인상주의 Impressionism프랑스의 드뷔시가 창안한 인상파 음악은 19세기말부터 20세기 초엽, 제1차 대전까지에 걸쳐 일어났다.이는 낭만주의에서 현대에 이르는 가장 주요한 전환점을 이룬 악파이다.이 음악은 프랑스 인상파의 회화와 상징 문학에서 영향을 받아 나타났다.자연계의 여러 가지의 현상, 즉 곧 소실하든가 쉴새 없이 변화하는 외계로부터의 자극에 대해서 예술가가 받은 순간적인 생기에 찬 감음이며 응답이다.그러므로 인상이란 외계의 묘사가 아니라 한 번 마음에 자극된 내적인 인상을 결국은 주관적으로 표현한다.따라서 음악의 다이내믹한 감동보다는 음빛깔, 뉘앙스의 미묘한 변화를 표현한다.기법적으로는 화음 진행이 색채적이다.그의 수법이 중심이 되는 것은 항상 변화하는 빛과 그림자의 효과를 표현하기 위하여 빛깔을 조색판(調色板)에 혼합시키는 것이 아니라 시각 작용을 이용한다는 데서 빛깔 그대로를 화면에 칠하여 현실 그대로의 밝음을 재현시킨다는 것이다.드뷔시는 1892년에 말라르메(Stephane Mallarme 1842∼1898)의 상징시에 작곡한 목신의 오후에의 전주곡으로 지금까지의 작곡법을 떠나 인상주의 수법을 확립시켰다.인상주의 음악[ 印象主義音樂, impressionistic music]회화의 인상주의에서 음악에 도입된 용어로 드뷔시에 의해 대표되는 음악양식.이 양식의 성립에는 19∼20세기 초에 프랑스를 중심으로 일어난 모네 등의 인상주의회화와 함께 말라르메를 비롯한 상징주의의 시도 커다란 영향을 끼쳤다. 작품으로는 말라르메의 시 《목신의 오후》에 의해서 드뷔시가 작곡한 관현악곡 《목신의 오후에의 전주곡》(1892∼1894)으로써 이 양식이 확립되었다. 거기서는 19세기를 지배하였던 독일적인 음악기법이 의식적으로 파기되고 있다.화음은 전통적인 기능화성의 속박에서 벗어났고, 동기적 전개에 의하고 있던 소나타형식의 원리가 자유롭고 유연한 구성법과 대체되었다. 선율도 견고한 형태를 버리고 리듬도 유연성을 찾았으며 음색이 중요한 요소로 강조되고 있다. 드뷔시는 이와 같은 경향을 더욱 《녹턴》(1893∼1899)이나 《바다》(1903∼1905) 등의 관현악곡, 그리고 《전주곡집》(1910∼1913)과 같은 피아노음악에 의해서 추진시켜 나갔다. 거기서는 특히 종래의 장조 ·단조와는 다른 교회선법 ·5음음계 ·온음음계 등과 함께 반음계적인 화음이나 평행화음의 사용으로 기능화성이 파괴되고 있다. 인상주의는 강력한 악파로서는 존재하지 못했으나 이러한 참신한 점에서 역사적으로도 매우 큰 의의를 지녔다. 일시적이긴 하지만 인상주의의 양식을 채용한 작곡가로는 프랑스의 라벨, 에스파냐의 팔랴, 이탈리아의 레스피기, 영국의 델리어스, 홀스트, 러시아의 스크랴빈, 스트라빈스키, 헝가리의 바르토크, 코다이 등을 들 수 있다.드뷔시 Debussy파리 근교 출생. 어려서 양친을 따라 파리로 나와 1871년 칸에 사는 고모의주선으로 피아노 교습을 받았다. 파리로 돌아와서는 시인 베를렌의 숙모 모테 부인에게 정식 레슨을 받았으며, 그 덕택으로 1872년 가을 파리음악원에 입학하게 되었다. 1884년 칸타타 《방탕한 아들》로 로마대상을 받았으며, 졸업할 때까지 솔페즈 부문에서 1등상, 피아노 부문에서 2등상, 피아노 반주과에서 1등상 등을 받았으나, 화성법에서는 관습적인 규범에 반발한 이유로 아무 상도 타지 못하였다.