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일본 미술사

▣ 일본미술사여러 가지 요인들이 일본 미술의 발전에 기여했다. 기법과 미학적으로 일본 미술은 수세기에 걸쳐 중국의 영향을 받아왔으며 이들 중 일부는 한국의 영향을 받기도 했다. 최근에는 서구의 기법과 예술적 가치에도 영향을 받고 있다. 그러나 다른 문화와 동화된 사고와 기법에서도 일본인의 독자적인 취향이 고유한 방법으로 표현되어 왔다.고대 미술일본 최초의 토착민인 조몬족 (繩文族)(BC 10,000-BC 300년)은 도구 라고 불리는 진흙 입상을 만들었는데, 그 중 대부분이 여자의 모습을 빚은 것이었다. 기원 초에 그 기원이 다른 야요이족(彌生族)(BC 300-AD 300년)들은 구리무기와 청동 종(鍾), 가마에서 구운 도자기 등을 만들었다. 야요이 시대 이후인 고훈시대 (古墳時代 AD 300-AD 710년)의 공예품으로는 청동 거울과 무덤의 가장자리를 장식하는 하니와 (埴輪)라는 진흙원주가 있다. 야요이 시대의 도타쿠(銅鐸-종) 위에 새겨진 단순한 모양의 막대상과 코훈시대의 무덤내벽을 장식한 벽화는 일본회화의 기원이 되었다.1. 아스카 시대와 나라 시대아스카 시대의 미술은 크게는 중국의 육조 시대 위나라와, 직접적으로는 우리나라의 백제와 신라의 불교 미술 양식을 받아들였다. 백제의 아좌태자는 일본에 건너가 성덕태자상을 그려주었다고 한다. 다카마쓰 옛 무덤의 벽화는 고구려 바탕에 토착 요소가 가미되어 있어서 일본의 고대 문화가 한국의 영향을 받았음을 보여준 것이다.나라 시대의 미술은 중국 당나라 미술을 받아들여 불교 미술이 성행하였으며 고구려의 영향을 받았다. 대표적인 그림으로 고구려 스님 담징이 그린 법륭사 금당벽화인 「아미타정토도(阿彌陀淨土圖)」는 일본 회화 사상 최고의 작품으로 자랑하고 있다.2. 헤이안 시대헤이안 시대(794-1185)는 견당사 파견을 중지한 894년을 분기로 하여 헤이안 전기와 헤이안 후기로 양분하여 살펴볼 수 있다. 헤이안 전기는 나라시대 이래 당의 문화가 일본으로 이행되는 과도기라 할 수 있다. 불교는 사이쵸와 구우카이가 당불교의 자연을 동경하여 자연과 생활을 조화시키는 주택 건축 양식이 생겼다. 이 때 야마토에 등 여러 분야에서 일본 양식이 성립되었고 이후 일본 문화의 고전이 되었다. 11세기에는 궁정 문화가 완성되었으며 정토교 미술이 유행하였다. 한편 민중에 관심을 돌린 설화문학과 민중의 모습을 소재로 다룬 에마키모노가 나와 귀족 사회 말기의 새로운 시대적 기운을 반영했다.3. 카마쿠라 시대카마쿠라 시대(1185-1333)는 쿄토의 공가(公家)와 카마쿠라 지방의 무가(武家)가 대립 또는 교류하면서 이원적 문화가 형성되었던 시기이다. 현실을 직시하고 강력한 힘을 추구했던 시대의 내면에는 아름다움을 회상하는 무상관(無常觀)이 감돌았다. 새로운 미술의 출발점은 도다이지의 부흥 사업이었다. 남송의 건축 양식이 채용되고 텐표 양식의 복고적 성격의 불상 조각이 조성되었다.후반에는 무가의 지지를 받은 선종의 송원 문화가 카마쿠라에 이식되어 수묵화가 시작되기도 했다. 한편 정토종?진종?시종등 신흥 종파와 남도 불교는 포교활동에 에마키모노를 활용했고, 수이쟈쿠 미술도 성행했으며 민중의 감각이 미술에 나타나기도 했다. 말기에는 쿄토, 카마쿠라에 중국 취향이 강하게 나타났다.4. 무로마치 시대일본 무로마치 시대(1333-1573)는 새로운 아시카가 막부의 권력과 남북조 통일, 대명 무역 등을 기반으로 한 시대였다. 이 시대의 미술은 선종미술과 무가(武家)의 카라모노(唐物) 취미 등으로 상징된다.송원화(宋元畵)를 규범으로 한 정상과 도석인물화가 부흥하고, 카오오와 모쿠안 등의 선승 화가가 나타났다. 1368년부터 1441년까지 계속된 키타야마 문화에서는 수묵화가 애호됐고, 공무(公武)와 연가(連歌)가 성행하였다. 슈분은 남송과 조선의 산수 양식을 섭취하여 수묵화를 일본화 하는 데 큰 역할을 하였다.1467년부터 히가시야마 문화가 탄생했는데 이 시대 문화적 성격은 서원, 정원, 차 꽃 등을 취미로 하는 왕조문화와 민중 문화의 성숙을 특징으로 하는 장식적인 쇼헤이화와 공예 등이 발전했다. 특히 한화(漢畵)가강력한 권력에 의해 근세로 진입한 시기로, 고대?중세적인 권위의 몰락을 반영한 강렬한 표현과 호화로운 장식을 보여주는 현세주의적 인간 중심의 문화적 경향을 볼 수 있다. 전국을 통일한 여력은 장대한 성을 구축하고, 미술의 제 분야를 동원 하여 장대한 장식 미술을 창출했다. 평화로운 현세를 반영한 의장(意匠) 감각과 고전 문화의 부흥을 의도한 공공연한 결집 등의 기운도 이 시기의 특색이다.또 하나의 특징으로 센리큐의 '와비차'는 간소하고 한적한 미의식을 추구하여 당시의 호화로운 미의식에 대응했다. 여기에서 일본화적인 독자적 화풍이 싹트기 시작한다. 무가의 초상화, 부처와 부인상, 유아상 등 풍속화가 확립되었고 쇼헤이(障屛) 그림의 황금시대를 이루었다. 금?은을 사용한 금벽화가 유행하였다. 소서원(小書院) 등의 사적인 곳에서는 수묵화를 선호했다. 이 시대의 화가들은 중국 그림을 일본화하고 다각적인 표현으로 유파를 형성했는데 카노오파가 대표적이다. 