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상징주의(Symbolism) 작가 3점의 내용과 의미 분석

상징주의 (象徵主義 Symbolism)상징주의는 1880년대 후반에 프랑스에서 시(詩)를 중심으로 시작된 예술사조이다. 미술에서는 보들레르, 말라르메, 랭보 등 시인의 영향 하에 반사실주의적인 경향을 지향했으나, 문예의 경우처럼 명확한 주장이나 운동으로 확립되었던 것은 아니다. 상징주의의 목적은 물질세계와 정신세계 사이의 갈등을 해소하는 것이었다. 상징주의 시인들은 시적 언어를 내면생활의 상징적 표현으로 여겼으므로 화가들에게도 신비와 마술 등을 시각적으로 표현할 것을 요구했다. 상징주의 미술은 인간의 내면을 강조하고 비합리성을 추구함으로써 일상적인 이미지의 왜곡과 비사실적인 우화세계 및 주제의 기묘한 병치를 일으켰으며, 이는 19세기 중반 사실주의의 개념을 파기하는 것이었다. 현실적 주제보다는 신화적이고 신비한 주제를 도입하여 상상의 세계를 그리는 것은 어떤 감정이나 사고에 상응하는 조형세계가 있다고 믿었기 때문이며, 해설이나 설명 없이 감정에 직접 영향을 미치는 미술에 대한 추구가 상징주의 화가들에게 가장 중요했음을 말해준다. 상징주의자들은 새로운 회화양식을 창조한 것은 아니었으나, 예술적 형식보다는 시적 사상의 표현, 마술과 종교적 신비에 더 많은 관심을 기울인 일종의 개인주의자들이었다. 귀스타브 모로 ? 환영그림 1 귀스타브 모로, ‘환영’1875년, 캔버스에 유채, 142×103㎝, 귀스타브 모로 미술관, 파리. 성서의 이야기나 신화를 많이 그려 명성을 얻은 프랑스 작가 귀스타브 모로 Gustave Moreau는 매우 화려한 기교로 시적 · 환상적 표현을 한 상징주의를 대표하는 화가이다. 신화를 주제로 한 그림에서 인간의 번민과 고통, 이상적인 영웅상 등을 상징적으로 표현함으로써 후에 나타나는 표현주의에 결정적인 영향을 주게 되는데, 정작 그가 영향을 받은 것은 낭만주의의 들라크루아와 앵그르, 샤세리오였다.[환영 L 'Apparition]의 주제인 살로메는 신약성경에 등장하는 인물로 헤롯왕의 의붓딸이다. 헤롯왕의 생일날 춤을 춘 대가로 세례자 요한의 머리를 달라고 한 팜므파탈의 이야기는 후에 오스카와일드의 희곡으로 더 잘 알려지게 되었으며, 이에 영감을 받은 오페라까지 만들어지게 된다. 강렬한 명암 대비와 임파스토가 두드러진 화려한 양식을 선보였으며, 인물이 작게 그려져 웅장한 느낌을 주는 배경의 건축물은 이슬람, 비잔틴, 로마네스크, 고딕, 불교사찰까지 무국적, 무시간적인 공간을 만들고 있다. 또한 살로메에게만 보이는 세례 요한의 환영이라는독창적인 모티브까지 덧붙여져 신화나 종교 이야기를 빌어 자기만의 환상의 세계를 빚어내고 있다. 섬세한 윤곽선과 단단한 모델링은 고전주의 미술의 특징을 보이지만 작품의 분위기는 대체로 불길하고 으스스하며 같은 주제를 가진 기존의 작품들과도 다른 주관적인 세계를 선보인다. “나는 보이지 않는 것과 느끼는 것만을 믿는다.”고 한 모로가 창조한 어디에도 없는 세계는 초현실주의자들에게 영향을 주었다.주요 작품으로는 [오이디푸스와 스핑크스](1864), [오르페우스](1865). [헤롯 앞에서 춤추는 살로메](1876), [유니콘](1885), [주피터와 세멜레](1895) 등이 있다. 구스타프 클림트 ? 키스그림 2 구스타프 클림트, ‘키스’1909년, 캔버스에 유채 금박, 180×180㎝, 벨베데레 궁전, 비엔나. 클림트 Gustav Klimt는 일본 판화, 비잔틱 모자이크, 그리스 고전, 이집트 미술에서 영향을 받았다. 금세공업자였던 아버지의 영향과 이탈리아 라벤나의 비잔틴 모자이크에서 영감을 받아 1901년부터 그림에 금박을 사용하게 되며 이는 그림의 장식성과 화려함을 강조한다. 그의 그림에서 반복적으로 사용되는 기하학적인 요소들은 성별에 따라 차이를 두는데 남성에게는 검정과 흰색의 사각형을, 여성에게는 색색의 꽃과 동그라미를 주로 사용했다.대표작이라 할 수 있는 [키스]는 그의 장식적이고 화려한 특징이 잘 드러나는 작품이다. 정사각의 캔버스가 무색하게 중심이 되는 연인의 모습은 세로로 길쭉하게 화면을 양분하고 있으며, 모포를 두른 듯 두 사람의 윤곽은 단순하고 부자연스러우며 평면적이다.인물들은 얼굴, 손, 발만 실제 형태를 갖고 있으며 화려하고 기하학적인 요소들이 힘과 관능미를 가진 인물의 묘사와 이질적이면서도 묘한 균형을 유지한다. 클림트는 인공적인 형태의 장식을 가지고 자연주의에 대항할 수 있다고 생각했던 화가로 구성에서 채움과 비움 사이의 미묘한 균형을 장식에서 찾았다.상징주의는 염세주의적이고 슬픈 예술을 위해서 실용적이고 구체적인 표현을 거부한다. 이들은 상상의 세계나 비물질적인 세계 및 무형의 세계에 집중한다. 꿈이나 환상은 이 세계로 접근하게 하는 다리 역할을 한다. 이들은 비유나 상징에서 도움을 받아서 눈에 보이는 현실과는 다른 이미지를 만든다. 이미지는 보이는 것 이외에 새롭고 신비로운 의미를 제안하거나 생각나게 해야 한다. 이는 초현실주의는 물론 다다이즘이나 입체주의로의 문을 여는 계기가 된다.주요 작품으로는 [유디트I](1901), [베토벤프리즈](1902), [아델레 블로우-바우허의 초상](1907), 스토클레 벽화 시리즈 [기대], [생명의 나무], [성취](1905-1909), [죽음과 삶](1911) 등이 있다. 에드바르드 뭉크 ? 절규, 불안그림 3 에드바르드 뭉크, ‘절규’1893년, 마분지에 템페라와 크레용, 91×73.5㎝, 오슬로 국립 미술관, 오슬로.그림 4 에드바르드 뭉크, ‘불안’1894년, 캔버스에 유채, 94×73㎝, 뭉크 미술관, 오슬로.뭉크 Edvard Munch는 회화를 자신의 정신적인 경험을 표현하는 쪽으로 발전시켰다. 어린 시절 겪은 어머니와 누이의 죽음, 아버지의 강박과 가난 등 어두웠던 기억은 19세기 말의 분위기에 뿌리를 둔 고독, 불안, 실망, 시기 및 병적 기질 등 보편적인 가치로 확장된다.