한편, 학비를 벌기 위해 여름방학 동안 폰메크 부인의 피아노 반주자로 3년간 러시아와 유럽 각지를 여행, 감수성과 취미를 기르고 바니에 부부와 알게 되어 교양을 쌓았으며, 바니에 부인을 영감을 주는 여성으로 받들어 《만돌린》(베를렌의 시)과 그 밖의 가곡을 작곡하였다. 로마 대상의 로마 의무 체류기간 2년을 마치고 파리로 돌아왔다. 로마 유학시절의 작품에는 《봄》 《선택받은 소녀》(프랑스어로 번역된 로제티의 시에 의함) 등이 있는데, 실제로는 거의 파리에서 작곡된 《선택받은 소녀》는 1893년에 초연되어 호평을 받았다. 같은 해 겨울에는 《현악 4중주곡》, 이듬해 겨울에는 출세작 《목신의 오후에의 전주곡》 등 걸작품을 계속해서 발표하였으며, 그 무렵까지 몇 해동안은 전에 열중했던 바그너에 대한 비판과 무소르크스키의 《보리스 고두노프》와 가믈란음악의 계시, 말라르메, P.루이스 등 상징파 시인들과의 교우 등이 그의 미학과작풍의 발효를 촉진시켰다.베를렌의 시세계와의 접촉(가곡집 《화려한 잔치 제1·2집》 등)도 마찬가지 뜻에서 중요하다. 그리고 그 후 앞서 말한 《현악4중주곡》 및 《목신의 오후에의 전주곡》에서 《빌리터스의 노래》(루이스의 시)와 모음곡 《피아노를 위하여》, 관현악을 위한 《녹턴》을 거쳐 오페라 《펠레아스와 멜리장드》(1893∼1903)의 완성에서 초연에 이르는 10년간은 드뷔시의 개성적인 양식이 확립·확인된 시기에 해당된다. 그 양식은 단적으로 말해서 현상적으로는 선법(교회선법·온음음계등)에 의거, 음색적인 계기를 뚜렷이 표면에 내세움으로써 바로크 후기 이후 오랫동안 지배적이었던 기능화성법에 의한 고전적 조성을 극복하고, 나아가서는 주제법·율동법 분야에도 점차 혁신을 가져오게 하였다. 음색적 계기를 인상적 계기와 동일시할 수 있는 한 그것은 자주 불려오고 있듯이 인상파의 음악이지만, 이 감각과 이미지(영상)의 음악은 음악학자 쿠르트도 지적한 바와 같이“수단으로서 가장 현저하게 음향감각적인 것을 두드러지게 하고 있으나 시종 음향을 초월한”예술로 상징파의 음악이라고 할 수 있다.
서양음악사 西洋音樂史 history of Western music(브리태니카 백과사전에서 퍼옴)개요서양음악의 기원음악전통의 유입과 그리스·로마의 음악그리스도교의 영향과 중세음악르네상스바로크고전주의낭만주의20세기1. 개요인도 음악, 극동음악(일본·중국·한국), 중동음악, 아프리카 음악과 더불어 세계 5대 음악문화권을 이루는 서양음악의 역사.기원전 동지중해 유역에서 발전한 음악문화의 영향을 받은 그리스의 음악이 출발점이고 실제적인 모체는 중세 그리스도교 예배음악이다.2. 서양음악의 기원모든 고대 문명은 음악문화의 번창과 더불어 역사시대에 접어든다. 음악의 기원에 관해서는 여러 가지 설들이 많이 있지만 이중 원시적 형태의 의사소통 수단으로 시작되었다는 설, 집단노동을 수월하게 하기 위한 수단에서 발전했다는 설, 종교 의식에 필수불가결한 부수물로 시작되었다는 설 등이 설득력이 있다. 선사시대의 음악적 유물이 중부 유럽에서도 발견되었지만 서양음악의 요람은 지중해 동쪽 끝을 포함하는 ' 비옥한 초승달 지대'(팔레스타인에서부터 아라비아 북부를 걸쳐 페르시아 만까지)였음이 분명하다. 