하고 채색하는 대신 구멍을 채우는 방식으로 제작하는 방법은 매우 기계적으로 보입니다. 워홀에서와 마찬가지로 리히텐슈타인에게서도 작품에 대한 중립적인 태도가 엿보입니다. 추상표현주의가 작가의 개성과 독창성을 과장된 제스츄어로 드러내고 있다면, 팝아티스트들의 중립적인 냉정함은 추상표현주자들의 태도와 매우 대조되는 것입니다.클래스 올덴버그(Claes Oldenburg)아이스크림 콘, 햄버거처럼 미국인들이 흔히 즐겨 먹는 음식을 거대하게 제작하곤 했습니다. 이 치즈 버거들의 크기도 7 x 14 3/4 x 8 5/8 inch로 실 제의 햄버거보다 아주 큽니다. 올덴버그는 1962년 9월의 전시회에서는 대형조각물을 방불케하는 거대 한 햄버거와 아이스크림콘, 케잌 등을 전시했습니 다. 사람들이 평소에 아무 생각도 없이 먹던 음식 물들이 그들을 압도할 정도의 크기로 제시되자, 그 평범한 음식들이 평소와는 달리 보일 수 밖에 없었 습니다.

예체능| 2006.10.27| 6페이지| 1,000원| 조회(647)

팝아트, 앤디워홀, 해밀턴, 리히텐슈타인, 클래스 올덴버그

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신교육사회학, 기능론, 갈등론, 해석학적 패러다임 평가A+최고예요

