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[서양음악사] 르네상스 음악에관한 특징 평가A좋아요

차례Ⅰ. 시대적 배경Ⅱ. 음악사적 흐름Ⅲ. 초기 르네상스1. 15세기 영국음악2. 독일의 음악3. 루터교의 음악4. 버간디 음악(Burgundian Music)5. 네덜란드 악파( Netherlands School)Ⅳ. 르네상스 절정기 16세기1. 역사적 배경2. 로마 카톨릭 교회의 음악3. 종교개혁의 음악4. 반종교개혁(Trinity 종교 회의) 이후의 흐름5. 르네상스시대의 세속음악6. 마드리갈(1) 영국의 마드리갈(2) 독일의 마드리갈7. 프랑스 샹송8. 16세기 기악곡Ⅴ. 후기르네상스르네상스에서 바로크로 - 16세기 중반 이후의 음악Ⅵ. 르네상스 음악의 특성Renaissance (1430-1600)르네상스 음악에 관한 특징Ⅰ. 시대적 배경재생이라는 뜻의 르네상스란 말은 일반적으로 문예부흥이라 번역된다 이것은 옛것, 특히 고대 그리스나 로마의 문예와 정신이 새롭게 되살아나 는 것 즉 인간 창의성의 부활을 뜻한다.르네상스 시대에는 인문주의(hamanism)라고 하는 지배적 지적 운동이 활발하여, 모든 것들이 인간 생활과 그 성취물들에 집중되고, 천상이나 지옥의 내세같은 것에는 관심을 갖지 않았다.사회상을 좀더 구체적으로 살펴보면 14C에 이르러 로마 교황의 중심세력이 쇠퇴하는 징조가 나타나고 봉건제도의 붕괴와 도시중심의 자본주의가 싹트기 시작했으며 도시생활이 발달된 시민 계급 사이에 봉건사회와 종교의 속박에서 해방되어 자유스런 정신활동은 회구하려는 풍조가 생겼다.이런 의식이 발전을 하면서 단지 학예에 그친 것이 아니라 정치, 사회, 종교, 그 밖의 혁명에까지 나아가고 14세기경부터 이탈리아의 휴머니즘 발달에 수반하여 생긴 복고적인 혁신운동은 “인간의 자유와 개성을 존중” 하게되었다.시대의 흐름에 따라 음악이 새로운 전환기를 맞이하게 되는데 13세기를 안전과 통일의 시대라 한다면 14세기는 변화와 다양성의 시대라고 한다. 음악의 세계에 새 공기를 도입함으로써 음악의 인간화를 지향하는 성향으로 등장하게되는데, 인문주의는 인간을 억제하고 억누르는 중세적인 정신을8년과 1627년 사이에 버어드의 '5성을 위한 시편, 소네트, 노래'(Psalms, Sonnets and Songs for five voices)에서 비롯하여, 힐톤(Hilton)의 '3성을 위한 에어, 또는 파-라' (Airs or Fa-Las for three voices)를 포함하는 40개가 넘는 마드리갈 수록집이 등장하였다. 그들 중에는 몰리의 수록집, '오리아나의 승리'(The Triumphs of Oriana)가 있는데, 이 제목과 배열은 이태리의 '도리의 승리' (Trionfo di Dori, 1592)를 거의 그대로 모방한 것이었다. 이 이태리의 수록집은 베니스의 숙녀에게 바쳐졌지만, '오리아나의 승리'는 엘리자베드여왕에 대한 충성을 나타내고자 출판된 것이었다. 이것은 23명의 작곡가들의 작품을 묶은 것이었다.2성부 노래에서 부터 복수 합창단을 위한 곡에 이르는 후기 이태리 마드리갈의 모든 다양한 형식과의 밀접한 관련성은 버어드, 몰리, 윌키스, 월비, 파아머(Farmer), 파아나비 (Farnaby), 이스트(East), 바트손(Bateson), 리치필드(Lichfield), 필킹톤(Pilkington), 톰킨스(Tomkins), 그리고 기본스(Gibbons)등의 작품들에 일관하여 변하지 않고 남아 있었다. 