이 지역에서 메소포타미아·이집트 및 히브리(유대) 민족은 다른 민족들 중에서도 정치적·사회적으로 문화를 발전시켰고 이 문화들은 정복국 그리스와 이후 로마의 사람들에 의해 서구에 흡수되었고, 또한 로마는 비교적 세련된 예술 형태들을 서유럽에 전수시켰다.이 모든 초기 문화에서 음악의 사회적 기능은 음악의 본래 원시적 기능과 같은 종교적인 것이었다. 그림이나 문자 기록에 묘사된 다른 음악 행사들도 비슷한 역할을 했는데 군대의 사기를 북돋우거나 작업의 노고를 잊게 해주고 혹은 극적인 상황을 고조시키거나 노래나 춤을 동반한 모임의 배경에서 흥을 돋구는 데 사용되었다. 이 모든 경우에서 음악은 신체 움직임(춤·행진·놀이·노동)이나 노래에 부수되어 있었다. 이후 몇 세기가 지나서야 유쾌한 음조의 즐거움이 음악의 목적 그 자체가 되었다.3. 음악전통의 유입과 그리스·로마의 음악메소포타미아 지역 중에서도 티그리 불렀다. 트루바두르의 문화는 12~13세기에 번성했고, 독일에서는 1150년경부터 이와 비슷한 미네징거 문화가 싹트기 시작하여 트루바두르 문화가 시들게 된 다음에도 1세기 정도나 계속되었다. 13세기말 독일의 신흥 중산계급들은 귀족에 의한 미네징거 문화를 모방하여 자신을 마이스터징거라 불렀다. 이들은 일종의 길드를 조직하여 시·음악·연주에 대한 엄격한 규칙을 따르면서 이후 500년 이상 융성했다. 이밖에 이탈리아·스페인·영국 등지에서도 비교적 덜 알려지긴 했지만 비슷한 세속음악 문화가 발달했다. 한편 이러한 귀족적(또는 半귀족적)인 오락 문화와 밀접히 연관된 농민 출신의 직업적인 음악집단들이 있었는데, 프랑스에서는 이들을 종글뢰르와 메네스트렐이라 불렀고, 독일에서는 가우클레르, 영국에서는 스콥스와 글리멘이라 불렀다.5. 르네상스일반적인 구분을 따르자면 15세기초는 보통 르네상스 음악의 시작으로 분류된다. 당시에는 문화 전반에 걸쳐 여러 가지로 르네상스의 조짐이 나타났다. 고대 문학작품과 공예품에 대한 보존의 열기가 고조되었는가 하면, 교회의 권위와 영향력이 기울었으며, 인본주의가 새롭게 부상했다. 도시와 대학이 발달했고, 서유럽 국가들이 경제적으로 부상했다. 교회 성직자나 정치귀족들은 우아한 삶에 대한 상징으로 음악가들을 다투어 상주시켜 예배당과 사교장에서 일하게 했다. 15세기 전반에 부르고뉴와 그 수도인 디종은 경제적인 이점에 힘입어 북유럽의 지적·예술적 활동뿐 아니라 음악활동의 중심지가 되었다. 작곡가들은 당시의 사회적 상황에 영향을 받아 미사곡·모테트·샹송(프랑스 세속 성악곡)을 주로 작곡했고, 특히 세속음악이 융성했다. 부르고뉴 음악의 가장 커다란 양식적 특성은 최상성부에 선율과 리듬적 관심이 집중된 3성부 짜임새였다. 이러한 짜임새는 당시 세속노래의 전형적인 특성을 이루었으며, 미사곡·모테트·샹송 어느 것이건 간에 세속노래의 이름을 따서 '발라드 양식'이라고 부르기도 했다. 당시 연주형태를 알 수 있는 문헌은 남아 있지 않으며 다만 모든 성부를 노 : 정량음악). 독일의 주된 세속노래는 15세기와 마찬가지로 리트였다. 그러나 이 형태는 마드리갈이나 샹송 등 다른 나라의 세속노래들에 비해 상대적으로 덜 발달했으며 르네상스 전기간에 걸쳐 전통적인 원리를 고수해 상대적으로 더 보수적인 형태였다.6. 