1. 저항이론의 내용을 요약하고 그 의의와 한계점을 정리해 보시오저항이론은 학교교육이 사회계급구조의 불평등을 그대로 보존하거나, 이행하는 단순한 반영물이 아니라 오히려 학교 교육을 통해 사회모순과 불평등에 도전할 수 있다는 점을 강조하면서 인간은 사회의 불평등한 구조에 저항·도전·비판하는 존재를 나타낸다. 윌리스의 저항이론은 재생산이론으로는 노동계급의 학생들이 왜 스스로 노동계급의 직업을 설명할 수 없다고 보았고, 문화적 저항을 통한 사회재생산과정의간파와 제한의 개념을 설명하였다저항이론은 인간은 이데올로기의 단순한 수용자에서 벗어나 비판적 사고를 지닌 능동적 존재라는 자각. 능동적 의지를 지닌 인간은 불평등한 모순구조에 대항하고 저항함으로써 개인의 해방된 삶을 추구. 학교교육을 통해 제도화된 모순구조를 개혁할 수 있다는 가능성을 제시함으로써 학교교육의 역할을 확대. 사회적 모순을 인식시키고, 비판적이고 반성적인 사고를 고양하며, 학생개개인을 자율적이고 주체적인 의지를 지닌 존재로 대우해야함.한계점으로는 첫째 피지배집단의 저항과 투쟁의 요인에 대한 역사적 발달 과정에 대한 분석이 결핍되어있다. (ex. 황건적의 난같이 역사적 계층 중 피지배계층이나 승리하지 못한 일은 승리자의 입장에서 역사가 사실과 다르게 쓰인다) 둘째, 인간의 자율적이고 능동적 의지를 강조하였기 때문에 지배구조가 개인의 인성에 어떻게 영향을 미치고, 불평등이 어떻게 영속화하는 영향력에 대한 관심이 적다. (ex. 남성적 지배구조적인 가부장적 사회의 만연으로 인해 여성의 불평등이 당연하다는 듯이 사회적·학교의 교과서적인 측면도 피지배 계층적 요소로 여성이 등장한다) 셋째, 저상행위의 실체를 설득력 있게 제시할 수 있는 객관적이고 실증적인 연구가 부족하다.(ex.대부분 지배계층의 연속적인 지배를 바탕으로 학습이 되고 지배계층이 되기 위해 학습을 받기 때문에 피지배계층은 단순히 저급으로 판단 되 객관적이지 못한 시각과 평가가 많이 가미 된다. 그 예로 미국의 낙서화가인 바스키아도 죽기 전에는 단순히을 전환시키면 더 나은 학교교육이 될 것이다.2. 문화재생산론과 경제재생산론의 공통점과 차이점을 기술하시오.문화 재생산 이론과 경제재생산이론의 공통점은 학교 교육의 역할을 축소시키는 경향을 가지고 있다. 학교가 단지 자본주의의 체제에서의 학교교육으로서 지배계층의 사회적 이익을 유지하기 위한 수단적인 것에 불과하다고 함으로서 교육의 다른 본질을 보지 않고 단면을 이끌고 나가면서 ‘이윤추구’의 입장적 재생산론을 제시하였다. 학교는 도구적 입장으로서 경제·문화적 특정엘리트 집단들의 권력을 영속화시켜주고 기존 계층질서를 유지시켜주는 도구로서 예를 들어 열등한 가정환경에서 자란 피지배계층의 학생들은 학습이외의 것에 신경써야할 것들(외부적 환경요소)과 학습의 접근도가 낮기 때문에 기회박탈로 인한 고등교육의 접근도가 낮으므로 학업율이 상대적으로 떨어지고 좋은 직업을 얻을 기회가 줄어든다. 그러나 학교에선 학생의 학습부족으로 좋은 결과(목표)를 얻지 못했다고 정당화하면서 문화·경제적으로 지배계층의 좋은 결과(목표)의 세습이 이어지게 된다는 것이다. 이러한 것들은 불평등 구조를 더욱 가속화 시키고 현 사회구조에 순응하게 학습하고 이것은 이념의 정당화로 공정성으로 위장한 체 학교 학습이 이루어지는 것이다. (능력주의의 매커니즘을 통해 이루지 못한 성공은 자신의 노력의 부족으로 학습된다) 또한 학교는 독립적인 사고와 인간의 가치를 길러 주기 보다는 순종과 예속성을 가르친다.차이점으로 경제재생산론은 학교수준(학업)은 직업 구조에서 그대로 대응된다. 학교를 경제적 기능을 수행하는 기관으로 국한시킴으로서 교육의 문화적 측면을 무시하고 있다. 그리고 수동적 인간관을 들 수 있다.(ex-돈을 많이 가지고 있어서 학습을 시키는 것은(예를 들어 학원 및 어학연수)준비해서 학습으로 인한 경제적 여건으로 인해 재생산 되지만, 문화재생산이론은 어려서부터 의도하지 않아도 지속적으로 자연스레 습득하는 아비투스적 문화자본으로 접하게 되는 것이다. 문화적인 것이 자연스럽게 상류층만의 문화적 결속을 가져와상징을 통해 어떻게 상화작용을 하는가에 대한 논의가 곧 상징적 상호작용론이다. 상징적 상호작용론의 대학교에서의 예로 ‘채색화 선생님은 열정을 가진 화끈한 선생님으로, 쉬는 시간에는 선배로서 상담도 잘해주시고 수업시간에는 과제도 많이 내지만 준비를 미리 많이 해오셔서 더 가르쳐 주시려는 열정을 보이신다. 비록 과제도 많고 양도 많아 힘들어하지만 다들 열심히 공부한다. 하지만 다른 강의인 유화 과목의 선생님은 언제 오실지도 잘모르고(걸핏하면 그냥 안들어 오신다) 좋은 점보다는 늘 지적을 많이 하시기 때문에 도무지 무엇을 그릴지 알 수 없어서 선생님의 눈치를 살피게 된다.상징적 상호작용론의 피그말리온 효과를 더하면 좋은 교사는 심리적으로 (위의 채색화 선생님을 중심으로)비록 처음 배우는 새로운 기법이라 많은 연습량을 필요로 해 수업량과 과제량이 많아 아이들이 힘들어하고, 처음 하는거라 어렵고 학습의 효과가 떨어지지만 항시 ‘너는 이 부분이 정말 좋은거 같아. 