성화(聖畵)의 모사와 서양 판화의 제재를 이용한 인물도, 세계도 등을 제작한 풍속도 있었다.6. 에도 시대(江戶時代 1600-1868년)에도 시대(1603-1867)에는 막번 체제 확립에 의한 봉건 사회가 완성되고 사농공상의 신분제와 쇄국 등의 정책으로 국내 평화가 유지된 시기였다. 상공업의 발달과 민중 계급이 형성되고 봉건제와의 갈등이 표출된 갖가지 문화가 이루어졌다. 초기에는 모모야마 양식이 남아있는 웅장한 금벽장 벽화가 묘사되어 화조 화, 풍속화 등이 주제가 되었다. 전통적인 미술이 보급되었고, 주자학을 관학으로 한 무가의 미적 선호 경향이 나타났다. 소타즈는 민중을 기반으로 하여 야마토에의 전통을 장식적이고 독특한 양식으로 창조했는데 이것은 린파로 계승되었다.또 신흥계급의 성장으로 사치스런 속세의 향락을 추구하는 미술이 전개되었다. 중기 이후에는 나가사키를 통하여 수용된 청나라와 네덜란드의 지식에 의해 서양화가 탄생했다. 후기에는 막번의 모순이 심화되어 퇴폐적인 풍조가 가득했고 도시 대중들 사이에는 가부키 등 상징의 중심세력이 되었다.간에이(寬永 1624-644년)라고 불리는 이 시기의 회화들은 교토의 가모가와(鴨川) 강변의 유흥가에 모인 여러 계층의 사람들을 묘사하였다.오사카 와 에도 에는 이와 비슷한 지역이 있었는데, 이곳의 우키요(浮世-세속)라고 불리는 세속적인 생활방식은 우키요에 (浮世繪-세속적인 풍속화)라는 예술 장르로 승화되었다. 이러한 우키요에 는 매춘굴과 가부키(歌舞伎) 극장을 주로 묘사했으며 전국적으로 큰 인기를 끌었다. 18세기 초반까지 회화형식으로 제작된 우키요에 는 대부분이 목판화였다.처음으로 출판된 우키요에 는 슌가 (春畵)라고 불리는 성 지침서(외설적인 사진)였는데, 이러한 책과 그림 집들은 매우 노골적으로 정사(情事) 장면을 표현했다. 슌가 중에는 주석이 달린 그림책도 있었는데, 주로 머리를 감는 매춘부들의 초상화를 그렸다. 이러한 장면에서 주로 초점이 되는 것은 매춘부들의 자세와 기모노를 걸친 모습 등이었다.후반기에 이르자 우키요에 의 중심 활동은 교토 - 오사카 지역에서 에도 지역으로 옮겨갔으며, 이곳에서는 가부키 배우들의 초상화가 일반적인 주제가 되었다. 일반 서민들도 미인을 그린 우키요에 에 큰 관심을 나타냈다. 18세기 후반까지 우키요에 는 황금기를 누렸다. 토리 기요나가의 작품에 나타난 키가 크고 우아한 여성의 아름다움은 1780년대 주요 테마였다. 1790년 이후에는 오늘날 유명해진 여러 화가들-기타가와 우타마로, 토스사이 사라쿠, 가츠시카 호쿠사이, 안도 히로시게, 우타가와 구니요시-에 의해서 새로운 형식이 도입되어 급속히 전파되었다.유럽의 훌륭한 화가들을 포함한 19세기 후반의 여러 서구화가들에게 우키요에 는 외국의 미술형태이상의 의미를 지닌다. 에드가드가 와 빈센트 반 고호 등의 화가들은 우키요에 의 구도 양식과 원근화법, 그리고 색채의 사용법 등을 이용했다. 또한 이들은 서구 미술에서는 거의 볼 수 없었던 자연을 주제로 사용하여 화가들의 주제에 대한 선택의 폭이 넓어졌다. 프랑스의 화가이자 유리 세공가였던 에밀 갈레는 호쿠이토 자쿠츠와 같은 주요 화가들은 일본과 중국, 서구 형식의 특징들을 모두 받아들였다.현대의 미술일본 문화는 메이지 시대에 눈부신 발전을 했는데 이시기는 정부가 서구의 기술과 관념에 대해 연구하고 적당한 요소를 국가적 장점으로 채택하기 시작한 때이기도 하다.현대화 작업의 과정 동안 서구형식의 회화들은 정부의 후원을 받았으며, 많은 화가들이 국비로 해외유학을 떠났다. 전통적 일본회화와 새로운 서구회화간의 경쟁이 끝나고, 타이쇼 시대(大正時代 1912-1926년)에 이르자 미술에 있어서 서구적 요소들이 큰 영향력을 행사하였다.우메하라 류자부로 와 야스이 소타로 같은 화가들이 폴 세잔 과 피에르 어거스트 르느와르 , 카밀레 피사로 등의 기법을 공부하고 보급시켰다.그러나, 2차 세계대전 이전 기간 야스이 와 우메하라 는 일본에서 서구 형식의 회화적 특성들을 대부분 몰아냈다. 우메하라는 그 작품의 여러 요소들을 일본 형식의 회화에 도입하고 일본의 다른 서양화가들이 좀더 독창적인 해석력을 가지도록 일본적 요소를 서구형식에 도입하기도 하였다. 일본 회화의 현대화는 야스다 유키히코 와 고바야시 고케이 의 지도 아래 진행되었다.다른 여러 화가들은 대중적인 주제를 채택하고 잦은 전시회를 가짐으로서 일본스타일의 회화에 대한 관심을 모으고자 노력했다.해외로 유학을 떠났던 화가들이 일본으로 돌아왔던 20세기 초반에 서구 스타일의 조각품에 대한 관심이 높아졌다. 대표적인 조각가로는 어거스트 로댕 의 기법을 도입하여 일본 조각의 현대화에 선구자 역할을 하였던 오기와라 모리에 가 있다. 또 다른 영향력 있는 조각가로는 뛰어난 시인으로서 예술에 대한 로댕의 견해를 번역했던 다카무라 고타로 가 있다. 2차 세계대전 후 일본에는 팝 음악, 추상예술, 미니멀 아트, 동태예술 등의 서구문화사조가 급속히 확산되었는데, 일본미술은 그 와중에서도 그들 나름의 독창성을 되찾기 시작했다.다른 문화를 전통적으로 수용한 일본 화가들은 세계 미술시장에 독창적인 작품을 내놓고 있는데 대표적인 화가 두 명으로는, .