바로크17세기가 시작되면서 음악사에서 아주 극적인 전환점이 이루어진다. 바로크 시대는 대략 1600~1750년경을 풍미하던 웅장하고 극적이며 활력 있는 예술정신으로 대표된다. 새로운 시대정신은 광범위한 음악 어휘를 요구했고 새로운 기법들이 특히 성악음악의 분야에서 급속도로 발전했다. 음악 어휘의 확장으로 종교음악과 세속음악, 성악어법과 기악어법 사이의 구별이 명료해졌고, 각 나라들의 민족적 차이도 뚜렷해졌다. 17세기에 걸쳐 이전까지 선율 및 화성의 기초로 작용해온 중세 선법이 점차 장조·단조 조성음악 체계로 대체되었고, 음의 이러한 조성 원리는 장차 1900년경까지 계속 서양음악의 중심 원리로 작용했다. 새로 대두된 조성음악 체계는 장조·단조 음계로부터 유도되는 서로 관계되는 일련의 음·화음과 대조되는 조성에 기초했다. 이 시대의 음악을 전체적으로 조망해보면 크게 2개의 새로운 혁신에 따라 이전 르네상스의 음악과 구별됨을 알 수 있다. 그중 하나인 콘체르타토 양식는 성악·기악의 대조, 결합, 교대에 의한 것이고, 나머지 하나인 계속저음(basso continuo)은 첼로나 바순과 같은 베이스 악기와 건반악기 혹은 류트에 의해 처리되었다.이 시대에 새로 대두된 가장 전형적인 것은 그리스 비극의 음악적 이상과 실제를 재창조하고 모방하려는 뜻에서 피렌체의 귀족 문예집단인 카메라타가 고안한 오페라였는데 이들을 지배한 철학은 음악보다 가사를 우위에 놓는 것이었다. 이들은 음악의 기능이 가사의 극적인 의미를 강화시키는 데 있다고 믿었고, 그결과 모노디 양식이 탄생했다. 모노디는 원래 말의 리듬을 반영한 독창인 레치타티보와 그에 비해 선율적 성격이 강한 아리오소, 그리고 장식적인 노래인 아리아를 탄생시켰고 계속저음으로 반주음악 자체의 감정적인 깊이를 심오하게 느끼는 것이 감정과다 양식의 가장 중요한 특징이었다. 프랑스인들이 가벼움·우아함·장식성에 매료되어 있었다면 독일인들은 감상성으로 대처했고, 이것은 흔히 웃음보다는 눈물로 조율되었다. 감정과다 양식보다 약간 늦게 나타난 다소 절제된 표현양식을 질풍노도운동(Sturm und Drang)이라 한다. 이 운동은 1770, 1780년대에 나타난 독일의 예술운동으로, 좀더 강렬한 개인 표현 의지를 표방했는데 이것은 다가오는 낭만주의 시대를 예고하는 특성이었다.음악에서 고전주의를 바로크와 구별짓는 근본적인 변화들은 처음에는 로코코 이상으로 고무되다가 이내 고전주의자들에 의해 안정되었다. 음악사에서 처음으로 기악음악이 성악음악보다 중요하게 대두되기 시작했다. 관현악과 현악 4중주, 현악 3중주, 현악 5중주, 피아노 3중주 등 실내악들이 표준화되어 이전에 유행하던 종류가 다른 여러 악기들에 의한 트리오 소나타와 바로크 기악합주를 대체했다. 리듬 유형은 좀더 규칙적이고 단순해졌으며, 선율은 좀더 동기의 단위로 축소되었을 뿐 아니라 노래선율과 같은 가락의 형태를 갖추었고 또한 풍자적인 성격을 띠어 바로크 시대의 선율에서 볼 수 있던 길게 확장되는 음형양식과 대조되었다. 화성은 선율 다음으로 중요한 요소가 되었고, 일정한 화성 패턴이 으레 명확하게 조성 중심을 확립하는 데 사용되었다.