다른 아이들보다 이부분을 관찰하는 능력이 뛰어나구나~’ 혹은 ‘아직 선이 능숙하지 않지만 니가 이렇게 많이 그려봄으로서 저번시간 보다 이 부분이 많이 좋아졌어~’ 라는 듯 선생님이 학생 하나하나를 기억하면서 발전한 부분부터 체크하면서 칭찬을 해 아이들이 힘든 과제를 해도 인정을 받고, 선생님의 반응에 대해서 반응하는 것뿐만 아니라 조용히 앉아서 그려주시는 모습을 보면서, 이 부분을 더 보충하라는 말씀이시는 구나하는 의미를 알아차릴 수 있는 것이다.이것은 상호작용관계에 있는 사람들은 각각 자신의 행동에 대해 상대방이 어떻게 반응 할 것인가를 예견하고, 상호 수용할 수 있는 방식으로 상황을 정의하고 행동의 한계를 성정하는 것이다. 선생님의 입장에서 아이들에게 많은 수업 과제를 내주고 칭찬과 계속적인 동기부여를 제공함으로서 더 나은 결과를 가져오고 있는 것이다. 그리고 학생들은 선생님의 칭찬에 대한 언행이나 행동으로 자신이 해야 할 일을 미리 이해하고 의미에 대한 해석과 반응을 보이게 되는 것이다.4. 신교육 사회학 필요해지고 있고, 이미 많은 변화를 겪은 과목도 많다. 가장 zrjt장 특정 집단의 이해관계를 반영하고 있다는 것을 볼 수 있다.내가 학교 다닐 때 혹은 그 전까지만 해도 미술 교과서에 한국미술의 역사나 그림보다는 항상 서양미술이 주를 이루었다. 우리나라의 그림은 고작해야 신사임당이나 수묵화가 아주 조금 실릴 뿐, 서양미술사는 르네상스의 고전 미술로부터 입체주의를 거쳐 현대 미술까지 다양한 범주를 제시하고 있었다. 이로 인해 한국인 이면서 서양에 대한 우월주의를 반영하고 마치 서양화가 동양화보다 우수하다는 차별적 인식이 많이 진행 되었다. 그리고 음악에서도 국악이 아닌 양악이 중심적 위치를 차지하고 실기시간에도 항상 리코더와 피아노를 기본으로 서양악기는 많이 다루어지지만 국악악기는 거의 다루지 않았다. 그리고 교과서에 등장하는 인물은 주로 남성위주로 이루어지고 여성은 남성을 보조하는 역할로 주로 등장하였다. 가정 교과서의 여성상은 집에서 남성을 보조하는 현모양처 형으로 제시되기도 하였다. 이러한 것들을 이젠 사회적 평등을 위한 수단으로 학교 교육에 있어서 성의 차별적 요인을 차츰 제거하고, 동서양 문화의 우월주의를 없애는 영향을 주었다.도시· 농촌 간 학업 성취도 격차에 대한 원인을 신교육학자들은 ‘농촌생활과 동떨어진 교육과정’으로 설명함으로서 그 지역에 맞는 학교가 들어서게 되었다. 그 예로 대천지역에 생긴 대학교가 일반 대학으로 세워졌다가 지방의 인력과 필요 수요에 의한 자동차와 기계(농업)를 만질 수 있는 기술을 전문으로 하는 학교로 바뀌었다. 단순히 학업의 떨어진 학습능력을 판단하는 것이 아니라 농촌에 맞지 않는 지나친 고 학업을 지적하는 것이었다.신교육사회는 학교교육의 역기능적인 면에 더 큰 관심을 가지고 있다.5. 번스타인이 제시한 구조와 분류라는 개념을 설명해 보시오.교육과정에서 번스타인은 “교육과정은 무엇이 타당한 지식인지를 규정하고, 교수법은 어떻게 하는 것이 지식의 타당한 전달인지를 규정하고, 그리고 평하는 학습자가 지식을 습득한다는 것이 계열성의 엄격성, 시간 배정의 엄격도 등을 포함하는 내용이다.* 구조화가 철저하면 교사나 학생의 욕구를 반영하기 어렵고 반대로 구조화가 느슨하게 되어 있으면 욕구를 반영시키기 용이하다.(eX)학과에서 학부제로이동하는 것은 학생들 중심의 형태의 변화엘리트 중심의 사회(귀족)에서 시민중심의 사회로의 변화분류*과목 간, 전공분야, 학과 간의 구분* 체계이론의 용어로 표현하면 ‘경계유지’의 정도가 높으냐 낮으냐의 문제이다.이러한 분류는 역사, 지리, 정치, 경제가 사회생활로 통합되면, 통합된 사회하나는 대학에서 학과 간의 울타리가 낮아져서 강좌를 상호개방하고 더 나아가, 생화학, 역사화학 등 혼합학문이 생겨나기도 한다. 이러한 통합으로 교수 중심의 대학 과정이 학생 중심의 형태로 변화하는 것이다.6. 교육이 사회에 기여하는 역할에 대하여 기능론과 갈등론의 시각 차이를 쓰시오.교육은 인간의 바람직한 변화를 목적으로 하고, 더 나아가서 인간의 보다 가치 있고 발전적인 방향으로 계획적인 변화를 모색해 사회에 기여하는 사람을 만드는 과정중의 하나이다. 기능주의는 사회속에서 교육제도의 순기능을 밝히는 교육기능론이데 사회를 설명하는 구조·기능·통합 등의 논리를 수용해 자라나는 세대에 문화를 전수시켜 주는 사회화의 기능과 능력에 따라 가르쳐 적재적소에 배치하는 능력주의에 바탕을 둔 사회선발의 기능을 수행한다, 반면에 갈등론은 기능주의에 비판이며 학교의 역기능에 관심을 가지는데 사회의 속성을 변화·불일치·투쟁·갈등이 존재하는 것으로 설명하면서 이것들을 교육현상과 연과지어 논의·분석하기 시작하였다. 갈등주의 입장에서는 교육은 가치로운 문화전수보다는 편협한 주장과 왜곡된 지식을 주입시키고, 능력을 근거로 한 선발보다는 사회 경제적 배경에 의하여 크게 좌우되는 학력을 불평등 분배를 용이 하는 역할을 학교와 사회가 같이 하고 있다는 것이다.시각차이로는 첫째 계층인식의 차이이다. 기능주의는 계층은 보편적이고, 필연적이며 불가치하고, 사회조직이 계층 체계를 형성해 준다고 생각한다. 반면 갈각한다.