그리고 이것은 표현이 풍부한 서정적 마드리갈에서도, 방자한 칸쪼네타에서도, 쾌활하고 명랑한 발레(ballet)에서도 똑같이 적용되는 말이다. 이태리의 모델을 번역한 가사도 많았지만 개성적이고 고유한 시로 된 가사도 이에 못지 않게 많았다.존 던스타블이제부터 표면에 드러나는 발전의 역사는 위대한 예술가의 극으로 나타나는데, 이것은 15세기 초엽 영국에서 비롯되었다고 할 수 있으며, 존 던스터블(John Dunstable)이라는 이름과 결부된다.그의 제자 뱅쇼아(Binchois)가 이 맥박을 대륙으로 옮겨왔다. 그러나, 던스터블의 제자인 기욤 뒤파이 (Guillaume Dufay)가 당시 작곡가들 중에서 가장 위대한 명성을 얻게 된다. 그와 머물러 있던 복음주의 의식에 새로운 제식적 형태를 주었으며, 이 위대한 개혁자 자신의 시대에 벌써 회중이 참여할 기회를 부여받게 되었다. 미사, 아침 기도mattin, 저녁기도vesper 등에 할당된 부분 대신 회중에 모인 사람들은 이제 설교의 전과 후, 그리고 예배의 끝에 찬미가hymn를 불렀다. 이 찬미가는 가능한 모든 자원에서 유래된 것들이었다. 어떤 것은 그레고리안 성가에서 어떤 것은 개혁 이전의 종교적 민속노래에서, 또는 세속적 민속노래라는 새로운 자원에서도 서슴없이 채택되다.세속적인 영역에서 적용된 가장 주목될 만한 예로는, 칼빈파 교회에서 사용한 시편송plasm-tune으로써, 프랑스 샹송 선율을 구우디멜(Claude Goudimel)이 4성 화성으로 편곡하고 쾨니히스버그의 교수 로브바써(Ambrosius Lobwasser) 가 번역하여 독일 회중에게 소개한 것이었다(1533).이 선율의 귀중한 보고는 다양한 역사를 갖게 된다. 루터의 음악 조언자였던 요한 발터 (Johann Walther)의 '영적 노래책'(Geyestliche Gesangkbuchleyn, 1524), 그리고 다시 게오르그 로오(Georg Rhaw)의 '신 독일영가'(Newe deutsche geistliche Gesange), 그밖에 이보다는 덜 중요한 작품들에서 이 선율들은 당시 독일적 용법에 따라 주선율을 테너 성부에 두었고, 가정 예배와 훈련된 교회성가대의 연주에 모두 적용될 수 있도록 예술적으로 편곡되었다.그러나 당 세기 말엽에 이르러 주선율은 최상성으로 자리를 옮겼다. 예술가의 개인적 감각은 회중의 기도라는 상징적 행위 뒤에 그 모습을 감추었다. 코랄이 '푸가적으로 처리' fugweis componiert되어 있는 하슬러의 '시편'(Psalms : 앞에서 언급한바와 같이 1607년 소산)과 같은 것은 예외에 속한다. 코랄 자체는 손대지 않은 채 남겨두는 것-'단순한 편곡' simpliciter gesetzt-이 일반적인 규칙이었다.이러한 종류의 편곡에 있어서 작곡가들그가 손대는 모든 것에서 나타나는 우아함에서 이태리인이다. 100년 후의 랏수스(Lassus)와 함께 그는 음악에 있어서의 위대한 국제적 인물 중의 한사람이다.오케겜이들 3인, 던스터블, 뱅쇼아, 뒤파이는 보통 '제 1네덜란드 악파'라는 제하에 한데 묶인다. 이것이 가능하다면 우리는 또한 제 2네덜란드 악파도 인정해야 하는데, 여기에 속하는 일련의 작곡가들 중에는 아마도 뒤파이의 제자 중에서 가장 개성적이고 어느 면에서나 가장 상상력이 풍부한 요하네스 오케겜(Johannes Ockeghem)이 그 대표이리라.