고전 양식의 중요한 특성 중 하나는 형식구조가 단순성과 명확성을 갖추게 되었다는 것이다. 주제 재료, 조성, 짜임새의 대조와 반복에 의해 악곡이 부분으로 나누어졌고, 변주 원리와 발전 원리(주제를 세분하고 확장·변경하는 기법)가 표준화 되었다. 음악 악구(프레이즈)는 갈수록 짧아졌고, 균형감을 갖추었으며 규칙적으로 되었다. 셈여림의 대조라는 새로운 개념이 형식의 명확성에 기여하는 한 요소가 되었다. 커다란 소리에서 나직한 소리로 또는 그 반대로 점차 변해가는 이른바 셈여림의 점진적 변화 개념은 표현적인 클라이맥스를 향해 악곡을 건축해나가는 데 극적인 수단을 제공해 당시 새롭게 인기를 누리게 된 고전음악 양식으로 20여 편의 오페라를 작곡했다. 그는 오페라 안에 있는 극적 요소와 음악적 요소를 모두 강화시켜, 과도한 성악적 기교의 과시를 과감하게 삭제하고 감정적 또는 극적 상황에 맞는 음악을 만들었다. 글루크의 오페라 개혁으로 오페라는 고전주의의 단순성을 향해 나아가게 되었고, 이 단순성은 그와 모차르트의 작품에서 그 절정을 이루었다.기존의 나폴리 오페라를 위협한 또다른 도전은 가볍고 감상적이며 종종 풍자적·시사적 주제를 많이 사용하여, 당시 사회 변화를 그리거나 오페라 세리아를 풍자한 희가극의 출현이었다. 희가극의 음악은 연주하기 쉽고 감상하기 쉽도록 흥겹고 편한 가락으로 17세기에 나타나기 시작했지만, 18세기 전반 이탈리아의 오페라 부파에 이르러서야 그 독자적인 위치를 확립했다. 오페라 부파는 동시대인 1750년대초에 발전한 프랑스의 오페라 코미크와 한데 맞붙어 유명한 '부퐁 논쟁'을 일으키게 했다. 부퐁 논쟁은 오페라 부파를 공연하는 이탈리아의 순회 오페라 극장이 파리에서 영웅을 소재로 한 프랑스 작곡가 라모의 오페라보다 더 큰 인기를 얻는 데에서 비롯되었으며 두 오페라의 가치를 놓고 당대 프랑스의 유명한 음악가·문필가들이 두 진영으로 나뉘어 논쟁을 벌였다. 영국에서는 발라드 오페라가 발전했는데, 이것은 1728년 〈거지 오페라 The Beggar's Opera〉로 시작해서 오페라 코미크와 비슷한 시기에 비슷한 양식으로 발전했다. 독일의 징슈필은 영국의 발라드 오페라를 번역·모방하던 관습에서 출발한 독일의 희가극으로 빈의 징슈필은 이탈리아 양식의 영향을 크게 받았고, 모차르트의 〈후궁으로부터의 도주 Entfuhrung aus dem Serail〉·〈마적 Die Zauber-Flote〉에서 정점에 달했다. 모차르트는 이밖에도 〈피가로의 결혼 Le Nozze di Figaro〉·〈여자란 다 그런 것 Cosi fan tutte〉·〈돈 조반니 Don Giovanni〉 등을 통해 전통적인 이탈리아 오페라 양식에서도 새로운.
미학적관점 - 표현주의200031026 이 진 화미학은 미의 영역에 있는 가치에 대한 탐구이다. 미적 가치는 개인적이고 주관적이므로, 그것을 평가하기란 무척 어렵다. 독특한 예술 작품은 각기 다른 사람으로부터 제각기 다른 반응을 불러일으킨다. 개인적 취향에 관해서는 논쟁이 있을 수 없다. 누가 과연 이처럼 제각기 다른 반응 중에서 어떤 반응이 가장 적절한 반응이라고 말할 수 있겠는가?사실 우리가 객관적인 미학적 가치들을 믿지 않는다면, 우리는 훌륭한 예술 작품이랑 어떤 것인가에 관하여 전문가의 판정에 의존하여 훌륭한 예술가를 선정하게 된다. 