예체능| 2009.05.07| 6페이지| 1,000원| 조회(977)

일본, 미술사, 금당벽화, 일본 미술사, 아좌태자

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[미술교육] 한국화 지도방법 개선에 관한 연구 평가A+최고예요

碩士學位論文초등학교 한국화 지도방법개선에 관한 연구- 5·6학년을 중심으로 -A Study on the Improvement of Korean Artand Its Teaching at Elementary Schools- focusing on 5th&6th grade student sin Elementary School -목 차SUMMARYⅠ. 서 론11. 연구의 필요성 및 목적12. 연구의 방법 및 범위2Ⅱ. 이론적 배경 및 초등학교 교육과정에서 한국화 교육 실태51. 한국화 개념52. 한국화 지도의 교육적 가치73. 한국화 교육의 실태10III. 초등학교에서의 창의적 한국화 지도 사례분석 241. 흥미유발단계242. 기초 표현기법 단계323. 창의적 표현단계394. 감상단계475. 한국화 지도 결과 분석 및 각 단계의 보완적 방안50IV. 초등학교 한국화 지도 방법의 개선 방안541. 한국화 지도 방법의 개선 방안54V. 결론57참 고 문 헌60〈표 목 차〉〈표-1〉교육과정에 제시된 5·6학년 미술과의 내용11〈표-2〉제7차 미술교과서의 한국화 지도내용(3·4·5·6학년)12〈표-3〉교과서에 실린 한국화 감상 분석13〈표-4〉초등학교 5·6학년 미술교과서 중 한국화가 차지하는 비중14〈표-5〉한국화 작품의 소재별 분석 14〈표-6〉과목별 흥미도 조사15〈표-7〉미술 영역별 흥미도 조사16〈표-8〉화지에 대한 관심도 조사16〈표-9〉한국화에 대한 경험 인식도 조사16〈표-10〉한국화 지도의 필요성에 대한 조사18〈표-11〉영역별 지도에 대한 조사18〈표-12〉한국화 수업량에 대한 조사19〈표-13〉1학기 동안 한국화 수업 비중도 조사19〈표-14〉한국화 영역별 비중도 조사20〈표-15〉미술 교과서 활용도 조사20〈표-16〉미술 지도서의 활용도 조사20〈표-17〉이론과 실기의 비중도 조사21〈표-18〉한국화 지도의 자신감 조사21〈표-19〉한국화 지도가 부진한 원인조사22〈표-20〉한국화 지도시 아동들의 반응조사22〈표-21〉한국화 연수 기회에 대한 조사 22〈미술6』, 한국교육개발원, 1997, p.18.시켜 성년에 이르러서는 우리의 것에 대한 자신감이 형성되도록 해야 한다. 따라서 초등 미술에서의 한국화 교육은 아동들이 한국화의 재료와 용구를 사용하여 표현하는 그림을 의미하는 것인데 전통을 밑바탕으로 하여 다양한 자료의 활용으로 창조적 표현력을 길러 나가야 할 것이다.한국화 교육의 기능과 역할은 한국화 교육을 통해서 얻을 수 있는 교육적 효과에 있다고 보기 때문에 초등학교 미술 교과 영역에서 한국화 교육의 개념을 정의해 보자. 첫째, 한국화 교육은 한국적인 감수성과 미적 정서를 체험하게 하는 것이다. 둘째, 한국화 교육은 우리 민족의 주체성을 확립시키는 전통적인 표현 양식과 조형 감각적인 감성을 키우는 교육이다. 셋째, 한국화 교육은 우리의 전통 회화를 바탕으로 한 새로운 창조성 교육으로 문화의 독자성과 국제성을 이해시키는 교육이다.미술 교육에 있어서 한국화 교육은 민족 문화에 대한 이해와 긍지를 가지게 하며 우리의 것을 보존, 계승하려는 의지를 길러 줄 수 있다. 또 전통 문화를 재발견하고 창조하려는 의지와 그 능력까지도 길러 줄 수 있다.2. 한국화 지도의 교육적 가치아동들에게 있어서 미술교육은 생활 속에서 다양한 경험을 하게 함으로써 아름다운 것에 반응하는 미적 정서와 잠재적 창의력을 최대한 발현할 수 있도록 하는 데 있다. 더 나아가 균형적이고 필연적인 조형성을 양성시키며 아울러 전통문화를 계승하는 데 그 가치가 있다고 하겠다.그런 의미에서 초등학교 미술교과 영역에서 한국화 교육은 고유의 전통적 미술 문화의 가치를 이해하고, 민족 미술의 우수성을 아동들이 긍정적으로 수용할 수 있는 능력과 태도를 기르는데 좋은 계기가 된다고 본다. 우리나라 전통 회화에 대한 올바른 이해와 관심이 초등학교에서부터 길러지게 될 때 더욱 바람직한 미술교육의 교과를 얻을 수 있을 것이다.따라서 초등학교 교육현장에서 한국화 교육의 가치에 대한 인식을 새롭게 회복시켜 단계적이고 체계적인 한국화 교육을 해나가야 한다.또한 이와 같은 한 있다.(1) 아동의 실태분석본 연구의 필요성 및 목적과 관련지어 미술교과와 한국화에 대한 아동들의 실태를 파악하고자 경남지역에 5·6학년을 대상으로 설문지 등을 통하여 조사한 결과는 다음과 같다.〈표-6〉과목별 흥미도 조사{교과목도덕국어사회수학자연체육음악미술실과계N*************3105％2.910.511.412.45.731.417.15.72.9{100{초등학교 어린이들이 가장 흥미 있어 하는 교과는 9개 교과 중 체육이 전체의 33％로 흥미도가 가장 높았다. 다음으로 음악, 수학, 국어, 사회에 이어 미술은 여섯 번째 순으로 전체의 6％에도 미치지 못해 아동들의 흥미를 위한 미술 수업이 필요하다고 본다.〈표-7〉미술 영역별 흥미도 조사{표현방법수채화한국화판화꾸미기, 만들기찰흙으로 만들기계N192105420105％18.129.551.419{100{아동들의 표현방법에 따른 흥미도를 조사한 것이다. 회화영역 보다는 꾸미기와 만들기가 전체의 51.4％로 가장 높았고, 다음은 찰흙으로 만들기 영역이 19％로 그 뒤를 이었다. 회화의 수채화도 18.1％에 미치고 있는데 반해 한국화는 2％의 극히 저조한 관심과 흥미를 나타내고 있었다. 이것은 아직도 한국화가 보편화되지 않고 있으며 쉽게 접할 수 없다는 것을 보여주고 있다.〈표-8〉화지에 대한 관심도 조사{화지색도화지신문지화선지헝겊골판지기타계N497492511105％46.76.63.88.623.810.5{100{그리기의 화지에 대한 관심도를 조사한 것이다. 아동들은 색도화지에 그리기를 가장 좋아하였으며, 기타 미술 시간에 자주 다루어 보지 못한 재료에 호기심을 나타내고 있었다. 한국화의 주재료인 화선지에 대해서는 전체의 3.8％정도로 화선지에 그리기의 지도 방법적인 면을 더 계발해서 아동들이 화선지에 대한 관심과 흥미를 불러 일으켜야 한다.〈표-9〉 한국화에 대한 경험 및 인식도 조사{문항내용조사내용N％한국화를 그려본 경험여러 번 그려보았다.22몇 번 그려보지 못했다.2220.9그려본 적이 없거나 기억나지 않는다년,35 34㎝골판지로 나타내기, 2004, 창원정 , 남, 초등학교5학년, 35 34㎝골판지로 나타내기, 2004, 창원골판지로 찍어내어 사물 나타내기를 했을 때 붓으로 농담을 표현하는 것 보다 흥미를 유발시키는데 더 큰 효과가 있었으며 특히 산을 표현할 때 산의 질감이 잘 나타나 산을 잘 표현할 수 있었다. 또한 다른 재료를 가지고 표현할 수 있다는 것에 대해 아동들이 흥미를 느끼게 되었고 완성 된 작품을 보며 표현하고자 하는 것을 발표하고 친구들과 함께 서로의 작품을 감상하며, 이야기 해 봄으로써 그리기에서 벗어난 새로운 기법적 표현을 익힐 수 있었다. 유의할 점은 종이 골판지여서 조금 찍다보면 골판지의 형태가 조금씩 없어지기 때문에 자기가 원하는 크기의 골판지가 여러 개 필요하다.〈표-24〉거품을 이용해서 농담 표현하기 교수-학습지도 과정안{주제거품을 이용해서 농담 표현하기수업형태모둠, 개별학습학습목표거품을 이용한 수묵표현을 통하여 화선지와 먹의 성질을 이해할 수 있다.준비물교사 : 참고작품, OHP자료 등아동 : 화선지, 먹, 벼루, 물그릇, 깔개, 퐁퐁, 종이컵 또는 컵, 빨대 등학습의 단계학습의 흐름 및 형태교수-학습활동시간자료 및 유의점준비수업시작■동기유발 및 분위기 조성* 여러 가지 회화적 표현기법 중에서 흥미 있었던 것 이야기하기* 참고작품 보며 학습목표 확인하기 (재미있는 방법의 수묵표현을 통하여 화선지와 먹의 성질을 이해 할 수 있다.)5분참고작품 제시는 적극적으로 하며 오랫동안 제시하지 않는다.- OHP필름발상 및 구상표현방법 및 이미지 구상- 모둠학습■모둠별 학습 준비물 점검■재료와 용구의 사용법 안내■학습목표에 맞는 표현방법 모색하기10분농담을 만들어 거품을 내어 종이에 찍어낸다.표현개별학습■구상한 내용 화지에 표현하기*거품을 이용한 우연한 효과와 더불어 화선지와 먹의 특성을 관찰하여 나타내기*재미있는 점 찾아보기50분감상모둠학습■감상하기* 모둠별로 감상하기-자기작품의 의도 이야기하기-친구의 작품에서 잘 표현된 점 찾아주기*일제 감상임하며 한국화 표현의 기초 기법을 익힐 수 있다.)5분{발상및구상표현방법 및 이미지 구상- 모둠학습■참고작품을 감상하며 기법 이해하기*교사의 시범 보이기{{*구륵법 *몰골법{*갈필법■학습 준비물 및 과제 점검하기*용구의 위치 확인하기*스케치 자료 두 장을 보며 지도하기15분참고작품 및OHP자료참고작품을 보는 시간은 너무 오래 잡지 않는다.붓끝으로 두 개의 윤곽선을 그리고 그 가운데를 채색해 가는 화법임을 설명한다.윤곽선을 그리지 않고 붓에 농담을 표현할 수 있도록 먹을 묻혀 단숨에 그려 나가는 화법임을 설명 한다붓의 물기를 빼도 거친 붓끝으로 속도감 있게 그려 나가는 화법임을 설명하고, 교사의 시범을 보인다.개인별로 구상지도를 철저히 한다.표현일제학습■스케치 자료 수정 또는 보완하기■스케치 자료 1을 수묵담채로 표현하기■스케치 자료 2를 수묵담채로 표현하기50분스케치자료감상일제학습■감상하기*친구의 작품에서 잘 표현된 점 찾아주기■차시예고 및 뒷정리하기*생활 경험화나 상상화를 주제로 스케치해오기*뒷 정리 하기10분〈그림-4〉여러 가지 표현기법으로 나타내기(아동작품){〈그림4-1〉구륵법으로 나타내기〈그림4-2〉몰골법으로 나타내기{{강 , 남, 초등학교 6학년35 34㎝ 수묵화, 2004, 마산김 , 여, 초등학교 6학년35 34㎝ 수묵화, 2004, 마산〈그림4-3〉갈필법으로 나타내기〈그림4-4〉구륵법으로 나타내기{{김 , 남, 초등학교 6학년35 34㎝ 수묵화, 2004, 마산이 , 남, 초등학교 6학년35 34㎝ 수묵화, 2004, 마산여러 가지 기법을 지도 교사가 직접 시범을 보이고 설명하기 전에는 어떻게 먹을 사용하고 채색을 하는지 몰랐지만 지도 후〈그림4-1〉,〈그림4-2〉처럼 그 기법에 맞게 사용하여 표현 하였다. 특히〈그림4-3〉은 갈필법의 기법이 잘 표현 된 작품으로 선이 거칠고 물기가 없이 잘 표현된 작품이다. 〈그림4-4〉은 구륵법을 이용한 작품인데 〈그림4-1〉보다 다양한 색을 사용하여 표현한 작품이다.교사의 설명보다는 참고작품 감상과 교사 시 좋다.