교육학| 2006.10.27| 5페이지| 1,000원| 조회(2,513)

갈등론, 기능론, 신교육사회학, 번스타인, 해석학적 패러다임

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마티스와 색체 화가들

서울시립 미술관서구 근대 18세기에 국가, 귀족 부유한 시민의 의뢰를 받아 작품을 제작한다고 하는, 예전부터 내려오던 후원자의 모습이 사라진 것은 아니다. 런던에 국한해서 말해본다면, 다른 점은 사회 구조의 변혁이 가져온 신분계층간 세력의 이동, 대중까지도 포함한 열린 문화 장치출현, 그리고 저널리즘의 발전 등으로 예술이 폭넓은 계층이 즐길 수 있는 것으로 바뀌었던 것이다. 이러한 것은 새로운 후원자 - 정부, 시민 등 새로운 계층을 의식하게 되었고 ‘자율과 의존의 패러독스’가 되었다. 이러한 새로운 경제파급으로 인한 차이 드러내기는 전시에 영향을 끼치게 되었고, 현 사회에서 더욱더 경제력(자본)을 인식하지 않으면 안되는 상황에 의해 블록버스터 쇼가 가중화 된 것이다.이번 ‘마티스와 불멸의 색채 화가들’은 이런 다각도 적인 자본양상과 더불어 대중의 예술에 질에 대한 커뮤니케이션에 대한 서비스의 질을 생각해 보게 하는 전시였다.? 마티스 전시의 의의마티스와 불멸의 색채 화가들 전시는 탄생 100주년을 맞은, 최초의 미술운동인 “아수주의”를 조명하기 위해 전시를 기획했다.①대중들의 교육적 함양, ②야수주의의 21세기적 해석의 재조명, ③예술을 위한 예술, ④100년전 역사 체험(마티스뿐만 아니라 그 시대의 생활 양상을 엿봄) ⑤ 국민적 위신(문화 예술성)? 전시분석 - 선전과 마케팅1)마티스 전의 상업적 마케팅①무늬만 傑作展, ‘알짜’ 빠진 巨匠展 - 마티스를 간판으로 내걸었지만 정작 마티스의 작품은 종이에 그린 유화 한점 (1905)을 제외하고는 모두 야수주의 탄생이전의 1890년대와 야수주의 이후의 작품, 그리고 흑백 작품만 있다.②연예인을 홍보대사로 위촉해 팬들의 이목과 관심끌기.③전시감상문 공고를 제시해 전시의 학습적 분위기를 많이 띰.④다양한 경품행사와 홍보(지하철, TV, 신문 전면광고, 길거리 광고, 잡지등)2)사회적 마케팅 - 오늘날 대부분의 사회에서는 여가 활동에 대한 대중들의 관심을 끌기 위해 선전과 마케팅이 필요하다. 전시회를 광고하는 데는 증대되었다. 대체로 사람들은 가장 최근에 받은 자극에 이끌려 무의식적으로 여가 시간을 정한다. 방송매체의 즉시성은 대중에게 박물관/미술관의 메시지를 전달하는데 큰 도움이 된다. 예) 미국의 방송매체 관리 규정에는 방송국이 공익사업 프로그램의 무료 시간대에 박물관/미술관을 위한 광고를 얼마간 할애하도록 명시하고 있다. (공익의 문화성 증대를 위해 정치적으로 이러한 보조가 필요하지 않을까? - 미래는 문화의 전쟁시대이다)? 기업적 전시 - 세계의 현황1) 전시 한계 -마티스전은 샤갈전에 이은 기업적 이윤이 짙게 깔린 블록버스터 전시이다. 이익을 많이 보기위해 작품의 급을 낮춰서 미술관람 문화에 좋지 않은 영향을 끼쳤다. 대부분 브로커를 통해 작품을 들여오기 때문에 전시의 질이 떨어질 수밖에 없는 것이다. 이것은 기업의 이윤창출에 의한 블록버스터 쇼의 한계인 것이다. 이윤을 남기기위해서 당연히 값비싼 그림은 제외되는 것이다.2)기업의 컬렉션시 필요한 것 - 경제학자 보웬은 이란 저서에서 ‘ 기업인은 사회의 목표나 가치의 관점에서 바람직한 정책을 추구하고 이에 따라 의사결정을 하거나 행동들을 따라야 할 의무가 있다’라고 강조하였다. 이는 ‘기업의 사회적 책임’에 대하여 지적한 말로서 기업은 단순히 이윤을 추구하는 집단이 아니기 때문에 사회에 대한 공헌을 항상 염두에 두고 경영, 관리에 임해야 한다는 ‘기업의 윤리’를 강조한 말이다. 이는 기업이 미술을 단순한 수단으로 사용하면 안 된다는 것이다. 기업은 문화의 질 향상에 도움이 되는 전시를 해야 하는 것이다.(세계의 대기업 컬렉션 현황- 뒤 첨부자료 참고 )?전시형태*기획전시 - 미술관의 특징과 성격을 살릴 수 있는 특정 주제를 선정하여 기획하는전시*특별전시 - 기획적에 포함되지 않은 광범위한 전시 (예 : 아! 고구려전)‘마티스와 불멸의 색체화가’들은 특별 전시 쪽에 가까운데 심각한 블록버스터 전시의 단점의 예를 불러일으킨 전시이다. (여기서 블록버스터 쇼는 ‘최대 관객을 끌어 들이기 위해 초대의 영역과 최대의 선전만을 개최하게 되고 이로 인해 미술시장은 급격한 인기몰이의 쪽으로 빠져 버리게 되는 것이다.?블록버스터와 그 방문객 (파장)- 마티스 전은 사람들의 욕구를 충족시키지 못해 파급 효과가 떨어졌다(전시의 질이 떨어져 관람객들의 비난을 많이 받았다.) -마티스 전 같은 고가의 전시는(평상시 입장료 보다 높다) 방문객들을 다양한 각도로 만든다. 사람들의 블록버스터 전시를 보러 가는 이유는 다양하다. ①특정 작가에 대해 기존의 관심을 충족시키기 위해. ②일생에 단 한번뿐인 기회 ③ 대화의 소재 등..1)‘예술을 위한 예술’ - 대중은 소위 고상한 예술을 감상하는 것으로 타인에 대한 일종의 우월감을 느끼고, 다른 한편으로는 시책으로서의 예술을 보며 대중적인 것을 기대한다. 결국 예술을 향유하는 행위에 더해 차이를 보이고 싶어하는 욕구까지 지니게 됨으로서 점차 블록버스터 전시를 더 많이 향유하게 되는 것이다. 