즉 우리는 권위적 기준에 의하여 미적 가치를 판단하게 되고, 이 권위적 기준에서 높이 평가받지 못한 예술 작품은 역사적인 시점에서도 인정받기 어렵다고 주장하게 된다. 객관적인 비평 기준은 초심자에게는 유용한 것이며, 그것은 영구적인 비평 기준으로서 기여한다. 문학, 예술, 음악 등에 관한 교과서가 학생들에게 예술 작품의 평가와 감상의 기분을 내포한 자료를 제공할 때, 그것은 이러한 객관적 기준에 의거한 것이다. 그러나 사실상 권위적 비평은 예술 작품을 평가하는 데 매우 다른 의견을 제시할 수 있으므로 우리로 하여금 앞의 물음으로 되돌아가게 한다. 즉 반응이 참으로 적절한 것이라고 말할 수 있는 사람은 누구인가? 불행히도 우리는 이러한 물음에 대해 과학적으로 대답할 수 없다. 과학적 지식은 예술 작품의 심사 판결과는 거의 무관하다.오랜 세월을 통하여 미학에서 논의된 중요 문제는 다음과 같다. 즉 예술은 사실의 묘사이어야 하느냐? 그렇지 않으면 작가의 상상력의 산물이어야 하느냐? 전자의 견해에 따르면, 예술은 인간 생활이나 인간 경험을 성실하게 반영해야 한다. 우리는 한 폭의 풍경화에서 가을 풍경이나 석양을 실감할 수 있으며, 화폭에 그려진 한 묶음의 꽃다발, 선명하게 그려진 꽃 한 송이 한 송이에서, 그리고 그 꽃잎파리의 생동감에서 생명의 환희를 만끽하며 그것을 만지고 싶은 충동을 느낀다. 후자의 견해에 따르면, 작가는 그가없이 나타내야 한다. 드가는 "예술은 결코 복사가 되어서는 안 된다. …우리는 고대 걸작품에서 현대에서는 결코 느낄 수 없는 것을 느끼게 된다"라고 한다. 예술은 예술가 자신의 표출이다. 예술가는 그 자신의 내적 충동과 경험을 창조해 낸다. 그러기에 예술가는 세계의 아름다움과 추함에 대한 그 자신의 감정을 표현한다. 그리고 그가 바라는 세계의 모습을 작품을 통해 보여준다. 이 견해에 의하면, 작가는 그의 작품을 통하여 창조성을 풍부히 발휘함으로써 무한한 자유를 누린다.이와 같은 2가지 견해에서 예술 작품의 적절한 주제와 그 범위에 대한 문제가 제기된다. 어떤 사람들은 만약 예술이 삶의 표현이라면, 예술은 인간 생활의 모든 것을 다루어야 한다고 주장한다. 즉 예술은 인생의 좋은 면만이 아니라, 추한 것, 탈선된 것, 기괴한 것, 독특한 것까지도 포함해야 한다는 것이다. 또 어떤 사람은 사회적 기능을 수행해야 한다고 주장한다. 즉 예술가는 지극히 한정된 소수인을 상대로 하는 것이 아니라, 그가 살고 있는 시대의 대중을 상대로 해야 한다는 것이다. 그러나 또 다른 사람은 이러한 예술가의 소위 사회적 하명에 대해 회의적 태도를 갖는다. 즉 사회는 변하기 마련이며, 예술가는 후세를 위한 창조자라는 것이다. 따라서 예술가가 당시의 대중에게 호감을 사지 못했다고 해서 비난받아야 하는가? 어쩌면 당시의 비평가들을 만족시켰던 예술가는 그의 창조력을 상실한 것일지도 모른다. 왜냐하면 비평가들은 기존의 기준에 따라서 예술가를 비판하려고 하기 때문이다. 사실상 당시의 비평가에 의해 혹평받은 예술가가 진정한 창조자일 수도 있는 것이다.음악미학미학의 한 분야에 속하며 연구대상으로는 음악의 내적인 논리(음률·음조직·조성 등)를 비롯한 음악의 형식·내용·양식·작곡·연주·향수(감상·비평)라고 하는 음악행위의 문제, 음악작품의 존재방식·존재구성 등을 들 수 있다.