워홀Andy Warhol본명은 Andrew Warhola.1928(?). 8. 6 미국 펜실베이니아 피츠버그(?)~1987. 2. 22 뉴욕 시.미국의 미술가·영화제작자.1960년대 팝 아트운동의 창시자인 그의 대량생산된 미술품은 미국 상업문화의 진부한 소재들을 이상화시켰다. 그는 자신을 대중 앞에 공공연하게 노출시킴으로써 예술가의 개념을, 성공한 유명인사도 아니고 사업가도 아닌 비개성적이고 무의미한 존재로 제시했다. 체코슬로바키아 이주민의 아들로 태어났으며 1949년 피츠버그에 있는 카네기 기술연구소 디자인과를 졸업했다. 그후 뉴욕 시로 갔으며 약 10년간 상업적인 삽화가로 일했다. 1950년대말에 회화를 시작했는데 1962년에는 캠벨 수프 깡통, 코카콜라 병, 브릴로 비누상자 등을 그린 작품을 전시하여 갑자기 유명해졌다. 1963년에는 사진을 이용한 실크 스크린을 통해 이러한 소비제품들의 진부한 이미지들을 대량생산해냈으며, 화려한 색채로 약간씩 변화를 주어 이미지를 끊임없이 반복시킨 유명한 인물들의 초상을 판화로 제작했다.1960년대에는 영화제작에 좀더 많은 힘을 기울였다. 〈The Chelsea Girls〉(1966)·〈Eat〉(1963)·〈My Hustler〉(1965)·〈Blue Movie〉(1969) 등 그의 영화들은 언더그라운드 계열에 속하며 주로 그의 창조적인 에로티시즘과 플롯 없이 장시간(최장 25시간 소요) 이어지는 지루함 등으로 유명하다. 이후에는 정치적 인물들과 할리우드 명사들을 다룬 판화를 제작했으며, 광고 일러스트 및 상업미술 작품 등으로 폭넓은 활동을 보였다. 1975년에 그의 〈앤디 워홀의 철학 The Philosophy of Andy Warhol〉이 출판되었으며, 뒤이어 〈1970년대의 조망 Portraits of the Seventies〉(1979)·〈Andy Warhol's Exposures〉(1979) 등이 출간되었다.팝 아트pop art1950년대 후반부터 주로 영국과 미국에서 나타난 예술 현상.팝 아티스트 앤디 워홀이 목격을 주는 대중문화의 모든 현상을 가리지 않고 특징적으로 묘사했다. 그들은 긍정도 부정도 담지 않고 노골적·직접적으로, 또한 그림 자체를 있게 한 매스 미디어에서 사용된 정확한 상업적 기법을 수단으로 도상학적인 측면(텔레비전이나 만화책, 영화, 잡지 및 모든 형태의 광고에서 고안됨)을 뚜렷하게 객관적으로 드러냈다. 미국과 유럽에서 매우 개인적인 미국의 추상표현주의의 물결이 가라앉을 무렵 팝 아트는 보다 객관적·보편적으로 수용될 수 있는 미술 양식으로 되돌아가고자 했다. 이와 더불어 과거의 순수예술이 주장하는 우월성과 당대의 전위미술에서 볼 수 있는 허식을 모두 거부함으로써 전통을 파괴했다. 팝 아트는 특정한 사회적 상황을 충실하게 반영했으며 매스 미디어에 의해서 쉽게 이해될 수 있는 이미지를 즉각적으로 받아들이고 이용했기 때문에 문화적인 대사건이 되었다. 통속적·선정적·반미학적인 대사건이 농담으로 평가되어왔지만, 생활에 직접 반응하는 미술, 즉 전문가와 훈련받지 않은 관람자들 모두가 이해할 수 있는 민주적·비차별적인 미술로서 평가되었다.팝 아트는 당대의 파리풍 미술에서 볼 수 있는 진지함과 좀더 넓게는 유럽에 전쟁을 몰고온 정치적·문화적 상황을 조롱한 1920년대의 허무주의 운동인 다다이즘의 후예로 볼 수 있다. 당대의 대량생산물을 찬양함으로써 미술과 생활의 간격을 좁히려고 한 미국 다다이즘의 대표자인 마르셀 뒤샹은 팝 아트의 발전에 있어서 가장 중요한 인물이다. 팝 아트에 영향을 준 다른 미술가로는 스튜어트 데이비스, 제라드 머피, 페르낭 레제 등이 있는데 이들은 기계공업시대의 정밀하고 대량생산적·상업적인 물건을 그렸다. 직접적인 선조로는 1950년대에 비록 회화적이고 표현적인 기법을 사용하기는 했지만 깃발과 맥주깡통 등을 그린 미국의 미술가 재스퍼 존스, 래리 리버스, 로버트 로젠버그 등이 있다.