예체능| 2024.12.30| 4페이지| 2,000원| 조회(137)

미술, 상징주의, 미술감상, 미술교육, 뭉크, 클림트, symbolism, 모로

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풍속화의 이해와 지도의 실제

풍속화의 이해와 지도의 실제Ⅰ. 서론Ⅱ. 풍속화의 이해1. 풍속화의 개념2. 풍속화의 발생과 전개Ⅲ. 조선후기 풍속화의 이해1. 조선후기 풍속화의 특징2. 조선후기 풍속화의 교육적 가치Ⅳ. 풍속화 지도의 실제1. 초등학교 교과서에 실린 풍속화2. 조선후기 풍속화 지도 방안Ⅴ. 결론Ⅰ. 서론미술은 인간의 생활과 밀접한 관계를 지니면서 시각적 조형언어를 통해 그 시대마다 지니는 사상적인 특징과 생활방식에서 형성되는 문화를 반영하며 발전해오고 있다. 이런 의미에서 전통미술을 교육하는 것은 선조들의 미의식과 삶의 지혜가 담긴 소중한 문화유산을 올바르게 이해하여 우리 미술 문화에 대한 긍지를 지니게 하는데 그 목표가 있다고 할 수 있다. 서구 지향적 교육에 길들여져 있는 학생들에게 한국화가 가지고 있는 우리 민족의 역사와 문화, 미의식, 삶의 지혜 등을 고취시켜 가장 한국적인 것이 세계적인 것이라는 인식을 심어주기 위하여 체계적인 전통미술 교육이 필요하다.현재 교육과정에서 정의하는 미술과의 성격은 다음과 같다.미술은 느낌과 생각을 시각적으로 표현하여 다른 사람과 소통하고 자신과 세계를 이해하는 인간 활동으로서 삶의 질을 향상시키는 데 있어 중요한 역할을 한다. 또한 미술은 그 시대의 문화를 기록하고 반영하기 때문에 우리는 미술 문화를 통해서 과거와 현재를 이해하고 나아가 문화의 창조와 발전에 공헌할 수 있다.또한 이와 관련하여 ‘우리 미술 문화에 대한 이해를 바탕으로 정체성을 확립하고, 유연하고 개방적인 태도로 세계 미술 문화의 다원적 가치를 이해하고 존중하며 공동체의 발전에 참여할 수 있는 미술 문화 이해 능력’을 핵심 역량으로 내세우고 있다.여기에서는 조선 후기 조상들의 삶의 모습이 녹아있는 풍속화의 특성과 가치를 살펴보고 이를 활용한 지도의 실제에 대해 모색함으로써 미술 문화 이해 능력과 정체성 확립을 위한 방안을 마련해 보고자 한다.Ⅱ. 풍속화의 이해1. 풍속화의 개념풍속화(風俗畵)는 인간의 생활상을 그린 그림으로 조선후기를 대표하는 미술 장르 중의 하나이다. 시 의도 아래 제작된 것이기는 하나, 회화의 특징과 복식, 생활, 건축, 불교와 도교의 우주관, 내세관 등 당시의 실존했던 많은 상황들을 확인할 수 있다.고려시대에는 일반 회화와 불교 회화가 높은 수준으로 발전하였으나 이렇다 할 풍속화가 전해지지는 않고 있다. 풍속화가 순수한 회화적 양식으로 화폭에 제작된 것은 조선시대이며 정치적 목적을 가진 「삼강행실도」류의 판화가 다수 제작되었을 뿐만 아니라 왕실이나 나라의 행사를 기록한 의궤도 역시 궁중 수요의 풍속화라 할 수 있다.대략 17세기 이후부터 본격적인 풍속화의 전개가 나타난다고 보고 있다. 임진, 병자의 양란으로 양반사회의 붕괴와 함께 서민계급이 팽창하게 되고, 실학사상이 대두되며 경제적으로 부유한 신흥 상인들의 활동이 활발해 지면서 문화에 대한 요구와 함께 풍속화에 대한 수요가 하층계급으로 확산되게 된다. 사대부인 윤두서가 인물 산수화에서 풍속화로 나아가면서 이를 필두로 조영석이 풍속화풍을 정립하고 김홍도, 신윤복, 김득신에 이르러 절정을 이루었다. 이들은 당시 사회문제로 부각된 현상들을 적극적으로 반영한 통속적인 내용을 작품화하여 회화 세계를 확장시켰다(정병모, 2000).Ⅲ. 조선 후기 풍속화의 이해1. 조선 후기 풍속화의 특징(1) 시대적 배경1592년에 일어났던 임진왜란과 정유재란, 병자호란, 정묘호란 등 계속되는 전쟁으로 정치적으로 매우 불안해졌고, 민중들은 여러 전쟁을 치르면서 국가가 자기들의 안위를 지켜줄 수 없음을 깨닫게 되어, 의병 등 자발적으로 전쟁에 참여하고 전쟁을 주도해 나가게 되는 등 평민들 사이에 민중의식이 싹트기 시작했고 이는 조선 후기 새로운 문화를 만들어나가는 힘이 되었다.조선 후기 특히 영조, 정조 사이에 부흥한 실학사상(實學思想)의 발전은 문화 전반에 많은 영향을 끼쳤다. 전통적인 유교사상을 배경으로 한 문학 주류에서 벗어나 일반 서민들이 즐기고 향유할 만한 문학과 예술이 대두되기 시작하여 더 이상 양반들의 전유물이 될 수 없음을 보여 주었다. 그 당시 화가들은 중국의 그림은 자세나 표정을 정확히 잡아내고, 조선 특유의 삶과 멋이 스며있는 ‘인간’을 형상화하는 표현 양식을 완성해 내었다. 이러한 예술적 발전은 당시 실경산수나 동물화, 초상화 등과 함께 조선 후기 회화가 이룩한 찬란한 업적이다(이태호, 1995).(3) 대표 화가1) 김홍도 (金弘道,1745～1805?)김홍도는 화원 생활을 통하여 초상화나 동물화는 물론 기록화, 고사인물도(옛이야기 속의 인물이나 사건을 묘사한 그림)이나 도석화(동양화에서 신선이나 부처, 고승을 그린 그림), 진경산수화에 이르기까지 폭넓게 섭렵하였고, 민중의 노동 현장에서 시정의 다양한 생활상이나 남녀의 애정 표현에 이르기까지 주제를 확대하여 풍속화의 회화적 수준을 높이고 뛰어난 표현력과 독창적 개성미로 한국 회화의 고전적 전형을 완성하였다.