예술·인간·사회의 관계를 다시 생각해보고, 앞으로의 예술 문화 지원이 가져야 될 모습을 어떻게 생각하는가??전시의 수입1)관람료 수입 - 주 수입원인 관람료는 블록버스터 전시인 마티스 전같은 전시에서는 사람들에게 부담이 간다. 그리고 또한 할인율이 낮아 관객은 부담이 더 증가한다. 이에반해 전시 기획자들은 관람시간의 연장으로 사람들을 더 끌어 모아 수익을 증가시킨다.2)도록 판매 수입 - 마티스 전의 특징도 무료로 나눠주는 팸플릿에는 간단한 설명만 들어있다. 예전 도록은 얇아서 가격 대비가 비교적 싼 편이었는데 이번 마티스전은 하나의 책(도록을 넘어선 미술서적)을 상상하게끔 두꺼워져 당연히 값도 비싸졌다. 도록을 보고 싶어 하는 사람들은 비싸도 살 수밖에 없는 것이다.(도록 - 29000원, 예전에는 보통 만원안팎이어도 비싸다고 생각했었다)3)기념품의 판매수입 - 이번전시도 미술관의 아트 숍 에서는 여러 종류의 상품을 개발하여 인기리에 판매하고 있으며, 상당한 매상을 기록하고 있다. 주로 마티스 그림을 프린트한 엽서, 손수건, 핀, 핸드폰 줄. 포스터 등 다양하게 도 상실)②신뢰의 상실로 다음 전시에 대한 사람들의 관심도 저하될 것임?미술품의 보험마티스 전이 가장 많이 한계성을 드러내는 것은 타이틀에 걸맞는 작품이 없다는 것이다. 이것은 작품을 빌려오지 못한 데에서 비롯되는데, 보험과 관련성이 있다.골동품/미술품 또는 해외전시회 관련 물품 등의 물품은 보험회사별로 차이가 나지만가입이 까다롭다. 사고가 날 확률이 높고, 실제로 다른 물품보다는 보험료가 높게 책정되어 있다.(훼손의 우려와 도난) 한 예로 이태리에서는 동경에서 예정된 르네상스의 걸작들의 전시에 빌려 주기로 한 작품을 반출 금지 하였다. 보험사들의 값비싼 예술품의 보험가입에 대한 거부와 자국민들의 값을 매기기 힘든 유물에 대한 방출을 싫어했기 때문이다.이처럼 유명한 작품을 빌리기 위해서는 자본도 많이 필요하지만 정부의 시책 또한 필요하다. 정부에서 예를 들어 관세 혜택, 정부적 보증과 국가간의 문화교류의 확산, 정책적인 문화 유물을 빌려오는데 대한 예산 등이 있다면 국민들은 좀더 질 높은 작품을 감상 할 수 있을 것이다.?미술관 및 박물관 진흥법 - 의거제 1조 (목적)이 법은 박물관 및 미술관의 설립과 운영에 관하여 필요한 사항을 규정하여 박물관 및 미술관을 건전하게 육성함으로써 문화·예술 및 학문의 발전과 일 반공중의 문화향수 증진에 이바지함을 목적으로 한다.-항상 모든법의 1조는 가장 기본전이지만 모든 것을 내포하고 있다. 미술관의 입각한 법적의의를 해석 하는 것 뿐만아니라 그곳에서 전시하는 것은 모두 여기에 포함되어야 할 것이다. 건전하게 국민을 위해서 하는 그런 전시가 되어야 한다.- 사비나 미술관20세기 미술의 특징적인 견해 중 하나는 재현 매체로서 특권을 누린 회화의 오랜 전통에 지속적으로 문제를 제기해 왔다는 점이다. 그들은 캔버스의 내용을 확대하려는 그들의 노력을 말해주고 있는 것이다. 그 후 흥미롭게도, 새로운 테크놀로지 자체는 많은 종류의 기계들, 전선, 정밀한 수학적·물리학적 요소를 수반하고, 예술과 테크놀로지의 결합으로 태어난 예술은 아시 분석 - 과학적 분석1) 이중근 사진 이미지의 콜라쥬와 디지털 복제 이미지를 패턴화하는 이중근의 작업은 회화의 평면성과 설치 미술의 확장성이 대량 생산 방식과 절묘하게 결합된 형식이다. 사비나 전시에서 했었던것중 신체의 일부를 이용하여 한 ‘달콤한 혀’는 꽃을 형상화한 작업과 원자 현미경을 통해 보았을 때 꽆의 현상에선 나타나는 나노 이미지를 재 가공한 작업을 서로 병치한 것이다.고감도 나노 이미지 센서란 사람 눈늬 망막세포와 동일한 기능을 하는 전자감지 부품이다. 이번 개발된 나노 이미지 센서는 나노 (10억분의 1m)구조로 가공된 반도체 소재가 아주 약한 빛에 반응해 고감도 영상신호를 발생시키는 원리다. 양자 역학을 이용해 빛 알갱이 하나로 수천개 이상의 전자를 만들어 선명한 영상 신호를 발생시키는 원리를 이용해서 만들어 낸 것이다.나노 - 10-9에 해당하는 SI 접두어. 기호는 n. nm(나노미터:1nm=10-9m), ns(나노초:1ns=10-9s) 등으로 사용한다. 전에는 μ(미크론:1μ=10-6),m(밀리:1m=10-3) 를 합쳐mμ(밀리미크론)으로서 10-9m를 표현했으나, 현재는 1nm로 대치되었다.그러므로 나노미터는 종래의 밀리미크론과 같은 값이다. 시간의 단위인 ns는 μs(마이크로초)의 1/1000인 mμs(밀리마이크로초), 즉 1초의 1/10억에 해당한다.2)문주 - Twilight Landscape (Version2)문주는 LED소재를 사용하여 시재와 세상의 관계를 표현하고자 하였다. 이전시물은 누구나 보고 의아함을 자아내엿다. 무엇을 표현하고자 하는 것인지 인식하기가 힘들기 때문이다. 이작품의 문제점은 제대로된 작가의 의도의 전달이 안된 것, 즉 미완성인 것이다. 물론 과학 기술의 LED의 사용은 많은 비용을 초래한다. 하지만 그렇다면 대처 방안을 생각했어야 한다.LED 반도체의 p-n 접합 구조를 이용하여 주입된 소수캐리어(전자 또는 양공)를 만들어내고, 이들의 재결합(再結合)에 의하여 발광시키는 것으로서 LED(light emi레이저