그는 빠리의 싸르르 VII세의 악사장maesto di cappella 이자목사였으며, 1495년에 생 마르땡 수도원(Abbey of St.Martin)의 회계주임으로 있던 뚜우르(Tours)에서 죽었다. 그는 미사의 위대한 대가이다. 우리는 모테트와 몇 개의 샹송 말고도 최소한 17개가 넘는 그의 미사곡을 갖고 있다. 그는 네덜란드 악파 특유의 장인정신을 보여주는 전형으로 간주 될 수 있는데, 이것은 여러 개의 다른 박자기호를 곡 머리에 제시하는 전제된 규칙(이것은 수수께끼 형식으로 자주 표현된다)에 따라 한 개의 선율로부터 발전하여 다성음악적으로 진행하는 것, 그리고 캐논스런 서법을 즐겨하는 것이었다-이런 기호는 생기있는 표현이나 선율적 기교의 풍부함보다는 구성의 기교를 앞세우는 것으로 볼 수 있겠다.이러한 종류의 장인성에서는 신비로운 기호와 목적이 일익을 담당할 것임이 틀림없다. 음악은 지적 체계가 되는데, 그 예로는 시종일관하여 캐논으로 되어있는 오케겜의 36성을 위한 '주께 감사'Deo gratias가 있다.오브레히트야곱 오브레히트는 제 3 네덜란드 악파의 가장 중요한 작곡가로서, 캄브라이(Cambrai), 브루게스(Bruges), 안트워프(Antwerp), 그리고 이태리에서 일했으며, 위에서 말한 구성의 예술은 그에 이르러서 남방의 영향으로 다소 덜 복잡해졌다.오브레히트는 선적 대위법(linear counterpoint)의 대표자로 출발하였지만, 주제 또는 동기를 수반해 소개되었다. 조스켕 데 프레의 모테트 《아베마리아 Ave Maria》에서는 가사의 한 행이 “mulieribus 여자들에게”라는 말로 끝나고, 새로운 행이 베이스 성부에서 새로운 주제를 수반하여 “et benedictus 그리고 축복받은...”의 말로 시작되는데 그것은 그 다음에 계속되는 성부에서 모방되었다. 여기에 제시된것처럼 성부가 겹치는 곳이 모테트에 뚜렸한 지속적 성격을 부여했다.야콥 한들 이 작곡한 모테트의 첫머리 부분에서는 “Ecce quo modo moritur 어찌하여 죽으시는지를 보라” 라는 가사를 가진 엄격한 화성진행 양식 chordal syyle에서 ‘justus 의인’의 ‘ji’라고 하는 음절상 리듬적으로 독립된 대위법에 의한 끝마침의 마디로 옮겨가고, 또다시 마침꼴을 완료하는 화성적 진행양식으로 되돌아 간다는 전형적인 이행 방법을 보여주고있다.전례용 이외의 형식라우다 lauda 라고 일컫는 종교적 찬미노래는 화성적 진행방식에 의한 소박한 폴리포니 악곡이었다. 가사는 라틴어일 때가 많고 그 밖의 경우는 이탈리아 어로 쓰여졌다3. 종교개혁의 음악종교 개혁(1517)과 그 영향1517년에 루터는 종교 개혁을 주도하면서 새로운 예배 의식에 합당한 음악을 확립하는 데에 힘썼다. 그는 신앙에 있어서의 음악의 가치를 중히 여겼고, 예배에서 회중이 노래를 듣는데에만 그치지 않고 함께 노래부를 수 있기를 희망하였다. 그는 음악이 신앙심과 신앙적 태도에 중요한 영향을 끼친다고 믿었기 때문에 일반 성도들이 부를 수 있는 노래를 제공하고자 하였다. 그러나 성가는 구교를 회고하게 할 뿐만 아니라, 일반인들이 노래부르기에는 적절하지 않았으므로, 루터와 그의 동료들은 성가와 일반적인 노래의 형태를 수용하여 새로운 형태의 찬송가를 만들었다. 처음에 단성으로 만들어졌던 노래는 화성이 부가됨으로써 4성부 합창곡, 즉 코랄(Choral)이 되었다. 이 코랄은 후에 대위법적인 편곡에 의해 오르간(organ)을 위한 코랄 전주곡을 탄생시켰다.① 독일않는다.