김홍도는 당대 사람들의 생활 장면을 포착하는 방법으로부터 등장인물들의 성격 묘사에 이르기까지 조선인과 그 삶을 표현하는 양식적 모범을 완성하였다. 화면 운영의 특징은 약간 위에서 내려다보듯이 부감하여 사람들의 움직임을 정리한 원형 구도나 사선식 구도의 여유로움, 근경에 뒷모습의 인물을 등장시켜 보는 이의 시선을 화면에 끌어들이고 다른 장면으로 이동시키는 동선의 짜임새에 있다. 김홍도식 화법은 대상에 대한 객관적 묘사 태도의 철저함으로부터 비롯된 것이고 탁월한 사실력이 뒷받침되었기에 모든 이의 공감을 끌어낼 수 있었다.영조의 어진과 정조의 왕세자 시절 초상화 제작에 참여하였으며, 정도 어진 제작에 동참하였고, 정조의 명에 따라 김응환과 함께 금강산 등 강원도 일대를 기행하며 명승지를 그린 것으로 추정되는 이 있다. 8폭의 병풍과 25점의 , 의 삽화, 세 폭의 , 8폭의 , , , 등 많은 작품을 남겼을 뿐만 아니라 김득신, 신윤복 등 동세대나 19세기 후배 화가에게 큰 영향을 끼친다.2) 김득신 (金得臣,1754～1822)조선 후기 풍속화의 내용과 형식에서 김홍도를 가장 충실히 계승한 후배 화원은 김득신이다. 때로는 풍속화뿐만 아니라 도석인물화 등에서도 두 화육이 될 수 있다.다섯째, 풍속화는 사대주의에 영합하지 않고 새로운 가치관에 의한 자주적, 민족적 미술로 자생하였기 때문에 중국 회화와 뚜렷이 구별되는 한국화의 독자적인 경지를 개척했다. 우리문화가 대부분 중국의 영향아래에 있다는 관점에서 봤을 때, 독창적 미술로서의 풍속화를 제대로 이해하는 일은 교육적 의의가 크다고 하겠다(박효선, 2008; 4-5).Ⅳ. 풍속화 지도의 실제1. 초등학교 교과서에 실린 풍속화(1) 미술교과서단원작품명 (화재)작가쪽지도내용비고3학년천재(안금희)쉬어가기- 작가의 이야기를 듣다씨름김홍도42-43작가에 대해 알아보기13. 즐겁게 체험하는 미술 감상공기놀이윤덕희73미술 작품과 함께 놀아 보기금성(김정선)13. 보고 느끼고 생각하고파적도김득신68놀이하며 감상하기동아(김정희)11. 미술관 나들이파적도김득신63미술 작품을 감상한 후 생각 비교하기천재(류재만)2-3. 미술 작품과 친해지기춤추는 아이김홍도53작품 추천하기지학사(김성숙)12. 이야기가 있는 작품야묘도추(파적도)김득신66-67작품을 감상하고 이야기 만들기, 소개글 쓰기, 연극으로 표현하기지도의 실제미술작품 속으로 풍덩씨름김홍도71미술신문 만들기4학년금성(김정선)13. 질문하는 미술씨름김홍도67묻고 답하며 감상하기비평문 쓰기지도의 실제비상(이은적)쉬어가기간송 전형필단오풍정신윤복50전형필과 간송미술관에 대해 알아보기야묘도추김득신51미인도신윤복5113. 다양한 미술과의 만남춤추는 아이김홍도66작가와 작품 만나기지도의 실제천재(류재만)2-5. 세계의 민속놀이죽방울받는 모양김준근64작품 감상하기지학사(김성숙)11. 내가 좋아하는 미술 작품과 미술가무동(춤추는 아이)김홍도63관심 있는 작품 자세히 보기5학년천재(안금희)우리나라 미술여행파적도김득신85시대별 대표작 알아보기미래엔(정선화)13. 시대를 비춘 전통 미술씨름김홍도67시대별 전통미술의 특징 알아보기일부발췌춤추는 아이김홍도68전통미술작품 소개하기학생작품금성(김정선)4. 어제의 미술, 오늘의 미술나물캐기윤두서23전시회를 열어 작품을 설명을 발표하고, 그 이유를 설명할 수 있다.< 지도안 예시 1 > 3학년 지학사(김)주 제풍속화(김득신의「야묘도추」)를 통한 미술문화 이해 능력 기르기차 시1-2/3학 습목 표♣ 작품을 보고 자신의 생각과 느낌을 이야기할 수 있다.♣ 다양한 방법으로 작품에 대한 생각을 표현할 수 있다.단 계교수학습 활동자료? 및유의점*도입전개정리◈ 흥미 유발하기° 자신이 알고 있는 작가에 대해 이야기해봅시다.? 작품사진* 학생의 생각을 평가하지 않고 모두 수용한다.♣ 작품을 보고 자신의 생각과 느낌을 자유롭게 이야기 해 봅시다.♣ 다양한 방법으로 작품에 대한 생각을 표현 해 봅시다.◈ 학습활동 1 ? 작품을 보고 질문에 답하기° 그림에서 어떤 일이 일어나고 있습니까?° 무엇을 보고 그렇게 생각하였습니까?° 또 무엇을 찾아볼 수 있습니까?◈ 학습활동 2 ? 선택학습° 어떤 일이 일어났는지 이야기를 만들어 봅시다.° 「야묘도추」의 앞과 뒤의 이야기를 생각하며 만화로 그려 봅시다.° 작품을 소개하는 글을 써 봅시다.° 대본을 만들고 연극을 해 봅시다.◈ 정리활동 ? 소감 나누기° 선택과제로 표현활동을 한 소감을 이야기 해봅시다.(2) 하브루타 + 비평문 쓰기[4미03-03] 미술 작품에 대한 자신의 느낌과 생각을 발표하고, 그 이유를 설명할 수 있다.< 지도안 예시 2 > 4학년 금성(김)주 제질문을 통해 비평문 적기 (김홍도 「씨름」)차 시3-4/4학 습목 표♣ 작품을 보고 질문을 만들어 주고받은 다음 비평문을 쓸 수 있다.단 계교수학습 활동자료? 및유의점*도입전개정리◈ 흥미 유발하기° 질문과 대화에 관한 이야기를 나누어 봅시다.? 작품사진* 다양한 작품을 제시하고 선택할 수 있도록 한다.♣ 미술 작품에 대한 다양한 질문을 주고받으며 비평문을 써 봅시다.◈ 학습활동 1 ? 미술작품 보며 질문 만들고 대화하기° 생각질문, 사실질문, 나와 관련된 질문을 만들어봅시다.씨름판에는 어떤 소리가 들릴까요? 전체적인 분위기는 어떠한가요?누구의 작품인가요? 제목은 무엇인가요? 작품 속 장소는 어.