학위논문| 2005.08.29| 65페이지| 5,000원| 조회(1,528)

미술교육, 한국화, 한국화 실태조사, 한국화 교육의 개선방, 한국화 지도사례분석

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[미술] 대지미술과 작가

I. 서론20세기를 대표하는 미술 경향에는 팝아트, 옵아트, 미니멀 아트, 대지미술, 개념 미술 등 여러 경향들이 있다. 그 중에서 고등학교 미술교과에 나오며 대지미술에 속하는 스미드슨의 대표작인 《나선형 방파제(혹은 나선형의 둑)》(1969-70, 직경48.8m, 총길이457m)에 대해서 살펴보고 대지 미술의 개념에 대해서 설명하고자 한다.II. 본론(1) 작가 : 로버트 스미드슨고등학교 교과에 나오는 로버트 스미드슨(Robert Smithson, 1938∼1973)은대지미술의 대표적인 작가로서 대표작으로는《나선형 방파제(혹은 나선형의 둑)》(1969-70, 직경48.8m, 총길이457m)가 있다. 그는 뉴저지주에서 출생하여 뉴욕 아트 스튜던트 리그에서 수학하고 댈러스-포트워스공항의 설계에 관한 경험을 바탕으로 대지작업의 독자적인 논리를 개발할 수 있었다. 그는 대지를 단순히 자연으로 받아들일 것이 아니라 실외의 미술관으로 생각하며 풍경을 보는 방식이 개혁 될 것을 주장하였다. 대지미술은 오늘날에 있어서 자연이 변질해 가는 것을 냉철한 태도로 확인하고 그렇게 잃어버리는 자연에 대한 향수와 유사한 정서를 서로 혼합하여 보관하는 것을 전제로 하는 예술이라고 하였다. 스미드슨은 갤러리나 미술과 같은 제도적 기관을 일종의 문화적 감옥 이라고 표현하였다.작가들은 자신이 그러한 기재들에 대해 주도권을 쥐고 있다고 착각하지만 실상은 그 제도적 기재들이 예술가들을 장악하고 있다는 것이다. 따라서 그는 더 이상 모더니즘론{) 모더니즘은 현대주의 또는 근대주의로 번역될 수 있는 용어로서 일반적으로는 기성 도덕과 전 통적 권위를 반대하고 자유와 평등, 도시의 시민 생활과 기계 문명을 구가하는 사상, 예술적 사조를 의미한다. 문예 사조로서 모더니즘은 대개 두 개의 뜻을 가지는데. 넓은 의미로는 상 징주의 이후에 나타난 전위 예술, 즉 인상주의, 미래파, 야수파, 미래주의, 다다이즘, 초현실주 의, 주지주의, 이미지즘 등을 포괄하는 개념이다. 좁은 의미로는 주지주의인 특성을 띠는 영국 과 미국의 이미지즘과 모더니즘을 가리킨다.에 억압받지 않고 자연으로, 선사시대로 눈을 돌렸다. 그는 스톤헨지{) 거석주(巨石柱)라고도 한다. 영국의 에브벨리, 프랑스의 엘라니크의 것과 더불어 장대한 규모 의 스톤서클(環狀列石)의 유구(遺構)가 있는 것으로 유명하다. 지름 114m의 도랑과 도랑 안쪽 에 만들어진 제방에 둘러싸여 2중의 고리 모양으로 세워진 82개의 입석(立石)의 뽑힌 자리가 보인다. 중심부에는 2중으로 환상열석과 말발굽 모양의 열석이 둘러쳐 있다. 바깥쪽의 환상열 석은 지름이 30m인데 30개의 열석이 늘어서 있고, 그 위에 순석(楯石)을 난간처럼 걸쳐 놓았 으며 지름 23m의 안쪽 열석에는 순석은 없다.다시 안쪽에는 두 개의 입석 위에 횡석(橫石)을 놓은 5쌍의 삼석탑이 중앙의 제단석(祭壇石)으로 불리는 네모난 돌을 에워싸듯 놓여 있다. 이 석조구축물의 주축이라고 할 동북부에는 바깔 도랑이 잘리어 4각형의 광장이 부설되었고, 그 중간에 힐스톤이라고 불리는 1개의 돌이 있다.이 구축물들은 건조시기가 각각 다른데 바깥 도랑과 제방 그리고 힐스톤은 방사성탄소연대 측정으로 BC 1848 275년에 건조되었고, 입석류는 BC 1700∼BC 1600년, 중앙의 석조물은 BC 1500∼BC 1400년 건조된 것으로 추정되고 있다. 이 스톤헨지가 고대의 태양신앙과 결부되고, 하지(夏至)의 태양이 힐스톤 위에서 떠올라 중앙제단을 비추었던 시기가 천문학적으로 BC 1840 200년이라고 계산됨으로써 방사성탄소연대측정의 결과와 일치하는 점으로 주목받고 있 다. 1986년 세계문화유산 목록에 등록되었다.나 돌무덤 등을 찾아다녔으며 자연사 박물관을 방문하고 지구 과학책을 읽었는데 이렇게 해서 그가 얻은 결론은 있는 그대로의 자연 으로 돌아가야 한다는 것이었다.그래서 그는 18세기 회화적 풍경으로서의 자연이 아닌 퇴적지, 폐광, 사막, 오염된 강 등을 찾아다니면서, 그러한 현장에서 아스팔트라든가 진흙, 혹은 끈끈한 용액을 경사면을 따라 흘리거나 퍼부어서 재료에 따른 특성과 속도를 살펴보기도 했다. 반면, 자신의 이와 같은 작업을 한 현장(site)의 사진이나 그곳에서 가져온 흙이나 자갈을 - 현장에 대한 정보로서 - 비 현장(non-site)인 갤러리에 전시했는데 그가 이러한 작업을 통해 그려내고자 한 것은 자연의 모습 이 아니라, 자연의 실체 그 자체였던 것이다.이렇게 그는 택사스 중에서 항공기 추락사고로 사망하기 전까지 이 분야에 헌신했다.(2) 작품 : 나선형의 방파제로버트 스미드슨, , (1969-70, 직경48.8m, 총길이457m)는 스미드슨의 대표작으로 완성된지 얼마되지 않아 유명해 졌다. 미국 유타 주의 그레이트 솔트레이크(Great Salt Lake)에 있는 로젤 포인트에 현무암, 석회암, 흙, 그리고 결정염(結晶鹽)등으로 쌓은 거대한 방파제 작업이다. 그 장소를 선택한 이유는 작가의 제작의도에 적합하기 때문이며 비행기를 타고 보아야 할 만큼 규모가 큰 점도 랜드 아트의 기본적인 특징에 합당하기 때문이다. 또한 그곳의 물이 포도주 빛을 띄고 있기 때문이며, 이것은 정열과 생명, 그리고 원초적인 호수의 메타포(metaphor)가 풍부하기 때문이라고 한다.그리고 미국 유타주의 그레이트 솔트 호수에 하천과 채석장 등에서 수집한 여러 가지 재료를 기하학적으로 구성한 후, 그것들이 물의 흐름에 따라 자연스럽게 침식하며 변화하는 과정을 작품으로 보여주었는데 현재 이 작품은 모두 침식되어 남아 있지 않다.그는 또 예술작품을 땅의 어디엔가 놓는 대신에 어딘가의 땅이 예술 작품속에 놓여지는 것 이라고 주장한 이 경향의 개념적 성향을 인용하기도 한다.사실상 그의 작품의 대개는 해변에 구축되는 모래성처럼 시간과 함께 변형되고 이윽고 사라져 가는 몽상과 같은 측면을 분명히 지니고도 있다.(3) 대지미술의 개념1960년대 말에 현대미술의 전개과정에서 추상미술에 밀려 실종된 듯한 자연을 재생하려는 움직임이 새롭게 대두되었다. 1960년대에 큰 힘을 발휘한 미니멀 아트(minimal art){) 1965년 영국의 철학자 R.월하임이 처음으로 20세기의 특수한 예술적 동향을 논한 논문의 제목 으로 사용한 용어이다. 논문에서는 M.뒤샹의 기제품(旣製品)의 오브제, A.라인하트에 의한 모 노크롬의 회화 등을 문제삼아, 의식적으로 이의 미적 가치를 저감시킨 작품군을 지칭하여 미 니멀아트라 하였다. 그러나 그 후 1968년 7월 뉴욕근대미술관이 개최한 ‘실제의 예술전’에 서는, 이 전람회에서 주목받은 작품, 즉 D.자드, F.스테라, R.모리스, S.루이카트, K.앙드레, D. 플레이빈 등의 작품을 총칭하는 말로 정착되었다.이 명칭이 시사하는 바와 같이, 작품은 예술상의 자기표현을 최소한도로 억제하는 것으로, 작품의 색채·형태·구성을 극히 단순화하여 기본적 요소로까지 환원해간다. 현실공간에 있는 입체작품에서 이 경향의 특징을 많이 찾아볼 수 있는데, 이를테면 정사각형과 정육면체 등의 단순한 형태에 일정 시스템을 채용, 동일 단위의 반복에 의한 연속체로 회장의 공간 전체를 구성하는 등, 작품의 규모가 크고 극히 모노톤적인 외관을 나타내 보인다. (미술용어사전참고)는 최저한으로 단순화되고 비 대상화된 형태와 패턴의 무표정한 반복 때문에 자연의 대상적 세계를 수용할 겨를이 없었다.여기에 반발하여 자연을 직접적인 예술적 오브제(object)로 채택하여 예술에 적용시키려는 움직임이 대두되었다.대지미술은 별칭인 랜드 아트(Land Art)', '프로세스 아트(Process Art)로도 통한다. 대지미술은 개념미술(Conceptual Art){) 사진 또는 도표로 나타내는 문서 등을 수단으로 종래의 예술에 대한 관념을 외면하고 완성된 작품 자체보다 아이디어나 과정을 예술이라고 생각하는 반(反)미술적 제작태도를 가리킨다. 이와 같은 현상은 동유럽권을 포함해서 북미·남미·오스트레일리아 및 일본에까지 확산되어 있다. 그 맥락은 예술의 ‘최소한’을 강조하는 미니멀 아트의 논리적 귀결에서 찾을 수 있 다. 또한 네오다다이즘이나 플럭스(flux) 파문을 일으켰던 1960년을 전후하여 여러 기존형식을 파괴하는 일련의 운동과 함께 거의 같은 시기에 발생하였다. (미술용어사전 참고)과도 깊은 연관을 갖는다. 옵아트(Op Art){) 옵아트는 팝아트의 상업주의와 지나친 상징성에 대한 반동적 성격으로 탄생되었다. 옵아트라 는 용어는 1965년 뉴욕 현대미술관에서 개최된 전시회‘감응하는 눈(The Responsive Eye)’ 이후 《타임》지에 처음 쓰였다. 이 전시회 출품작들은 평행선이나 바둑판 무늬, 동심원 같은 단순하고 반복적인 형태의 화면을 의도적으로 조작하고 명도가 같은 보색을 병렬시켜 색채의 긴장상태를 유발했다. 그 결과 관람자는 그림이 움직이는 듯한 착시를 일으키고 한 부분을 오 래 바라볼 수 없게 된다.옵아트는 구성주의적 추상미술과는 달리 사상이나 정서와는 무관하게 원근법상의 착시나 색채의 장력(張力)을 통하여 순수한 시각상의 효과를 추구한다. 그리고 빛·색·형태를 통하 여 3차원적인 다이나믹한 움직임을 보여준다. 그러나 지나치게 지적이고 조직적이며 차가운 느낌을 준다. 때문에 옵아트는 인문과학보다는 자연과학에 더 가까운 예술이다. 옵아트는 당 시 디자인계나 패션계에 영향을 끼쳤으나 사고와 정서를 배제한 계산된 예술로서 일반 대중 으로부터 지지를 받지는 못했다.와 미니멀 아트 등 평면을 고수하는 미술의 전개과정에서 이탈하여 별개의 이정표를 세운 것이 대지미술이기도 하다. 여기에 참여한 작가들은 발달된 과학기술의 현대문명과 풍요로운 경제 여건 속에서의 문화적 및 예술적 가치들에 의구심을 갖게 되었고 그들은 광대무변한 풍경(landscape) 속에서 예술을 재인식하게 되고 인간과 자연의 일치를 주장하는 입장이었다.