예체능| 2006.10.08| 6페이지| 1,000원| 조회(453)

과학, 분석, 마티스, 전시

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[서양미술사]뭉크 , 쉴레, 클림트 -서양 미술사

Ⅰ.서론클림트, 뭉크, 쉴레는 현대에 와서 가장 사랑받는 작가중의 하나이다. 요즘은 어디를 가도 이들의 그림을 쉽게 접할 수가 있다. 아트샵에서 파는 냉장고 자석부터 시작해서 본인이 원한다면 나의 집의 화장실 타일을 전부 클림트의 키스로 도배할수도 있는 것이다. 그들의 그림에는 서로의 연관성이 내재되어져 있다. 각기 다fms 성향을 보이고 있는 듯해도 주제별로 살펴보면 서로에게 포함되어 있는 부분을 엿볼 수 있을 것이다.특히 쉴레는 많은 작가들의 그림을 비슷하게 차용하므로서 (모방에 의해 재창조)자신만의 그림을 완성해 가는데 많은 이점을 남긴 작가 중에 하나이다. 사진기의 도입으로 인해 더 이상 똑같이 그림을 그릴 필요가 없어진 이 시점에서 그들의 그림은 자신의 삶과 바라보는 시간에 의해 한번 더 걸러지기 시작했다. 그들은 같은 인물과 같은 각도의 그림을 보아도 다른 그림이 완성되어져 나왔다. 비슷한 삶과 죽음, 누드, 여자 등의 주제에 다른 거름망을 이용해 자신의 것을 걸러 낸 것이다.Ⅱ. 본론-다양한 표현뭉크·쉴레·클림트 세 세 사람은 표현주의 내용의 폭을 넓힌 화가들로서 고유의 표현 영역을 갖고 있다. 개성이 강한 이들에게는 하나의 유형으로 묶을 수 없는 독특하고 확고한 표현 주제와 회화적 목적이 있다. 그래서 각기 다른 주제를 이 세 사람은 자기만의 코드로 형성해 나가고 있다. 몇 가지 주제에 따라 비교해 보면 각 작가의 성향을 이해하는데 흥미를 느낄 수 있을 것이다.ⅰ. 키스열렬히 포옹하고 키스하는 남녀의 모습은 둘이 하나가 되는 영원한 모티브로서 미술 뿐 만 아니라 여러 장르에서 선호하는 주제이다. 가장 아름다운 순간이라고 다들 생각하지만 작가의 눈에선 다른 코드로 이루어 나가는 경우도 있다. 뭉크의 키스)에서는 심리적 상황이 배재되고 애정의 표시보다는 서로가 서로를 흡수해 하나의 덩어리처럼 밀착 되어버린 느낌을 안겨준다. 전체적으로 어두운 배경에 두 남녀의 뒷부분에는 오로라 같은 검은 기운이 움직이는 듯한 착시 현상을 일으킨다.배경은 생클루의 뭉크’ 하였다.ⅱ. 풍경화풍경화는 작가로 하여금 자연과의 공감대를 형성하면서 자연의 느낌을 재현해 냄으로서 새로운 ‘빛+장소= 표현’ 을 나타나게 해주는 가장 큰 모티브다.세 사람의 회회 세계는 확연히 다른 것을 알 수 있다. 클림트의 풍경화는 관람자의 방을 품위 있게 장식해주고 편안하고 풍성한 정원을 꿈꿀 수 있게 도와준다. 인상주의의 풍경화처럼 형태가 뚜렷하지 않아도 어슷한 느낌 속에서 느껴지는 편안함을 잘 보여주고 있다. 그만의 독특한 자연주의 묘사기법은 섬세한 색상 그리고 장식적 요소는 관람자가 풍경의 아름다움을 만끽하기에 충분하다. 그의 그림에는 눈에 즐거운 것이 마음에 즐거운 것이라는 쾌락주이가 묻어 있는 것 같다. 극도로 이상화 되어져 있는 클림트의 풍경화를 보고 있으면 인공적 자연이라는 느낌이 든다 인상주의의 느낌과 비슷해 보이지만 자세히 보고 있으면 어딘가 인공적이라는 느낌이 들게 되는 것이다. 이는 그의 다른 작품에도 영향을 주어 자연에서 장식적 소재를 찾아 회화를 위해 자신의 것으로 바꾼 것 같다.