교육학| 2024.12.30| 15페이지| 5,000원| 조회(131)

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미술 작품 속 '집'과 '가족'의 이미지 3점의 내용과 의미 분석

가족과 집표준국어대사전에 따르면 가족(家族)이란 “주로 부부를 중심으로 한, 친족 관계에 있는 사람들의 집단. 또는 그 구성원. 혼인, 혈연, 입양 등으로 이루어진다.”라고 정의된다. 하지만 최근 일본인 방송인 사유리씨가 미혼 상태로 정자를 기증받아 아이를 출산한 일이 보도되면서 ‘부부를 중심으로 한’이라는 기본 전제는 시간의 흐름에 따라 수정되어야 하는 것이 아닌가 진지하게 고민해 볼 때가 되었다고 생각한다. 한 집에 함께 살면 가족이 아닐까? 비슷한 말로 식구(食具)는 “한 집에서 함께 살면서 끼니를 같이하는 사람”으로 정의된다. 성 소수자 여부와 관계없이 동성의 친구가 함께 살며 생활동반자법의 보호를 받고, 반려 동물과 함께 살며 아들, 딸, 동생이라 칭하는 현대사회에서 진정한 ‘가족’이란 무엇일까? 배운성 - < 가족도 >그림 1 배운성, ‘가족도’, 1930~1935년, 캔버스에 유채, 140×200㎝.한 화면에 무려 열일곱 명의 인물이 등장하는 대가족을 그린 배운성 작가의 [가족도]는 전통적인 대가족의 형태를 보여주고 있다. 화면 중앙에 위치한 노부인을 필두로 3-4대가 모인 것으로 추정되며 색동저고리와 비단 옷, 색색의 가죽신 등 인물들의 복식으로 보아 매우 부유한 집안인 것 같다. 작가 배운성의 집안 형편이 어려워 진 후 서생으로 들어간 서울 장안의 갑부 백인기의 가족이라는 주장이 있는가 하면, 독일 유학중에 가족들을 그리워하며 좋은 집에 모두가 모여 살고 싶어 한 작가의 바람을 그린 배운성 자신의 가족화라는 주장도 있다. 대부분의 인물이 얼굴을 정면으로 바라보고 있는 것과 달리 화면 맨 왼편에 흰 두루마기를 입고 멋진 가죽구두를 신은 채 약간 사선을 바라보고 있는 인물이 작가임은 틀림없어 보인다.이 작품은 지난 2012년 국가등록문화재로 지정되었는데 우리나라 최초로 유럽에서 활동한 배운성의 업적과 함께 “우리나라 근대기의 실제 초상형식 그림으로 그려진 대가족 초상이 거의 남아있지 않기 때문에 매우 귀중한 가족도”이며 “당대의 주거와 복식을 보여주는 생생한 사료”라는 점을 지정 이유로 밝혔다. 아주 오랫동안 이어져 내려 온, 여러 세대가 함께 생활하며 자식을 많이 낳는 것으로 가문을 지키려 한 근현대 시기의 ‘가족’이란 얼마나 끈끈하고 강한 유대를 지니고 있었는지 짐작케 한다. 내가 지금 저 안에 있어야 하는 상황이라면 다소 피곤할 것 같다는 느낌을 지울 수는 없지만 말이다. 이중섭 - < 길 떠나는 가족 >그림 2 이중섭, ‘길 떠나는 가족’, 1956년, 종이에 연필과 유채, 10.5×25.7㎝, 개인소장.‘다문화 가정’이라는 말은 다소 차별적이다. 우리나라는 건국 이래 아주 오랫동안 외국인과 혼인하는 사례가 매우 적었던 탓에, 최근 증가하고 있는 농촌으로 시집 온 동남아권 여성과의 혼인으로 이루어진 가족을 대변하는 말처럼 굳어졌기 때문이다. 학교에서는 뭔가 더 도움이 필요한 아이들로 비추어져, 다문화 혜택 받기를 꺼리는 학부모도 종종 있다. 반면 백인과의 혼인으로 외모가 서구적인 아이들은 다년간 TV 프로그램에서 엄청난 인기를 끌고 있다는 점은 모순적이기도 하다. ‘국내에 거주하는 국제결혼 가정’으로 정의되는 ‘다문화’라는 말이 생겨나기도 전에 일본인과 결혼한 이중섭은 단연 선구자였다. 뿐만 아니라 생활형편이 어려워 아내와 두 아들을 일본으로 돌려보내고 혼자서 고군분투한 그는 ‘기러기 아빠’의 원조가 아니겠는가. 결코 비꼬려는 것이 아니라 내가 좋아하는 이중섭의 가족화를 소개하려다보니 이렇게 연결되어버렸다.