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대지미술, 미술작가, 현대작가, 대지미술의 작가, 로버트 스미드슨

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[미술] 팝아트와 대표적인 작가

I. 서론팝아트는 자본주의 사회가 만들어낸 소비문화의 대중미술로서 1960년대 초기에 미국에서 발달하여 미국화단을 지배했던 구상회화의 한 경향이다. 추상표현주의에 식상한 화가들이 경쾌하고 가벼운 대중문화의 이미지들을 그림에 등장시켰고 이들은 만화나 텔레비젼 또는 잡지광고들에 자주 등장하는 이미지들을 기호로 채택하였다.본론에서는 팝아트의 특징과 영국의 팝아트와 미국의 팝아트의 비교 그리고 대표적인 작가 앤디워홀, 요셉 보이스 등에 대하서 알아보고자 한다.II. 본론1. 팝아트20세기 중반에 일어난 구상미술의 경향이다. 1950년대 초 영국에서 그 전조를 보였으나 50년대 중후반 미국에서 추상표현주의의 주관적 엄숙성에 반대하고 매스 미디어와 광고 등 대중 문화적 시각이미지를 미술의 영역 속에 적극적으로 수용하고자 했던 구상미술의 한 경향을 말한다.일반적으로 미술평론가 L.앨러웨이가 1954년에 처음 사용한 것으로 알려지고 있으나 팝 아트가 비평용어로 채택되기 이전에 팝 아트적 징후를 상기시키는 작품이 영국에서 나타났다. 즉 1949년부터 F.베이컨이 작품에 사진을 활용함으로써 팝 아트의 형성에 중요한 영향을 끼쳤으나 베이컨은 팝 아트와 실질적인 관련이 없으며, 1954∼1955년 겨울에 영국의 젊은 작가들의 공동작품 및 그것과 관련된 토론 가운데 팝 아트란 말이 사용되기 시작했다. 영국에서 대중소비문화에 대한 관심 아래 조직된 전시가 1956년에 열린‘이것이 내 일이다 이며, 이 전시에 R.해밀턴이 출품한 《오늘의 가정을 그토록 색다르고 멋지게 만드는 것은 무엇인가?》라는 작품은 영국에서 만들어진 최초의 팝 아트 작품이라고 할 수 있다.영국의 팝 아트는 부분적으로는 장엄한 낭만주의{) 19세기 전반, 특히 1820∼1830년에 걸쳐 유럽 여러 나라에서 회화를 비롯하여 조각 등에도 파 급되었던 예술사조.주요 화가 - 고 야 Francisco Jose de GOYA (1746-1828)제리코 Theodore GERICAULT . ( 1791 ~ 1824 )들라크르와 는데, 이 단어가 바로 다다였다.적인 반응이 보인다.영국의 대표적인 팝작가는 해밀튼, 파올로찌, 키타이P.B, 블레이크. Kitaj(미국태생), David Hockney, Allen Jones, Peter Black, Peter Philips, 특히 해밀턴이 바람직한 예술의 성질로 열거하고 있는 것들, 예컨대 순간적, 대중적, 대량 생산적, 청년 문화적, 성적(性的), 매혹적, 거대기업적일 것 등은 현대 대중문화의 속성을 그대로 압축해놓은 것이다.그러나 팝 아트의 성격은 미국적 사회환경 속에서 형성된 미술에서 더 구체적으로 반영되고 있다. 미국 팝 아트의 선배세대인 R.라우션버그와 J.존스는 이미 1950년대 중반부터 각종 대중문화적 이미지를 활용하였는데, 이들의 작업이 다다이즘과 유사한 특징을 보여준다고 해서 네오 다다(Neo dada){) 새로운 다다이즘’이라는 의미의 이 운동은 모든 전통적 가치나 이성의 우위 및 예술의 인습 적 형식에 도전하여 미(美)의 가치 체계를 바꾸려고 하였다. 제1차세계대전 후의 다다이즘이 이어지는 것으로, 이미 이루어져 있는 미적 가치를 파괴하고 새로운 창조활동을 지향하려 하 는 움직임이다. 이 운동은 제2차 세계대전 직후의 표현주의적 추상과 기하학적 추상의 대립에 대해 전혀 새로운 가치를 찾으려 한 것으로, 당시 유럽에서 일어나고 있던 신사실주의 운동에 호응한 것이다.로 불려졌고, 그 외에 신사실주의, 신통속주의 등 다양한 명칭으로 불려지기도 했다. 미국 팝 아트의 대표적 작가는 A.워홀, R.리히텐슈타인, T.웨셀만, C.올덴버그, J.로젠퀴스트 등과 서부지역의 R.인디애너, M.라모스, E.에드워드 키엔홀츠 등을 들 수 있다. 이들 중 가장 많은 논의를 불러일으킨 작가가 워홀이다. 그는 마릴린 먼로, 엘비스 프레슬리 등 대중문화의 스타나 저명인사들을 캔버스에 반복적으로 묘사하거나 임의적인 색채를 가미함으로써 순수고급예술의 엘리티시즘을 공격하고 예술의 의미를 애매모호하게 만드는 일련의 작품을 발표했다.팝 아트는 텔레비전이나 아들이는 현대 인간의 감수성을 의식화한 것이다.사실상 팝아트는 세 가지 다른 방향에서 추상표현주의{) 1940년부터 1970년까지의 미술사는 미국이 주도하였다. 다른 영역에 있어서도 미국의 이 미지는 거대했으며 그것은 2차대전 이후까지 미술시장을 장악했던 파리와 그 주변의 유 럽 문화가 전쟁의 결과로 피폐로 상대화되었다. 많은 유럽의 미술가들은 안전한 미국으 로 망명길에 올랐으며 미국에서 새로운 조류를 형성하게 된다. 미국은 전쟁을 통한 부와 내부적인 문제를 극복하고 일차적인 경제적인 난관에 봉착하자, 정책적으로 문화적인 후 원을 통한 극복을 꾀한다. 뉴딜 정책의 일환으로써 연방미술정책(Fedral Art Project)이 미술을 공동체의 일상 생활과 통합시키기 위해 결성된다. 벽화작업은 공공작업을 통한 노동의 수요와 미국적인 미술의 한 특징을 짓는 계기를 마련한다. 