예체능| 2001.05.11| 25페이지| 1,000원| 조회(5,484)

서양음악사, 15세기, 르네상스 음악, 마드리갈, 16세기

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[다도와 예절] 다도정신과 차의 종류

1.다도와다례의차이점다도와 다례의 차이는 얼핏 보면 같아 보이지만, 그 질과 양에 있어서 엄연히 다르다.연구대상의 양에서 볼 때 다도는 그 폭이 광범위하며, 질에 있어서도 구도적인 색채가 짙다.한 마디로 '다도'란 차와 더불어 심신을 수련하여 다도의 멋에서 삶의 도리를 추구하는, 차에 관한 전반적인 수련의 길이다.반면에 '다례'란 차를 마심에 있어 이를 중점적으로 다루는 예절과 심신의 수련을 말한다.이러한 까닭에 다도학을 연구함에 있어서 다도정신, 차문학, 차역사를 비롯하여 산지의 작성과 기후, 차와 차학문과의 관계 등 광범한 연구와 더불어 다례가 핵심을 이룬다.그러나 다례는 그 양면에 있어서 다도의 핵심적인 부분에 속할 뿐이다.이를 불교에 비유한다면 마치 참선과 같은 존재이다. 참선은 불교의 핵심이지만, 그 자체가 불교는 아니다.다례란 예절을 갖추어 신명, 부처, 사람에게 차를 대접하는 것인데 행다할 때의 복장은 차를 우릴 때 편안하고 복장의 형식과 색채는 다구와 차를 마시는 환경과 잘 어울리는 것이 좋다.그리고 지나친 화장과 향수는 차맛을 감상하는데 영향을 주므로 하지 않거나 엷게 하여야 한다.머리카락은 가슴까지 늘어뜨리지 말고 단정하게 하고 두 손은 행다 동작의 가장 중요한 미감을 자아내므로 깨끗이 하고 반지나 시계 팔찌 같은 장식품은 착용하지 않는다.(긴 손톱이나 매니큐어는 절대 안됨)손동작은 자연스럽고 우아하고 아름다워야 하며 운율이 있는 동작으로 다례의 아름다움을 표현한다2.삼국다도정신에 대하여 기술하시오.한국의 다도정신은 고려시대에 와서도 정몽주(鄭夢周), 이규보(李奎報), 이행(李行) 등의 시 등에서 계속 이어져 그 정신적 발전을 만개하였다. 정상구의 『한국다문화학』에서는 고려시대의 다도정신이 본질적으로 和靜精神(화정정신)과 동질적인 것으로 파악하고 있다. 먼저 고려시대 이규보의 茶詩(다시) 중에서 다도정신을 잘 표현한 시를 감상해 보기로 하자.밤은 깊어 물시계 딩동할 때 그대에게 三語(삼어)와의 차이를 묻노니 말해 다오.나는 긴세월 정진했으나 형체를 잃고-- 이규보 --무너지듯 평상에 누으니 문득 형체를 잊고한 낮의 베개에 바람 불어오니 잠이 절로 깨누나-- 임춘 --나무의 이끼와 흰 납의 차림에 이미 형체를 잊고-- 이숭인 --이처럼 고려시대의 다시를 살펴 볼 때 자기의 형체를 잊고 자연에 합일되는 초월적 정신이 표현되었음을 이해하겠다.