부유한 집에서 태어나 일제 강점기 때 일본으로 건너가 그림유학까지 할 수 있었고, 그곳에서 일생의 배우자도 만났지만 해방과 전쟁 이후 비참한 말년을 보낸 이중섭의 삶은 우리 민족의 근현대사를 대변하듯 순탄치 않았다. 하지만 그의 그림에 나타난 그의 가족은 더없이 행복해 보인다. 전쟁과 가난 때문에 평양에서 부산으로, 다시 제주도로 쫓기듯 옮겨 다니다가 결국은 가족과 생이별하고 그리움에 사무쳐 쓴 다수의 편지들엔 이처럼 행복한 미소를 띤 작가와 가족들의 모습이 자주 등장한다. 가족 구성원은 부모와 자식 둘로 매우 단출해졌다. 집도 없고, 소가 끄는 달구지에 생활에 필요한 도구들조차 없이 헐벗은 채 바람을 따라 어딘지도 모르는 곳으로 이동하면서도 가족들의 얼굴엔 미소가 만연하다. 길잡이인 아버지는 아무 걱정 말라는 듯 돌아보며 괜히 팔도 한 번 크게 들어 올려 본다. 이 역시 일본에 있는 아내에게 쓴 편지 속 삽화로, 이를 스케치로 한 조금 더 큰 사이즈의 작품이 그려지기도 했지만 표정이 훨씬 더 풍부하게 드러난 이 작은 그림에 더 오래 눈길이 머문다. 정연두 - < 남서울 무지개 >사진 1 정연두, ‘남서울 무지개’, 2011년, photo installation, 각 36×83㎝ 35개 중 일부.코로나19 사태로 인해 실시간 온라인 수업을 하게 되면서 가장 난감했던 점은 ‘노트북 카메라를 어디로 맞춰 두어야 하는가?’였다. 집 안에서 가족들의 생활 소음을 차단하면서 두 시간 남짓 편안한 자세로 수업을 들을만한 마땅한 장소가 잘 찾아지지 않았기 때문이다. 어떻게 각도를 잡아도 남에게 보이기 민망한 생활의 일부분이 노출되었다. 그래서인지 몇몇 화상 회의 프로그램은 배경화면을 따로 설정해서 인물 외의 부분을 가려주는 (고마운) 서비스를 제공하기도 한다. 누군가 ‘우리 집’을 배경으로 가족사진을 찍어 대중에게 공개하겠다고 하면 나는 과연 흔쾌히 수락할 수 있을까?정연두 작가는 서울시 금천구 시흥동에 위치한 ‘남서울 무지개 아파트’ 단지에 ‘미술작가가 무료로 가족사진을 찍어드립니다.’라는 내용의 홍보 전단을 만들어 배포한 후, 희망하는 세대에 한하여 직접 그 집을 방문하여 사진을 찍었다. 디지털 카메라의 보급과 휴대전화 카메라 사양의 고급화로 이제는 많이 사라진 ‘사진관’에서 홍보용으로 내걸은 가족사진과는 조금 다르다. 주로 단색의 스크린을 배경으로 인물만을 부각시키는 가족사진과는 달리 작가의 작업물에는 인물만큼이나 그들이 살고 있는 집의 내부가 또렷하게 드러난다. 어떤 벽지와 가구를 쓰는지, 인테리어는 어떤 방식으로 했는지 등 가족이 공동으로 사용하는 공간은 어쩌면 그 가족의 외모보다도 더 그 사람들에 대해 많은 정보를 제공할 지도 모른다. 보는 사람은 마치 타인의 집을 훔쳐보는 기분으로 그들의 집안 구석구석을 살필 것이다. 아파트의 이름이기도 하면서 다양성을 보여주고자 한 작가의 의도가 담긴 ‘무지개’라는 제목에서도 알 수 있듯이, 집의 구조는 모두 같지만 그 안에서 살아가는 사람들은 같은 부분이 하나도 없다.정연두 작가의 [남서울 무지개] 사진 작업은 2001년 [상록타워] 시리즈에 이어 두 번째 프로젝트이다. 같은 아파트의 같은 구조를 가진 각 가정에 거실 창을 배경으로 집안 내부와 함께 가족사진을 찍은 연작을 여럿 연결해 놓은 작업물을 처음 보았을 때는 다소 거부감이 들었다. 정형화 된 4인 가족의 단란한 모습, 심지어 어떤 가족은 검은색 정장을 맞춰 입고 하나씩 악기를 손에 든 채로 가족 오케스트라 같은 연출을 하고 카메라를 응시한 모습이 하나같이 가식처럼 보였기 때문이다. 마치 SNS에 과장된 행복을 꾸며서까지 전시하고 싶어 하는 사람들의 욕망처럼 말이다. 작가의 촬영에 협조한 사람들은 당연히 자신들을 ‘완전한 가정’이라 생각하는 사람들뿐이지 않겠는가. 10년의 기간을 두고 작가는 두 번째 프로젝트를 진행했고, 형식은 예전과 크게 달라지지 않았지만 이전 작품과는 조금 다른 모습이 보여 두 번째 프로젝트 [남서울 무지개]를 소개하였다.