멕시코의 리베라 등이 추진한 벽화의 영향으로 큰 규모의 초대형회화의 캔버스가 생기는 계기가 된다.추상표현주의자들은 정부의 관심과 미국에 형성된 작가들의 자각이 함께 어울려 탄생한 것이다. 이들은 미국적인 주체성은 확보하기 위해서 애를 쓰는데 고대 신화나 원형적이 의미, 또는 원시미술 특히 인디언의 제의에서 비롯한 숭고함과 비장감을 자신들의 이념 을 세우는데 기꺼이 받아들이는데 그것은 초현실주의 영향으로 원시적 주제에 의한 오토 마티즘으로 연결된다. 융의 무의식에서 비롯된 신화, 상징의 집단무의식을 통해 인간내부 의 공통의식을 예술로 승화하고자 했으며 미국의 지리적이고 정신적인 개척의 전통을 반 영하기도 했다.에 도전했는데, 추상표현주의가 대부분 추상적이었다면 팝은 구상적이었다. 그리고 모두가 추상을 하고 있는 상황에서 팝은 '새로운' 것을 들고 나왔으며, 보다 미국적이었다.팝아트의 가장 특징적이고 소란스러웠던 측면은 팝이 형상성을 띠지만, 그러나 그것은 직접 관찰된 실재 그대로의 이미지가 아니라 인공적인 제2의 이미지를 그대로 채택한다는 것이다. 실재로부터 직접 관찰된 이미지는 화면에 옮겨지기 위에 출품하여 주목을 끌기 시작하고 그 후 만화의 한 컷, 신문보도 사진의 한 장면, 영화배우의 브로마이드 등 매스미디어의 매체를 실크스크린으로 캔버스에 전사(轉寫) 확대하는 수법으로 현대의 대량소비문화를 찬미하는 동시에 비판하여 이름을 떨쳤다.1963년부터는 《슬립》, 《엠파이어》 등 실험영화 제작에 힘쓰고, 상업영화에 손대는가 하면 소설도 출판하는 등 다방면으로 활약하여 1960년대 미국 예술계를 대표하는 존재가 되었다. 한국에서는 1994년 9월, 호암 갤러리에서 그의 팝아트전이 개최되었다. 주요저서에 《1970년대의 조망》 등이 있다.그는 실크스크린이라는 대량 복제가 가능한 인쇄 방법을 이용하여 반복적 이미지를 보여준다. 이는 광고의 속성을 차용한 것으로 현대의 대중 문화에 걸맞는 예술 형태를 보여주는 것이다. 워홀은 대중적 이미지 뿐 아니라 공포의 이미지도 사용하는데 예를 들어 영화 배우와 같은 유명인들, 꽃, 코카콜라병, 또는 전기의자, 자동차 충돌 장면, 폭풍의 현장 등을 캔버스 위에 반복적으로 묘사하여 거의 임의적인 색채를 첨가함으로써 미묘한 효과를 보여준다.워홀의 작품은 대량 생산품을 새롭게 바라보게 한다는지 끔직한 장면이나 유명인들에 대한 반응을 마비시키는 등의 결과를 초래한다. 그는 대중적 속물주의를 정착시켰다. 특히 동어 반복적 표현을 통한 작품의 유일무이성 부정, 오리지낼리티의 부정 등은 후에 추상미술에 영향을 미쳤다. 그는 "나는 원래 상업미술가로 시작했는데 이제 사업미술가로 마무리 하고싶다. 사업과 연관된 것은 가장 매력적인 예술이다"라고 했을 정도로 미술은 심오한 정신의 산물이라기 보다는 오락적, 일상적 '상품'으로 취급하여 미술의 새장을 열었다.피카소가 20세기 미술에 있어 프로메테우스였다면, 선전가·장난꾸러기·벼락 출세자였던 워홀은 그리스 신화의 목신인 판이었다. 팝아트는 엄청난 상업성을 위해 미국미술 의 정신성을 포기한 장르다. 1960년대 초 워홀은 헐리우드의 요부들과 켐벨 수프깡 통 이미지의 야한 실크스크린 작품들로 미술계를는 카네기 대학교(Carnegie Institute of Technology)에서 상업디자인을 전공하고 10여 년간 삽화, 광고디자인, 백화점 진열창 디스플레이 등으로 성공적인 상업미술가로 활약하였다. 그러나 자본주의 사회에서의 예술의 상업성을 간파한 그는 1960년, 딕 트레이시, 수퍼맨 등 인기 만화나 광고이미지를 그대로 본 딴 그림을 시작으로 순수미술로 전환하였고 이후 캠벨스프, 코카콜라, 델몬트 쥬스나 세제 같은 미국의 대량생산 소비상품과 인기 배우, 유명인 등 대중들의 일상과 밀접한 대상으로 작업을 하였다. 이러한 작업은 1960년대에 막 도래한 대중문화의 시대상을 가장 효과적으로 반영한 것으로 평가받고 있다.워홀은 뒤샹{) 1887년 7월 28 프랑스 블랭빌에서 출생하였다. 입체파 조각가 R.D.비용, 화가 J.비용의 아우이 다. 파리의 아카데미 쥘리앙에서 공부하면서 P.세잔의 영향을 받았고, 뒤이어 1911년에 입체파 의 일파인 섹시옹 도르에 참가했다.1911년 파리에서, 1912년 뉴욕의 아모리쇼에서 동시성을 표시한 회화 《계단을 내려오는 누드 2》를 발표하여 큰 반향을 일으켰다. 1913년부터 다다이즘의 선구로 보이는 반예술적 작품발 표를 시작, 1915년 도미하자 이듬해 뉴욕에 독립미술협회를 결성하여 반예술운동을 일으켰다. 제1차 세계대전 후 파리에 돌아와 초현실주의(쉬르리얼리즘)에 협력, 1941년 A.브르통과 함께 뉴욕에서 초현실주의전을 열었다.이 일상생활 속의 오브제를 미술의 범주에 수용한 것처럼 상품광고나 사진과 만화, 포스터 등 레디메이드{) 일찍이 큐비즘(입체파) 시대에 뒤샹은 도기로 된 변기(便器)에 ‘레디메이드’란 제목을 붙여 전람회에 출품함으로써 이 명칭이 일반화되었다. 뒤샹에 의하면 레디메이드, 즉 기성품을 그 일상적인 환경이나 장소에서 옮겨놓으면 본래의 목적성을 상실하고 드디어는 단순히 사물 그 자체의 무의미만이 남게 된다는 것이다. 이것은 브라크나 피카소, 또는 쉬르리얼리즘(초현실주 의) 작가들이 바닷가의 조약돌이나 짐승다.