(클림트는 실제로 모네처럼 정원을 가꾸었는데 자신의 정원에 핀 꽃들을 모티브로 삼아서 다른 그림의 장식적 방향으로 이끌어 냈다)‘쉴로스 카머 공원의 가로수 길’) 이 그림은 1908년부터 1912년까지 클림트가 여름휴가 때마다 머물렀던 카머성은 오래된 빌라인데 그가 휴가를 즐기면서 여가시간에 그린 다른 그림과 다른 것은 상식적인 풍경화에서 크게 벗어난 이 작품에서 화면 전체를 자지하고 있는 나무는 교회 같은 성스러움을 주고 있다.) 이 그림에는 클림트의 다른 풍경화 나무들과 달리 포크형태의 딱딱함에서부터 검은 형태의 안의 나무의 색은 온통 푸르름으로 인해 마치 엄청난 얼룩의 푸른 숲에 온 느낌을 준다.‘뭉크의 파도’)는 어안렌즈로 찍은 사진처럼 화면 앞의 장면을 비좁은 캔버스로 꾸겨 넣었다. 그래서 마치 길이 파도처럼 굽이치는 형상으로 과장돼 보였다. 회화적 구성을 이런 과장이 원형을 이루며, 바람을 타고 육지로 밀려오는 파도와 바람 때문에 반대쪽으로쪽부터 보면 점차 추상적인 그림이 되가는 느낌이 든다. 실제로 보이는 풍경에서 점차 느낌을 강조한 그림으로 변모해 간다.ⅲ. 누드뭉크나 쉴레와는 반대로 클림트의 인물은 이상화하고 미화 시키는 그림을 그렷다. 그에게 회화는 일차적으로 장식물 적이었다. 회화를 건물에 속한 치장물로 보았다. 하지만 그는 신화를 현대감각에 맞도록 재해석하면서 고정관념을 부정하고 새로운 관점을 제시함으로써 표현주의의 또 다른 면을 보여 주었다.)‘The Friends’) 그림의 그림은 동성애를 주제로 하고 있는데 동성애는 세기말의 금기사항 중 하나였지만 클림트의 그림에선 여러 작품으로 나타나고 있다. 이작품은 동성애를 노골적으로 나타내고 있어서 현실감이 더 강하게 느껴진다. 거기다 붉은 색을 전체적으로 써서 더 열정적이라는 느낌을 가지게 하고, 이국적인 옷을 입은 여인과 그 여인의 어깨에 기대고 있는 벌거벗은 여인의 시선이 매우 매혹적으로 끌고 있어서 두 여성의 바라보는 시선차가 주의를 더 끌어 모으고 있다. 이그림은 두 여인 뿐만아니라 배경에는 동양화 풍의 장식패턴을 볼 수 있는데 새와 꽃을 인용하고 있으면서도 장식은 단순해졌다.쉴레의 ‘검은 스타킹을 신은 여자누드’) 뭉크가 그린 소녀의 누드 는 성인으로 접어드는 소녀의 두려움을 표현한 것인 반면 쉴레는 소녀의 이른 성적 호기심을 표현하였다.) 그리고 쉴레는 우울한 에로티시즘적 인물화를 그렸다. 오른쪽 쉴레의 누드는 왼쪽보다 성과 에로틱에 더 가까운 그림을 그렸다,비틀린 선들과 자유스러운 색 사용은 특히 인체의 모습에 빨간색과 흐린 녹색, 그리고 살색 노랑이 섞이고 성기와 유두, 입술이 선홍색으로 강조되어 있어 감상자의 시선을 잡는 수단이 되기도 한다. 특히 음부를 적극적으로 묘사하고 강하게 나타냄으로 인해 보는 이로 하여금 더 애로티시즘적인 느낌을 가지게 한다.ⅳ. 여자세 사람에게 여자란 과연 어떤 존재였을까? 그림에는 거의 남성보다 여성이 많이 등장한다. 화가의 여자에서부터 의뢰받은 사람, 그리고 모델을 포함해서 많은 그림 속에 색 톤 조자도 어둡다. 반대로 늙은 어두운 이미지 주변에 밝은 톤과 일정한 무늬 그리고 간간이 검은색과 노랑이 대조가 되면서 더 초라함을 높여주고 있다.뭉크의 ‘생의 네시기’)는 여자의 일생은 꿈으로 시작되지만 실망과 좌절을 경험 하면서 무뚝뚝해지고 나이가 들면서 고독한 존재로 그려진다. 늙은이의 시기를 둘로 나눈 것이 흥미로우며, 이들은 소설속의 등장인물처럼 각자의 역할을 갖고 있다.) 뭉크의 그림을 보면 맨 앞의 아이가 가장 주도를 하고 뒤로 갈수록 나이가 든 사람이 등장한다. 모두들 자신의 역할이 있는 듯 묘한 표정과 포즈를 취하고 있다. 모든 등장인물이 검은 옷을 입고 있는데 맨 앞의 아이는 젊음을 상징하는 듯 빨간 모자를 쓰고 있고 뒤로 살수록 사람들은 눈동자도 없어지며 어눌한 표정을 하고 있다. 