예체능| 2024.12.30| 4페이지| 2,000원| 조회(77)

집, 미술, 가족, 미술감상, 미술교육, 이중섭, 배운성, 정연두

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'시간'을 주제로 한 미술 수업 연구

Time그림 1] Paul Klee, Time, 1923[ 목 차 ]Ⅰ. 시간이란 무엇인가?1. 시간의 사전적 의미2. 시간의 철학적 의미II. 시간을 어떻게 ‘볼’ 것인가?1. 시간의 의인화2. 미래주의3. 사진4. 변화Ⅲ. 수업을 위한 제안 : worksheet 과거, 미래, 그리고 현재 빛으로 그림 그리기 움직임을 표현한 그림Ⅰ. 시간이란 무엇인가?“인생은 짧고, 예술은 길다.”유명한 경구로, 사람의 일생은 유한하나 그들이 남긴 예술은 오랜 기간, 혹은 영구히 그 가치를 인정받는다는 말로 이해되고 있다. 하지만 이표현에는 다소의 오해가 있다. 그리스 의사 히포크라테스Hippokrates의 이름으로 전승되는 저술들 중 의 첫 번째 문장에서 그 인용이 시작되었다. 여기서의 의미는 현대적 ‘예술’의 개념보다는 의술을 포함한 ‘기예, 기술’을 뜻하는 것으로, 의사로서 사람을 살리지 못했을 때 치료 기술을 얻는 데는 상당한 시간이 필요하기 때문에 주변 의사에게 전하는 탄식과 충고의 시작이었던 문장이 번역과 인용을 수차례 거듭하며 꽤나 찰떡같은 표현으로 굳어졌다.시간이란 무엇일까? 4년 전 인도네시아 술라웨시 섬에서 발견된 동굴벽화가 세계에서 가장 오래된, 약 4만 4000년 전의 예술작품으로 밝혀져 있다. 원시적인 인류인 오스트랄로피테쿠스는 약 300만 년 전에 등장했으며, 지구는 46억 년 전에, 태양계는 90억 년 전에, 우주는 무려 138억 년 전에 빅뱅으로 탄생했다. 지구가 태양 둘레를 한 바퀴 도는 동안을 ‘1년’으로 규정한 단위를 태양계가 생기기 전에도 적용한다는 것도 아이러니하지만 인류가 사라진다면 과연 ‘시간’이라는 것을 신경 쓰는 존재가 또 있을지도 의문이다.예술 일반을 각종 예술로 분류할 때, 그 예술의 표상이 시간적 계기 형식으로 나타나는가, 또는 한 공간에 같이 있는 공간적 병렬형식으로 나타나는가에 따라, 시간예술과 공간예술로 나눈다. 시간 예술은 문학·음악·연극 등을 포함하고, 공간예술은 회화·조각·건축 등을 포함한다. 이 분류법은 G.E. 제자리로 돌아오는 원환적 시간 안에서 존재론적으로 규정하려는 견해도 있다. 낮과 밤, 사계는 물론이고 인간의 삶도 생명→수면→사망을 반복하며 순환한다고 말한다. 이는 불교의 시간관과 동일하다. 순환적인 시간은 그 출발도 끝도 알 수 없는 상태로 직선적 시간관의 결정론적인 태도와는 다르게 과거는 현재의 근원이면서 동시에 미래의 모습과 부분적으로 교차한다는 측면에서 존재의 유한성과 시간의 무한성을 동시에 드러낸다.고전 물리학에서는 과거, 현재, 미래는 일련의 연속성을 가지고 진행된다고 여긴다. 시간은 언제 어디에서나 일정한 속도로 무한히 진행되는 것으로 인식하며 사물에 스며드는 간접성을 통해서만 인지되고 느껴질 뿐이다. 또한 계량적으로 측정 가능하며 회귀적인 속성을 보이지 않는다는 가정을 전제로 하였는데 아인슈타인의 상대성 이론과 양자역학의 세계가 이러한 체계를 뒤흔들었다. 상대성 이론은 시간의 속도가 일정하다는 고전 물리학의 시간관을 부정하고 관찰자와 관찰 대상 사이의 관계는 유동적인 토대 위에 성립되기 때문에 과거와 현재 미래는 동질적인 상태에 있으며 서로 전환이 가능하다는 근거를 세운다. 이는 다시점과 다시간을 전제조건으로 하는 큐비즘의 형성에 영향을 미치기도 하였다.시간을 의식하고 활용하는 인간의 입장에서 보았을 때, 시간의 장단과 농담은 심리적으로 결정되기도 한다. 객관적으로는 긴 시간도 짧게 인지되고, 짧은 시간도 길게 여겨지는 것은 모두 시간에 대한 체험의 차이에서 생기며 매우 주관적이다. 또한 태양계 안의 모든 생물이 예외 없이 태양의 주기적 운행에 맞추어 살아가는 것처럼 인간 또한 24시간의 주기에 맞춰 생활하는 생체 시간을 갖고 있다. 더불어 사회의 구조가 원시사회, 농경사회, 산업사회로 변모하며 그 안에서 끊임없이 시간관념을 바꾸어 가며 생활하고 있다.Ⅱ. 시간을 어떻게 볼 것인가?1. 시간의 의인화(1) 크로노스Chronos와 카이로스Kairos그림 2] 조반니 프란체스코 로마넬리, 크로노스와 그의 아이, 17세기, 캔버스에 오일, 94 ×이 알 리가 없다고 생각했기 때문이다.이러한 은둔생활을 시작한 나이가 70세이고, 10년이나 때를 기다린 결과 문왕의 눈에 띄어 단번에 재상이 된 이상적 출세의 표본이다. 동양 선비들은 구태여 자기를 드러내지 않더라도 학문과 덕을 갖추고 있으면 언젠가 세상에서 큰 뜻을 펼칠 기회가 온다고 생각했다. ‘적절한 때’가 있음은 그리스의 ‘카이로스’와 비슷하나 찰나와 같은 기회를 제때 움켜잡아야 한다고 생각한 그리스인들과 달리 ‘기다림’의 수동적 자세를 취한다는 점에서 약간의 차이를 발견할 수 있다. 정선 등이 그린 ‘조어도’ 역시 이러한 의미를 담고 있다.2. 미래주의(1) 미래주의미래주의(Futurism)는 20세기 초 이탈리아에서 일어났던 전위 예술운동이며 기계, 속도, 힘 등에 경도되었고 이들을 주된 소재로 삼았다. 