특히 인상적인 작품으로는 상업 인쇄물에서 사용하는 색점에 이르기까지 연속만화를 충실하게 복제한 로이 리히텐슈타인의 그림과 수프 깡통의 상표와 비누 상자, 나란히 배것도 있는데 예를 들면 올덴버그의 늘어진 오브제와 워홀의 똑같은 평범한 이미지의 단순한 반복은 명백히 혼란스러운 효과를 일으킨다. 시걸 작품의 신비하고 고독한 분위기는 공공연하게 표현주의적인 성향을 띠고 있다. 미국의 팝 아트는 상징적·익명적·공격적인 반면 영국의 팝 아트는 주관적·직접적이며 그들로서는 비교적 거리감이 있는 팝 문화에 대해 다소 낭만적인 태도를 보인다. 영국의 팝 미술가들은 주로 과학기술과 대중문화를 다루었는데 미국의 몇몇 팝 미술가들은 이러한 생각을 직접 실천하기도 했다. 예를 들면 워홀은 "나는 모든 사람이 일종의 기계라고 생각한다"라는 것을 자신의 모토로 삼았으며 실제 작업에 있어서도 기계가 하듯 작품을 제작하려고 노력했다. 팝 아트는 일반대중에게 전혀 진지하게 받아들여지지 않았지만 20세기 중반 서양의 산업국가에서 발생한 매스 미디어와 고도의 산업사회에 적합한 대표적인 미술양식으로서 국제적인 인정을 받았다. 팝 미술가들이 스스로 내건 목표는 바로 생활과 구별할 수 없는 미술을 창조하는 것이었다.팝아트 Pop Art (1950-70)1. 용어-팝아트는 자본주의 사회가 만들어낸 소비문화의 대중미술-1960년대 초기에 미국에서 발달하여 미국화단을 지배했던 구상회화의 한 경향.-제재: 통속적 이미지. 즉 일상생활에서 범람하는 기성의 이미지-영국에서 시작. 런던의 '현대미술협회'에서 인디펜던트 그룹 Independent Group이라고 지칭하는 그룹에 의해 열린 연속토론에서 출발. 이 연속토론에는 미술가, 평론가, 건축가들이 포함. 미국의 대중문화에 매혹되어 있음-영국의 비평가 Lawrence Alloway가 용어를 처음 사용-'Pop' 예술형태들이 가진 공통점은 매스미디어의 형상과 때로는 기법까지도 사용한다는 것-새로운 경향을 지칭하기 위한 또 다른 용어 '신통속주의 (New Vulgarianism)': 미국비평가들의 혐오감을 표현. '신사실주의(New Realism)'이나 '신다다주의 (Neo-Dadaism)': 미술사와의 관련성을 암시. '. 특히 대중음악의 가수나 그룹으로 이루어진 새로운 영역과 관련을 맺게 되었는데 대중음악가들이 이례적으로 세계적인 주목을 받으며 성공하였던 것은 1960년대의 괄목할 만한 현상이었다.3. 영국과 미국의 팝아트의 성격● 영국의 팝아트: 부분적으로는 장엄한 낭만주의에 대한, 1940년대에 영국에서 풍미했던 화풍-지나친 노력을 기울여야만 했던-에 대한 반작용발생초기부터 사회비판의 의도를 뚜렷이 갖고 있었다. 이 운동은 구태의연한 사회질서에 대한 비판으로서 사회와 예술을 접목시키고자 했던 젊은 작가들에 의해서 전개되었음. 이 때문에 영국의 팝아트에서 나타나고 있는 아이러니컬한 성격이나 표현의 직접성 등에는 전통에 대한 다다이즘적인 반응이 보인다.-영국의 대표적인 팝작가는 해밀튼, 파올로찌, 키타이 R.B. Kitaj(미국태생), David Hockney, Allen Jones, Peter Black, Peter Philips● 미국의 팝아트:1950년대 추상표현주의의 애매하고 환영적인 형태와 주관적인 미학에 대한 반동. 미국의 팝아트는 특히 미국의 전위적인 작곡가 존 케이지 (케이지의 기본 아이디어는 관객의 마음을 무산시키는 것이다. 즉 관객의 마음의 문을 열고, 나아가 관객 스스로 그의 주변 환경을더 깊이 의식하게 하는 것)의 지극히 평범한 것조차도 미적, 예술적인 가치가 있다는 사상에 고무. 미국의 팝아트는 미국으로 상징되는 현대의 테크놀로지 문명에 대한 낙관주의를 기조로 하고 있다. 미국의 팝아트는 흔히 발견되는 일상의 이미지나 물체를 미술작품으로 전환시키는 것을 목표로 하고 있다. 일상적으로 흘러넘치는 영상 또는 물체를 이용한다는 것 자체는 반미학적이고, 다다적인 사고방식이다.4. 