배경은 바닥이 마치 세월을 흘러보내는 듯한 느낌을 부는 붓터치로 점차 나이가 는 노모에게로 향하고 있다. 앞의 바닥은 한창때처럼 붉게 타오르다가 점차 회색조가 가미되어서 뒤로 물러나 보인다.ⅴ. 자화상어느 시대이든지 그 시대에서 개인에 대한 정보를 얻을 수 있는 가장 중요한 매개체는 개인 스스로가, 미술이든 문학이든 그 속에서 표현한 자기 묘사들이다, 화가들이 행한 자기 묘사를 우리는 자화상이라고 부르는데 화가들은 곧잘 이 자화상을 통해 자신을 바라보고, 자화상 속 자신의 눈을 통해 감상자를 바라본다. 그럼 감상자는 자화상 속의 작가의 눈을 통해서 작가의 분노, 환희, 고통, 두려움 등을 느낄수 있게 되는 것이다.뭉크와 쉴레는 자화상을 많이 그렸지만 클림트는 자화상을 그리지 않았다. 예술가가 자신을 바라보는 시각은 삶의 환경과 성격에 따라 다를 수 밖에 없다. 한 예술가라도 그때그때의 감정에 따라 자신을 다른 모습으로 바라보게 된다. 한 예술가가 수많은 자화상을 남겼다면 그것들로 공통적인 시각을 유추해 낼 수 있다. 뭉크는 자화상을 통해 번뇌하고 괴로워하는 모습을 숨김없이 표현함으로써 자신의 진실한 모습을 나타낸 반면, 쉴레는 자만심에 찬 자신의 모습을 회되는 죽음을 병렬해서 그렸음을 볼 수 있다. 죽음이 삶 가까이에 있음을 지적했다. 가운데 면을 구심점으로해서 왼쪽에는 해골과 종교적으로 상징되는 십자가가 많이 있음으로 십자가의 죽음에 대한 의미도 엿볼 수 있고, 해골이 무언가 삶의 경계를 부스고 들어가려는 듯이 손에 봉을 쥐고 옆의 삶(생명이 있는 쪽을 보고 있다. 오른족은 죽음과 대조적으로 색체부터 따뜻한 난색으로 표현하였고 여자남자 아이 등 골고루 생명에 대한 흐름을 보여주고 있다. 인종의 색도 다양한 것처럼 각 사람들의 피부색도 다양하게 표현되고 있다.쉴레의 ‘자신을 바라보는 사람들’)에선 쉴레의 이중적 모습으로, 그림자 처럼 뒤에 따라다니는 또다른 쉴레는 불안에 사로잡혀 죽음의 공포와 형상으로 자리잡고 있다, 이는 살아잇는 쉴레와 죽은 쉴레가 같이 공존하면서 삶과 죽음의 불안감에서존재하는 것을 표현하고 있다.-에곤 쉴레의 그림에 영향 준 그림과 화가쉴레는 많은 화가들의 그림을 이용해 자신만의 느낌을 창조해 나갔다. 쉴레는 클림트, 뭉크, 반고흐 등의 작가의 그림을 이용해 자신의 모티브를 더해 새로운 재창조를 해나가는 작업을 통해 점차 자신만의 그림을 만들어 나갔다. 그는 재현해 낼때 단순한 모방이 아닌 같은 구도와 같은 문양을 넣을지라도 자신의 느낌( 쉴레의 무엇인가 아프고 가녀리고 꺾이면서도 비틀어진 느낌)을 넣어서 새로운 그림을 완성해 나갔다.ⅰ. 구스타프 클림트클림트는 에곤 쉴레에게 다각도로 영향을 준 사람이다. 쉴레의 미술로의 여정이, 클림트에 의해 영향을 받았다는 것을 알 수 있다. 쉴레가 1907년에 그린 ‘물의 요정Ⅰ’는 클림트의 ‘물뱀Ⅱ’의 밑그림 같을 정도로 흡사함을 볼수 있다. (왼쪽의 위아래 그림 비교)1912년에 쉴레가 그린 ‘추기경과 수녀’와 클림트의 ‘키스’도 눈여겨 보면 추기경과 수녀의 은일한 관계는 보는 사람에게는 묘한 느낌을 주는 소재이다. 추기경과 수녀도 불안했는지 포옹속에서도 두 눈은 보는 사람이 없는지를 살피는 것 같다. 클림트의 ‘키스’에서의 여인은 자못 황홀경에 다.

예체능| 2006.07.12| 11페이지| 1,000원| 조회(751)

쉴레, 뭉크, 클림트, 서양 미술사

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