회화의 경우, 미래파 화가들은 대상의 움직이는 각 순간을 동일 화면에 그려내고자 하였는데 이런 시도는 서양 미술 최초로 움직임, 즉 운동을 그리고자 한 시도였다. 이것은 그들이 존재를 공간적이 아니라 시간적으로 이해한 결과이다. 서양의 전통적인 공간적 존재사유 대신 시간적 존재사유를 제시했던 혁신적 사조였던 것이다. 이들이 시도했던 움직임과 시간의 미학은 곧 다다이즘(Dadaism)으로 연결되었고 행위예술과 옵아트(Op Art)의 탄생에 커다란 영향을 끼쳤다. 키네틱 아트(Kinetic Art)의 영감으로도 작용하였다.움직이고 있는 대상의 운동성 자체를 포착하려는 이들의 의도는 대상을 분해하여 논리적 방법으로 동일 공간상에서 재구성하고자 한 입체파의 분석적 조형기획에 의존한 것이다. 큐비즘이 대상의 여러 면을 동일 화면에 표현하려고 했다면, 미래파는 대상의 움직이는 각 순간을 동일 화면에 그려내고자 하였다. “질주하고 있는 말의 다리는 4개가 아니라 20개이다.” 라는 선언에서 드러나듯 미래파는 시점을 고정시키지 않고 복수 시점, 다 시점을 이용해 움직임을 파악, 묘사하려고 하였다. 사물의 잔상에 주의하면서 보고 있는 것과 기억하고 있는 것을 종합된다. 사진은 변화와 움직임을 정지화면으로 기록하면서 ‘현재’ 혹은 ‘과거의 어느 한 시점’을 기록할 수 있게 된다. 1800년대 말 등장한 사진은 처음에는 예술가들의 관심을 끌지 못했지만 카메라 크기가 줄고 기술이 발전하면서 서서히 독립적인 예술 장르로 자리 잡게 된다. 사진을 ‘독자적인 예술로 승화’시키려는 노력과 전쟁의 참상 등을 ‘있는 그대로’ 담아내려는 노력이 1930년대와 1940년대에 치열하게 진행된다. 이 같은 움직임의 최전선에 있었던 인물이 앙리 카르티에 브레송과 로버트 카파다. 이 둘의 삶과 사진은 대조적이었지만 사진가들의 공동체를 함께 만들고 새로운 사진문화를 탄생시킨 동료이기도 했다.사진 1] 앙리 카르티에 브레송, 생 라자르 역 뒤편, 1932앙리 카르티에-브레송은 이 사진을 찍기 위해 비온 후 생-라자르 역 뒤편 유럽 광장 어느 울타리 판자 틈 사이에 카메라를 올려놓고 오랫동안 기다렸다고 한다. 당시 물웅덩이를 건너뛰는 장면을 미리 알고 처음부터 계획적으로 촬영한 사진이며, 급히 셔터를 누르는 바람에 울타리 판자 끝부분이 파인더 왼쪽에 약간 들어왔기 때문에 완전한 화면구성을 위해 의도적으로 프레임 왼쪽 일부를 자른 화면이라는 것이다. 이 장면은 그 어떤 사진보다 특별한 기하학적 구성을 가지고 있다. 이 사진에 담긴 도형적인 완벽성은 그의 탁월한 시선 덕택이고, 놀라운 리듬감과 디테일의 풍요로움, 멋진 반사광, 직선과 곡선이 이루는 절묘한 연금술은 그의 직관에 상당 부분 의존한다.다양한 사진을 찍으면서도 그는 자신의 스타일을 유지했다. 여느 사진가와 달리 ‘뜻밖의 상황’에 집중하고 ‘의외성’을 선호했다. 다급한 움직임으로 인해 피사체가 약간 흔들리기는 했지만 사진 속에서 인물은 물 웅덩이에 빠지지 않고 영원히 공중에 떠 있을 수 있게 되었다.사진 2] 로버트 카파, 쓰러지는 병사, 1936 로버트 카파는 인간의 삶과 죽음을 극명하게 보여주는 전쟁터를 목숨 걸고 촬영하며 세계적인 전쟁사진을 많이 남겼다. 스페인 내전에서 총을 맞고 쓰러지는 자동차나 보도의 사람은 찾아볼 수 없다. 작가는 사진을 찍기 위해 도로 주변을 통제한 것일까?이 작품은 8시간의 장노출 기법으로 찍었다. 셔터를 8시간이나 열어놓으면 피사체인 사물은 움직이는 속도에 비례하여 사라지고 건물처럼 정지된 물체만 또렷하게 남는다. 살아 움직이는 모든 것은 유령처럼 사라져버리고, 우리는 그 움직이는 물체가 남겨 놓은 희미한 에너지의 흔적을 가까스로 걷잡을 수 있을 뿐이다.사진 5] 김아타, [온에어 프로젝트 110-1: 타임스퀘어, 뉴욕] 시리즈, 2005, C-Print4. 변화시간이 지남에 따라 상태의 변화를 일으키는 작품 몇 가지를 소개하고자 한다. 조소 작품도 오랜 시간이 지나면 빛과 공기, 습도 등의 영향을 받아 색이 변하거나 부피가 줄어드는 등의 변화가 생긴다. 하지만 의도적으로 단기간에 상태를 변화시켜 전시 기간 동안 변화하는 모습까지도 작품의 일부가 되게 한 작품들도 있다.사진 6] 이불, 화엄, 19971991년부터 시작한〈화엄〉연작을 통해 이불은 인체 이외의 몸을 재료로 사용하게 된다. 화려한 시퀸으로 장식한 생선을 비닐봉지에 담아 전시하여 그것이 썩어가는 과정과 냄새까지도 작품의 범주로 수용한 이 연작을 통해 그의 작업은 모든 생명체를 아우르면서 삶과 죽음의 문제로 확장된다. 생물과 인공물, 썩어가는 것과 영원히 반짝이는 것의 대비를 통해 강력한 바니타스(vanitas) 알레고리를 만들어낸 것이다. 여기서 사용된 시퀸은 싸구려 장신구를 만드는 가내수공업 재료로 여성들의 값싼 노동력을 환기하는 기호이기도 하다. 그것은 동물의썩어가는 살과 병치됨으로써 자연과 인공, 순간과 영원 등 철학적 대위법 위에 사회적 불평등 구조라는 지극히 현세적인 차원의 문제를 얹는다. 이 연작 중 하나는 1997년 모마에 전시되었다가 철거됨으로써 국제적인 논란의 대상이 되었는데, 이 사건은 역설적으로 그를 당대 미술 동향을 이끄는 주요 작가의 반열에 올려놓았다. 그는 생물의 부패 과정과 그 악취까지도 작품화하였으며 시간을 작품의 존재 양태로세요.