팝아트의 특징-팝아트는 직접적으로 감지된 현실이 아니라 그래픽 디자인이나 대중매체 가운데에서 발견되는 현실에 대한 기존의 표현방식을 그 음미의 대상으로 삼는다.-사실상 팝아트는 세가지 다른 방향에서 추상표현주의에 도전했는데, 추상표현주의가 대부분 추상적이었다면 팝은 구상적이었다. 그적 경계를 허무는 효과.-팝아트는 대중문화에 대한 비판이나 도전 등 직접적인 자세를 취하기 보다는 대중문화를 그림의 소재이자 정보로서 이용하는 중립적 입장에 서 있음-미술가들은 의도적으로 다양한 양식을 혼용함.5. 팝아트 작가들-미국의 팝미술가들-다인 Dine, Oldenberg, Rosenquist, Lichtenstien, Warhol-은 제각기 개성의 뚜렷한 작품을 했다.● Richard Hamilton(1922-): 영국-현대미술이 어떠한 것이어야 한다는 뚜렷한 생각을 가지고 있었음.-1957년에 그가 말한 것에 의하면, 그가 찾고 있던 소재들은 유행, 일시성, 소비성, 기지, 색정, 눈속임, 글래머 등. 이것들은 저렴하고 대량생산적이고, 대기업적인 것들. 1960년대 영국 팝예술가들이 숭배했던 소재들. 해밀튼은 완전히 달라진 신세대와 대중문화의 물질적 천박성을 간접적으로 비판, 소비적이고 쾌락적인 것에만 집착하는 얄팍한 대중문화와 소비상품을 간접적으로 풍자하고 있다.● Andy Warhol(1928-1987)-미국출신의 화가. 공대출신. 1950년대 상업디자이너로 활약. 1960년대 초 배우, 만화, 도처에 반복되는 광고의 속성 등 대중적 이미지를 차용해서 그 이미지를 판화기법 가운데 하나인 실크스크린 기법을 사용 (그의 실크 스크린 이미지들은 '미니멀 아트'와 그리 멀지 않다. 왜냐하면 그가 쓰고 있는 이미지들이란 형상적이기는 하지만 거의 설명적 내용을 담고 있지 않기 때문이다.)하여 작품을 제작, 팝아트의 대표적 존재가 됨-60년대 부터는 활동영역을 확대하여 영화제작, 무대장치, 록음악 그룹에 참여, 자신의 실크스크린 공방을 세운 뒤 작업 지시서를 통해서 작품을 대량으로 생산해 냈다. 그렇게 만들어진 작품에 사인을 해서 판매. 예술은 비즈니스라고 공공연하게 언표. 예술의 상업성을 강조-영화배우와 같은 유명인들(마릴린 몬로, 엘비스 프레슬리, 엘리자베스테일러) 그외의 공적인물(재키 케네디, 워홀 자신 등), 또는 범죄인들, 공포스러운 소 재인 전기의다.
나즐로 모홀리-나기 (Laszlo Moholy-nagy, 헝가리, 1895∼1946)1895년 헝가리의 바츄볼슈드(Bacsborsod) 태생1913년 부데페스트 대학에서 법률공부1915년 제1차세계대전중 포탄의 충격으로 병요양 중에 회화를 시작1922년 포토그램(Photogram)의 실험을 시작, 바우하우스(Bauhaus)의 교사로 초빙1925년 《회화·사진·영화(Painting, Photography, Film)》간행1928년 바우하우스 사임1937년 시카고의 미술공업협회에 초빙되어 협회가 설립한 뉴 바우하우스(New Bauhaus)의 교장으로 취임1938년 재정난으로 신 바우하우스는 폐교1944년 디자인 연구소(Institute of Design) 개설1946년 11월 24일 미국 시카고에서 백혈병으로 사망나즐로 모홀리 나기(Laszlo Moholy-nagy)는 제1차세계대전중에 화가로서 활동을 시작하여 제2차세계대전의 종식 직후에 병으로 사망하여 세계사의 격동시대를 살아간 예술가로서 그는 결코 자기 자신을 사진가라고 생각한 적이 없고 단지 몇 장의 사진이 그의 인생에 관련되었다고 생각하였다고 한다. 모홀리-나기의 활동무대는 모국인 헝가리에서 시작하여 독일, 네델란드, 영국, 미국 등으로 옮기며 각각의 나라에서 주목할 만한 업적을 올린 국제적 예술가였다. 또한 활동분야에 있어서도 기본은 회화였지만 살아있는 동안 실험정신이 넘쳐 사진, 영화의 영상예술 레이아웃, 타이포 그래픽 등의 각종 상업미술, 무대예술이나 무대장치, 금속이나 프렉시유리를 이용한 입체조형과 조형예술 혹은 시각예술의 전체영역에 걸쳤으며 더구나 각각의 분야에서 참신하게 창의가 넘친 작업을 전개하였다. 