음악미학이라는 명칭은 18세기말에 처음으로 사용되었으나 음악미학사상은 일반 미학사상과 마찬가지로 고대 그리스에서 비롯되었다. 그러나의 《음악미론》(1854)에 의해서이다. 19세기 후반은 실증과학의 발흥기로 음악미학도 그 영향을 받아 마침내 과학으로서의 체재를 갖추게 되었으며, 리만은 이 시기의 경향을 대표하는 사람이다. 그리고 19세기말에서 20세기에 걸쳐 커다란 두 경향이 나타났는데, 그 하나는 크레치머에 의해 주창되고 셸링이 발전시킨 음악해석학이다. 그들은 음악은 반드시 특정한 정신내용(정서)을 표출하고 있어 그것이 음악의 형식 속에 구상화되어 있다는 전제 아래, 그 형식에 내재하는 정서를 상세하게 분석함으로써 언어로 고정시키려 하였다.이와 같은 음악관에 대립하는 또 하나의 경향은 에너지설(솅커, 할름, 쿠르트, 메르스만 등)이다. 그들은 음악의 대상을 그 내부에 숨어 있는 역성의 긴장관계에서 발견하고, 전문적 분석을 통하여 힘과 에너지의 개념으로 설명하려고 하였다. 이 경향은 최근 추커칸들에 의해 하나의 형이상학으로까지 추진되고 있다. 제2차 세계대전 후에는 독일뿐만 아니라 여러 나라에도 주목할 만한 음악미학이 나타났으며, 그 중에서도 특히 중요한 것이 부를레의 저서《시간》(1949)이다. 여기에서는 시간론적 관점에서 종래의 음악미학에서 빠뜨린 철학적 경향을 부활시키고 있다. 최근에 와서 새로운 철학적 이론을 추구하는 기운이 높아지고 미학이 현상학, 나아가서는 존재론적 입장에서 전개됨에 따라 음악미학도 그 새로운 움직임과 보조를 함께 하지 않을 수 없게 되었다. N.하르트만, 인가르덴, 앙세르메 등의 음악미학은 이 새로운 경향을 대표하고 있다.표현주의(Expressionismus)특색은 작가 개인의 내부생명, 즉 자아·혼의 주관적 표현을 추구하는 '감정표출의 예술'에 있다. 이 운동은 우선 회화에서 시작되어 다른 조형예술을 거쳐 문학·연극·영화·음악에까지 미쳤다.미술에서의 표현주의라는 명칭은 베를린의《슈투름(폭풍)》지의 주간 헤르바르트 바르덴이 보급한 것이며, 이 경우에는 1910~1920년에 벌어진 모든 반인상주의를 표방하는 운동의 총칭이 된다. 그러나 이 개념은, 광의로는 시대세계에 대립되는 북방 게르만의 풍토를 반영하고 조형적인 '형식'과 그 자율성에 대해 혼의 힘과 그 분출을 특징으로 하며, 고전주의에 대한 낭만주의의 대립으로 규정할 수도 있을 것이다.이탈리아·프랑스 회화의 범국제적인 보편성과 비교하여 표현주의를 특징짓는 강한 정신체험, 가시적 세계를 초월한 환상, 때로는 냉혹·잔인할 만큼의 분석과 풍자는 위기적인 시대상황에 찢긴 개인의 미와 윤리에 수렴되는 비중이 훨씬 크다. 이런 의미에서 표현주의의 선구는 독일 르네상스의 거장들, 특히 그뤼네발트의 《이젠하임 제단화》에 거슬러 올라갈 수도 있을 것이다. 그러나 직접적으로는 반인상주의의 입장에 섰던 뭉크, 호들러, 앵소르, 고흐, 고갱의 1885년부터 1900년에 걸친 화업이 주목의 대상이 된다. 상징주의와 아르 누보 양식의 박진성과 평행하는 이들 화가들의 주관적 표현은 드라마틱하고 또한 집념에 가까운 테마를 소수의 강렬한 색채와 대비시키고 왜형된 포름(형식), 단순 ·긴밀한 구도, 선의 그래픽한 예리함과 역동성으로 파악하였다. 