교육학| 2024.12.30| 18페이지| 5,000원| 조회(101)

미술, 교대, 미술감상, 미술교육, 미술재료, 교육대학교, 미술교육방법

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미술재료와 표현방법 연구_ [콩테]

미술재료와 표현방법 연구 - 콩테연필의 원조라고 할 수 있는 콩테는 원래 크레용 데 콩테(crayon de conte)라는 고형 물감의 한 종류로 프랑스의 화학자이자 화가였던 니콜라-자크 콩테(Nicola-Jacques Conte, 1765~1805)가 만들었다고 해서 창안자의 이름을 따 콩테라 부르고 있다.천연 백아(白亞), 석고, 활석, 흑연, 목탄, 적갈색의 천연 광석 등의 원료 광물을 극미립자로 만들어 고착 미디움을 가해 각봉이나 둥근 막대로 눌러서 만드는데, 고착성은 좋으나 납성분을 전혀 포함하지 않는 것이 특징이다. 경도와 모양이 파스텔과 유사하지만, 오일기가 있고 경도는 연필에서 목탄까지 여러 종이 있으나 주로 사용하는 것은 파스텔보다 조금 더 단단한 정도이다.농담이 풍부하여 예부터 하나의 회화 분야를 형성해왔다. 크레용과 같은 재질로 데생보다 크로키에 적당하며 연필보다 농도가 진하고 화면 부착력도 우수하다. 커다란 작업을 위한 습작 제작용으로도 많이 사용되어왔다.그림 1] 성 베드로에게 열쇠를 건네주는 그리스도 (Le Christ remettant les clefs a saint Pierre)산치오 라파엘로(Sanzio Raffaello), 1844년경, 22.1 x 35.4 cm, 루브르 박물관 소장종류와 색상전통적으로 천연 소재로부터 나온 자연색이 사용된다. 색의 종류로는 검정, 흰색, 암갈색(세피아 sepia), 밤색(상긴 sanguine) 네 가지이나 최근에는 다양한 색상으로 제작되고 있다. 형태 또한 일반적으로 짧은 사각기둥의 막대형으로 제작되었지만 최근에는 쥐기 불편한 점을 개선하여 연필형 콩테도 시중에 나와 있다. 흰색 콩테는 초크라고도 하는데 석회석에 물과 고착제를 섞어 만든 것으로서 목탄이나 콩테로 그린 그림의 밝은 부분을 강조할 때 많이 사용된다.기본 색상 스틱 콩테 연필형 콩테다색 스틱 콩테 검정, 상긴, 세피아, 흰색기법막대형을 부러뜨려 넓은 면을 활용하여 신속하게 드로잉 할 수 있고, 뾰족한 끝부분을 이용해 뚜렷한 선들을 표현할 수 있다. 종이에 누르는 정도를 달리하여 농도의 변화를 줄 수도 있다.넓은 면으로 칠하기, 끝부분으로 선 긋기, 넓은 면으로 선 긋기, 문지르기콩테는 부드러워서 천, 면봉이나 손가락, 찰필 등으로 문질러 번지기 효과를 낼 수 있으며, 지우개로 지울 수 있는 장점이 있다. 목탄보다는 가루가 덜 생기므로, 어떤 한 색상을 다른 색상 위에 겹쳐 칠하여 색상을 혼합할 수 있다. 따라서 밑에 칠한 색상들이 보이도록 할 수 있다.문지르기와 지우기 겹쳐 칠하기종이종이의 재질은 그 위에 그려진 그림의 성격에 직접적인 영향을 끼친다. 질감을 살릴 수 있는 다양한 종이를 활용할 수 있으며, 특히 색지염색종이를 활용하면 중간 바탕색으로 삼아 손쉽게 어두운 부분과 하이라이트를 강조할 수 있다.거친 종이 부드러운 종이카트리지 페이퍼(Cartridge paper) : 일반적인 용도로 널리 쓰이는 드로잉 종이이다. 품질이 좋지 않은 것은 가볍고 시간이 흐르면 누렇게 변색된다. 무게가 좀 더 무거운 것은 중성지로 용도가 보다 다양하다.브리스톨 페이퍼(Bristel paper) : 두 장 이상의 종이를 접합하여 두껍게 만든 것이다. 표면이 매끈하고 섬세한 선으로 이루어진 드로잉 작업이나 펜과 잉크를 사용하는 작업에 적합하다.앵그르지(Ingres paper) : 원망초지기(円網抄紙機)로 뜬 프랑스 산 특수용지로 발눈이 드러나고, 회색 또는 연한 다갈색인 것이 많다. 주로 회화용이며 앵그르가 애용하여 이 이름이 붙었다고 한다. 코팅 처리를 하지 않은 비압착 종이라서 자연적인 결이 많아 대담한 작업에 적합하다.그림 2] 얼굴 습작 9점 (Neuf etudes de tetes)장 앙투안 와토(Jean-Antoine Watteau), 18세기경, 27 x 42 cm, 프티팔레 미술관보조재료지우개 : 일반적으로 활용하는 미술용 지우개는 넓은 면의 명암을 조절할 때 활용할 수 있으며, 칼로 잘라 날카로운 부분을 이용해 좁은 면을 지우거나 하이라이트를 표현할 수 있다. 퍼티 지우개는 고무찰흙처럼 말랑말랑하여 형태를 자유롭게 만들어 활용할 수 있고 점성이 있어 작은 조각으로 나누기 쉽다. 섬세한 부분까지 지울 수 있어 하이라이트를 표현하는데 효과적이다.플라스틱 지우개 퍼티 지우개종이 스텀프 : 찰필, 혹은 토션(torchons)이라고도 불리며 촘촘하고 둥글게 말린 종이를 사용한다. 드로잉 재료를 종이 위에서 섞거나 번지기, 명암 표현을 할 수 있다. 굵기가 다양하며 연필처럼 뾰족하게 만든 부분을 넓게, 혹은 좁게 활용할 수 있고, 오염된 부분은 사포에 문질러 깨끗하게 만든 다음 활용할 수 있다.크레타 사 찰필사포 : 콩테는 연필보다 무르기 때문에 칼로 깎는 것은 부적합하므로 사포나 거친 종이 면에 문질러 원하는 굵기와 뾰족한 정도를 만들어 활용할 수 있다.

예체능| 2024.12.30| 8페이지| 3,000원| 조회(90)

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