또한 모홀리-나기는 창작활동과 겸하여 1919년 독일에서 시작된 바우하우스(Bauhaus)에서 교수로시작하여 미국의 뉴바우하우스(New Bauhaus) 창립자로서 조형교육활동에서 또한 큰 비중을 차지하였다.모홀리-나기의 창작활동은 크게 3가지로 구분될 수 있다. 우선 첫번째가 렌즈를 통한 육안의 시각적인 표현으로 일상적 시각에서 벗어나 주로 앵글의 변화에 따라(하이앵글High-angle, 로우앵글Low-angle) 또는 클로즈업(Close-up)을 통하여 다각적인 방향에서 바라보았다. 두번째는 렌즈를 사용하지 않고 인화지 위에 직접 물건을 올려놓고 감광시켜 오브제의 윤곽뿐만 아니라 질감까지도 기록하는포토그램((Photograms) 방법을 사용하는 것이다. 눈으로 무엇을 본다는 것은 그 대상을 보는 것이 아니라 단지 대상이 반사하고 있는 빛을 보는 것이라는 현대과학의 시각적 입장에서서 말하고 있는 것이다. 따라서 오브제들은 빛의 전달도구 역할을 한 것이기 때문에 오브제 자체가 중요한 것은 아니었고 다만 빛과 감광면의 화학적 반응에 의해서 나타난 추상적 표현이 주된 관건이었다. 세번째는 콜라쥬와 포토몽타쥬(Photomontage)로 작품을 제작하였는데 콜라쥬는 프랑스어 동사로 꼴레(coller)라 하며 이 뜻은 '접착한다'이며, 포토몽타즈란 프랑스어로 '조립'이라는 뜻을 가지고 있는데 그 뜻에서 느낄 수 있듯이 이는 한 장의 화면에 여러 장의 사진을 합성해서 만든 것을 말한다. 특히 모홀리-나기가 추구한 몽타즈 기법은 포토 플라스틱(Photo Plastic)으로 분류될 수 있는데 이는 몽타즈 중에서도 시각적인 투시법을 정돈한 몽타즈들을 가리키는 말이다. 이와같은 포토 플라스틱을 사용한 대표작이 아래에 나와있는 라는 작품으로 1928년에 만들어졌다.모홀리-나기는 자신의 창작활동과 동시에 조형교육활동에도 힘을 가하였던 것으로 알려져 있다. 1919년에 독일 바이마르시에 건축가인 발터 그로피우스(Walter Gropius)에 의해 세워진 바우하우스(Bauhaus)에서 1922년∼1928년까지 예비반과 금속아틀리에 담당 교수로 활동하였다. 바우하우스의 'Bau'는 독일어로 건축이라는 의미를 지니고 있는 것으로서 이름이 시사하듯 건축을 중심으로 모든 예술분야의 총제적 조화를 꿈꾸었던 조형예술가들의 실험장이자 교육기관으로서의 조형예술학교였다. 이 학교에의 목표중 하나인 실용성을 기초로 한 예술과 테크놀로지의 새로운 통합이 있는데, 모홀리-나기는 이에 알맞는 현대의 과학적인 시대의식과 일치하는 새로운 차원의 시각을 모색하였다. 사실 모홀리-나기가 유명해진 것도 사진작품에 의해서였지만 그가 바우하우스에서 사진을 실제로 지도한 적은 없었다. 사진은 1929년에 모홀리-나기가 퇴임한 다음에 발터 페테르한스의 한과목으로 채택되었고 다만 모홀리-나기는 끊임없는 탐구적 정신과 시각의 확대로서 사진에 대한 철저한 현대적 신념을 세웠다고 말할 수 있다.모홀리-나기가 바우하우스로 영입되면서 바우하우스는 새로운 전환점을 예시하였다. 사람들보다는 기계들 사이에서 더 편암함을 느꼈던 모홀리-나기는 기존의 바우하우스 교수들과는 전혀 다른 교수법을 기용했다. 그는 학생들에게 기법, 재료들을 합리적이고 실용성있게 쓸 것을 강조했고 이젤 그림이나 조각품 대신 새로운 테크닉과 매체로 눈을 돌려 시각과 마음을 개방할 것을 주장했다. 그는 기계 앞에 모든 사람은 평등하다. 내가 사용할 수 있는 것과 마찬가지로 당신도 사용할 수 있으며, 테크놀로지에는 전통도 없고 계급의식도 없다라는 주장을 펼쳤다. 또한 그의 사진에 대한 기본적인 입장은 시각적인 인식인만큼, 무엇을 표현하는가.. 어떻게 표현하는가.. 보다는 어떻게 볼 수 있는가 하는 문제에 매달려 사진적 시각에 집중되어 , , , , 등을 연구하였다.