예체능| 2005.05.13| 6페이지| 1,000원| 조회(2,219)

팝아트, 앤디워홀, 요셉보이스, 현대작가, 팝아트의 대표적인 작

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[미술과 학습지도방법] 미술과 학습지도방법

I . 서론교육은 교사와 학습자의 두 주체 간 상호 작용에 의해서 이루어지는 것이며 주관적 객관적 세계를 내재적 능력에서 새로운 지식으로 구성할 수 있는 사람으로 학습자를 상정한다면 교사는 조력자, 격려자, 촉매자로서 자발적 학습 기회를 극대화 하도록 활동을 계획하고 실행하는 역할을 담당해야 한다. 미술교사는 일반적으로 교사들이 갖추어야 할 기본 자질뿐만 아니라 미술 교과가 가지는 특성 및 미술 수업의 특성에 맞는 여러 가지 자질이 함께 요구된다. 이런 미술교과의 특성을 잘 살릴 수 있도록 본문에서는 미술교과(한국화 중심으로) 학습의 일반적인 목표와 내용의 분류 그리고 한국화 지도방법 강화 방안 등에 대해 소개하고자 한다II . 본론교육 내용은 학습자의 흥미를 반영하는 것이어야 한다. 듀이(Dewey)는 교육의 내용은 심리적인 것(학습자의 흥미)에서 시작하여 논리적인(학문적인)것으로 진행되어야 한다고 하였다. 즉 내용은 학습자의 흥미를 고려하여 선정되어야 한다. 그러나 이러한 흥미는 지식의 세계로 이끄는 자극제로 간주되어야 한다는 것이다.1 . 목표(1) 목표 설정의 기준미술 교육의 이념과 성격은 시대에 맞게 변화되면서 목표 설정에 영향을 준다. 우선 미술 교육이 미술에 의한 교육이냐 , 미술을 통한 교육이냐 에 따라서 목표설정은 크게 달라진다. 또 이러한 설정이 명확할지라도 표현 활동과 감상 활동 중에서 어느 측면에 호소하느냐에 따라 그 목표가 달라지게 마련이다.미술교육의 고유한 기능은 개성의 신장, 창조성의 육성, 감성적 인식 능력 육성, 시각적인 인지 능력 육성 등에 있다. 그렇기 때문에 미술과 교육 과정에서는 교육 목표 달성의 근거가 되는 기준을 사회적 측면에서만 강조할 것이 아니라 인간적 요구, 학문이나 문화적 요구 등도 소홀히 해서는 안 된다. 따라서 미술과 목표는 다음이 고려되어야한다.첫째, 인간의 특성 변화를 충분히 포함할 수 있도록 포괄적이어야 한다.학교가 책임져야 할 학생의 행동 변화는 지적인 면에 한정되는 것이 아니다. 다시 말해서 지적 능개발원, 1997, p.92{표현 및 감상 능력, 창의성 계발,심미적 태도 함양미적체험표현 영역감상 영역미적 가치 발견창의적 표현비평적 가치 판단미 술 활 동【 그림 1 】 미술과 목표 체계도2 . 내용의 분류미술과 내용은 그것을 구성하는 속성을 중심으로 다양한 분류와 선정 방법이 있다. 그 중에서 많이 사용되는 방법으로 윌슨의 분류법이 있는데 그는 미술과의 내용을 재료 ,용구와 제작과정 , 시각적 구조 , 주제 , 형식 , 문화적 내용 , 이론과 비평 으로 나누고 있다.(가) 재료, 용구와 제작과정무엇을 표현할 것인가가 결정되면 어떤 도구와 방법을 사용할 것인가를 생각해야 한다. 한국화의 경우의 재료와 용구란 먹물, 붓, 화선지, 벼루 등 기초 소재나 직접적으로 쓰이는 기구를 말한다.제작과정은 표현활동을 의미하며 기법은 제작 과정에서 행해지는 개별적인 방법을 말한다. 재료의 특성을 파악하고 그것을 효과적으로 다루는 기술을 습득하는 것은 작품을 성공적으로 완성하는 중요한 요소가 된다.재료와 용구의 선택이나 제작 기법의 습득에 있어서는 학습자의 연령, 건강 상태 등이 고려되어야 하며 재료와 용구, 제작 과정과 기법을 이해하는 것은 작품의 감상이나 가치를 판단함에 있어서도 필수적이다.{) 교육부, 1999, p.161(나) 주제주제의 결정에 있어 가장 기초적인 단계가 자연이나 사건 등의 실제적 상황으로부터 주제를 이끌어 내는 일이다. 로웬펠드(Lowenfeld)는 학생들의 경험과 관계가 있는 자아, 가정, 사회 생활, 자연, 지역사회, 산업 등에 대한 경험을 바탕으로 주제를 정하는 것이 필요하다고 주장한 바 있다.{) 중학교 교육과정 해설, 교육부, 1999, p.25주제 선정에 있어 발전된 단계가 상징과 비유의 사용이다. 이것은 작품에서 보여주는 사실적인 요소 이면에 내포된 의미를 말한다. 실제로 존재하는 장미꽃을 통해서 사랑이라는 주제를 상징적으로 표현할 수 있다. 또 많은 종교화에서도 우리는 상징적인 의미를 발견할 수 있다. 한국화에서 설명하자면 까치와 호랑기 위한 제재와 지도 방법의 모색을 강조하고 있는 것이다. 보다 구체적인 한국화 교육의 방안은 다음과 같이 제시해 볼 수 있다.(1) 한국화에 대한 관심과 이해를 높일 수 있는 제재를 선정하고 지도 방법을 모색한다.가) 한국화 미술에 대한 관심과 이해를 높이기 위해서 미적 체험 , 표현 , 감상 의 모든 단원에서 한국화 미술에 관하여 부분적인 학습과 동시에 통합적인 교육이 이루어지도록 한다.나) 발상 지도나 작품 감상을 할 때 전통 문양이나 색채 등에 관심을 가지도록 지도한다.다) 발상 지도나 작품을 할 때 전통 문양이나 색채 등에 관심을 가지도록 지도한다.라) 미술 작품을 제작할 때 전통 문양이나 색채 등에 관심을 가지도록 지도한다.마) 한국화의 정착을 위해서는 순수 미술과 함께 생활 미술에도 관심을 가지게 함으로써 전통적인 미술품이나 생활 용품, 각종 민속 놀이를 통한 민족 정서와 생활 공동체 의식을 느낄 수 있도록 지도한다.