이상의 조형적 특색은 그대로 독일의 표현파 작가에게도 공통된다. 독일 표현주의 회화에는 세 그룹이 있다.첫째는 1905년 드레스덴에서 결성된 '브뤼케(橋)' 그룹으로 키르히너, 헤켈, 슈미트 로틀루프 외에 놀데, 페히슈타인도 참가하고 연차전과 집회가 조직되었다. 이 그룹은 독일 현대회화의 출발점을 이루었고 프랑스의 포비슴과 북유럽의 뭉크에 고취되었다. 그 중심인물은 원시미술에서 생명력을 파내고, 격앙된 색채와 예리한 관찰로써 대도시의 가두풍경을 그린 키르히너이다. 둘째는 1910년 베를린에서 바르덴이 창간한 예술잡지 《슈투름》 및 같은 이름의 화랑에 의하여 만들어진 '슈투름그룹'으로, 오스트리아의 화가 코코슈카의 자아와 외계의 상극을 새긴 심리적 초상화로 대표된다. 바르덴은 자기 나라의 젊은 전위화가를 화랑에 결집시켰을 뿐만 아니라 이탈리아의 미래파, 초기의 프랑스 큐비스트에게도 문호를 개방하였고, 잡지에는 칸딘스키와 마르크의 논문 및 들로네(클레의 번이 되었다. 특히 약 15개국 90명의 작가와 366점의 작품을 모아 일찍이 보지 못한 최대의 국제전을 열었다. 셋째로는 칸딘스키, 마르크를 중심으로 1911년 뮌헨의 신예술가동맹으로부터 갈라져 나와 결성한 청기사 그룹이다. 구성원으로는 이 밖에도 클레, 야우렌스키, 마르케, 쿠핀, 뮌터 등이 있고, 전람회는 뒤에 드레스덴의 '다리', 베를린의 '분리파협회', 프랑스 작가(루소, 피카소, 브라크 등), 러시아 작가(말레비치)를 추가하여 확대시켰다. 이론가인 칸딘스키는 논문《예술에서의 정신적인 것》을 발표하여 유물론과 리얼리즘에 지배당하고 있는 미술에 반기를 들었으며, 화가의 내적필연에서 우러나는 정신성·환상성을 주장하였다. 그의 제작과 더불어 마르크, 클레 등의 형태의 분석·종합의 시도는 '청기사' 운동이 지향하는 현대 추상회화의 중요한 주류의 하나로서 주목된다. 이 밖에 베크만, 그로스 그리고 여류화가 모다존 베커를 빼놓을 수 없다.그러나 표현주의 화가들은 제1차 세계대전 종료 후, 재차 그룹을 결성하지도 못한 채 나치스 체제의 발흥과 동시에 '퇴폐예술'로 낙인찍혀 개별적으로 어려운 창작활동을 계속할 수밖에 없게 되었고, 혹은 스스로 붓을 꺾고 예술활동을 중단하기에 이르렀다. 또한 벨기에에서 일어난 플랑드르 표현파가 있고, 제1차 세계대전 후의 '코브라' 그룹(알레신스키, 아펠)의 추상적 표현주의, 초기의 루오, 그로메르 등의 화가도 표현주의의 진영에 넣을 수 있다. 조각에서는 확대된 인체의 모습을 추구한 렘브루크, 농민의 중후한 종교성을 탐색한 바를라흐가 있다. 표현주의 건축은 최근의 연구에서 관심을 끌 만한 것을 찾아볼 수 있는데 환상적 형태와 색채에 특색을 보인 戎치히와 타우트를 들 수 있다. 문학 ·연극에서는 베데킨트, 트라클, 카이저, 조르게, 괴링, 베르펠, 하인리히 만 등이 있고, 음악에서는 쇤베르크, 힌데미트 등을 대표적 작가로 꼽는데, 이 두 사람은 한결같이 영감에 의하여 파악된 감정의 표출과, 자아감정을 고양시키는 것을 기조로 하여, 참신하.
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