바) 한국화의 초기 단계에서 다루는 기법에 대해 이해를 돕기 위해 교재에 실린 내용과 슬라이드를 설명한다.사) 소개되는 내용에 따라 학생이 직접 참여 할 수 있는 열린 수업으로 진행함으로써 학생이 학교외의 현장에서 적용해 볼 수 있도록 사례별로 반복 연습한다.(2) 효과적인 학습을 위하여 다양한 매체와 방법을 활용한다.제7차 고등학교 미술 수업은 전체적인 수업 시수가 적어지기 때문에 다양한 표현 활동이 활발하게 이루어지기는 어렵게 되었다. 이런 문제점을 보완하기 위해서 다양한 매체를 활용한 교육은 고등 학교 미술 수업에서 매우 중요한 학습이라 할 수 있다. 더욱이 제7차 미술과 교육 과정 내용에서 표현 활동과 함께 미적 체험, 감상 영역을 강조하고 있기 때문에 이를 현장에서 효율적으로 지도하도록 도울 수 있는 다양한 교수·학습 매체의 개방과 활용이 요구되고 있다. 이를테면 인쇄 매체를 활용한 자료라도 보충자료, 실기 학습자료, 감상 학습 자료 등이 다양하게 개발되어야 할 것이다. 이 밖에도 공동 학습 자료로 슬라이드, 비디오, TP 자고 있다. 교사들은 학습자의 미적 체험의 폭을 넓혀 주기 위해서 현장 학습을 통한 직접적인 체험이나 멀티미디어를 활용한 간접적인 체험의 기회를 제공해 주어야 할 것이다.나) 표현 및 감상 영역과의 연계성을 고려한다.제7차 미술과 교육 과정에서는 종래의 표현 중심사고에서 미술과 생활 영역을 확대, 발전 시켜 학생들의 폭넓은 미적 체험 활동을 보다 강조하고 있다. 미술과 교육 과정 내용의 미적 체험, 표현, 감상 활동은 미술 학습에서 서로 분리되어 있는 것이 아니라 사오 밀접한 관계를 가지고 있다. 즉, 미적 체험 활동이 충실하게 이루어지면 이에 기초한 표현 활동이나 감상 활동이 보다 심층적으로 이루어질 수 있을 것이다. 또 이러한 표현 활동이나 감상 활동의 경험이 미적 체험으로 쌓여지면서 그 체험의 폭은 넓어질 수 있을 것이다.4. 한국화의 감상법-讀畵우리는 표면적인 교육으로 한국화의 특징에 대해서만 학생들에게 가르쳐 왔다. 진정 우리의 한국화를 보는 관점과 방법에 대해서는 소홀히 한 것이 사실이다. 우리의 것을 연구하는데 있어서 서구적인 방법이나 관점을 가지고 접근하는 버릇이 있는데 그것은 우리의 것에 대한 우리의 시각을 잃어버리는 결과임을 알아야 할 것이다. 우리 것에 대하여 바로 이해하고 설명하려면 우리 선조들이 가졌던 미술에 대한 제반 지식과 그 주변의 여러 사항들과의 상관관계를 고려한 안목이 필요하고 그 시대의 생각과 가치관 즉 그 시대의 조명을 통한 연후, 전통이 현대에 있어서 어떤 의미를 갖는가의 전통에 대한 현대적 해석이 필요하다. 다음과 같이 예를 들어 학생들에게 설명한다.(1) 讀畵소동파-당의 왕유의 그림과시-잊혀진 이유독화법은 동양화의 양식형성에 크게 관여했으나 조선중기 이후 잊혀졌다.그림 읽는 방법은 중국의 화본에 의해 전래되었고 이것이 국내 화가의 모사본에 의하여 전파되고 중국과 조선의 한자 읽기가 달라 본래 뜻을 모르게 된데 연유가 있다고 볼 수 있다.예) 폐백 때 대추와 밤-임신 빨리 하라는 뜻이다.대추 조 ( 棗 )→ 이를 조 ( 早2) 같은 형식의 그림들1 북송 휘종은 무엇 때문에 메추리를 그렸으며 계속해서 왜 메추리가 주요한 소재로 쓰였을까?- 메추리는 대게 수선화와 조 밭에 그린다,(모두 암컷)메추리가 두 마리면 조 이삭도 둘메추리가 한 마리면 조 이삭도 하나- 두 마리 그릴 경우 상식을 뒤엎어 모두 암컷- 수꿩인 장끼와 그린 그림에서는 까투리로 오인하기 쉬우나 그 옆에 수선화 있다면 메 추리 임{) 동양황 읽는법, 집문당, 1994, p.252 오리는 버드나무 밑에 함께 항상 두 마리 (아기 오리일 경우도 같음)3 까치를 그릴때도 반드시 두 마리 (암수 한쌍이라기 보다는) 나무 가지에서 지저귐3) 실제로 있지 않았던 일神仙圖 (대개 8명 등장 - 9명 그려짐) - 신선들이 한곳에 모였던적이 없음4) 독화 방법1 同音異字2 寓話的意味3 古典的文句4 두 가지 방법의 혼용● 동음이자로 읽는 법1 왜 정월에는 까치와 호랑이 그림(爵號圖)를 그려 붙이게 했을까?호랑이- 액막이하려함. 사납지 않는 까치는 왜 그렸는가?중국의 그림이 우리의 (작호도)와 다른점): 호랑이-표범표범의 표(豹) → 고할 보(報)소나무 → 정월까치 → 기쁨(새해를 맞아 기쁜 소식이 오다)음력으로 정월이 호랑이 달이기 때문에 우리 나라에서는 변질되었고 연대가 높을수록 호랑이 문양이 아닌 표범 문양이다.{) 동양화 읽는법, 집문당, 1994, p.442 흰색 사슴을 향나무와 함께 그리면백색은 상스럽게 취급됨향나무의 백( 栢 ) → 百사슴 록 ( 鹿 ) → 벼슬 록 ( 祿 )이것은 온갖 복록 ( 福祿 )을 뜻함이다.● 우의(寓意)로 읽는 법1 부부금슬은 원앙새가 아닌 비익조우리나라, 일본은 원앙새 - 부부금슬 뜻한다.중국에서 원앙새는 비익조와 구분하여 자식을 뜻한다.2 석류의 그림은 사내자식을 많이 두기를 비는 뜻이다.5. 한국화 교육 방법의 당면 문제와 방향모색한국화에서 시각예술이라는 조형적 관점이 도입된 것은 얼마 되지 않는 기간이지만 우리는 이 문제의 근본을 파악하기 위하여 재료, 도구, 소재, 화가, 사조 등 그동도였다.

교육학| 2004.03.21| 10페이지| 1,000원| 조회(1,055)

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