돌솥의 차는 비로소 끓고풍로불은 빨갛게 피었구나물불은 천지의 쓰임이니곧 이 뜻은 무궁하도다위 詩는 정몽주의 「역경일기」라는 茶詩인데 여기서 역리를 도입한 점이 눈에 띄인다. 『易經』의 설괘전에 따르면 감리의 괘는 물. 불이다. 그러므로 정몽주의 「역경읽기」에 보이는 감리는 천지를 뜻하는 건곤이라고 하겠다. 이 茶詩를 통해서 정몽주의 다도정신은 한 잔의 차를 마시며 천지의 정기를 느끼는 역리정신을 바탕으로 하고 있음을 간파할 수 있다.- 청허(淸虛). 사무사(思無邪). 청화(淸和). 중정(中正)다음 조선조 시대의 다도정신을 고찰해 보기로 하겠다. 조선시대의 다도정신은 西山대사의 茶詩와 한국의 茶神이라고 일컬어지는 초의선사의 동다송, 다신전 및 그의 다시 등에서 엿볼 수 있겠다.먼저 西山대사의 茶詩에서 그의 다도정신을 찾아 보기로 하겠다.西山대사는 중종 15년 (1520년) 3월 26일 안주에서 태어 나셨다. 속성은 최씨요, 호는 淸虛 또는 休諍(휴쟁) 자는 현응(玄應)이다. 묘향산 에 오래 계셨으므로 서산대사라 하였다.낮에는 차 한잔하고밤이 되면 잠한슴자네푸른산 흰 구름더불어 無生死를 말함이여이 시에 대해 「한국다문화학」에서는 인생의 사고 즉, 生. 老. 病. 死 따위를 초월한 서산대사의 인생관이 표현된 작품으로 보고 있다. 낮에는 차 한잔 하고 밤에는 잠 한슴자네 에는 이러한 대사의 초월적 인생관이 담겨져 있고, 푸른 산 흰 구름 하는 구절은 진리의 침묵, 대자연의 淸淨心 (청정심)淸虛(청허)한 法身(법신) 등을 엿볼 수 있으며 無生死를 말함이라는 無我의 경지에 이름을 말하고 있다.산골물 길어 낙엽으로 태워차 끓여 한잔 마시네밤에는 바위밑에 자니얼은 나는 용을 탄 황일환의 도움으로 죽음에서 구해져 강진으로 유배되었다.1805년 정순대비의 승하로 다산의 활동에 약간의 변화가 있어 늘 만나고 싶다고 전갈을 보낸 백련사(白蓮社)의 혜장(惠藏)을 만나러 갔다. 한나절을 보낸 그가 자신이 누구인지 알리지 않고 있었다. 다산선생이 돌아간 뒤 이 사실을 알게 된 혜장이 뒤쫓아 와서 그 밤을 지새우며 학문을 논하게 되었고 이후 혜장이 40세로 세상을 뜨기까지 6년동안 교유하였다. 혜장은 다산선생이 그렇게 좋아하는 차를 함께 마시고 정성껏 만든 차를 때에 따라 보내 주었다. 어느 해 겨울 를 지어 아암 혜장(惠藏)에게 보내었는데 그 내용은 아래와 같다.- 을축(1805) 겨울 아암선사에게 보냄 -나그네는 요즘 차만 탐식하는 사람이 되었으며 겸하여 약으로 마십니다. 글중의 묘함은 육우의 이요, 병든 몸은 누에인양 노동(盧仝)의 칠완(七椀)차를 들이키오. 비록 정력은 쇠퇴했으나 기모경의 말은 잊지 않았고 막힘을 풀고 흉터를 없애기 위해 이찬황의 차 마시는 버릇을 얻었소. 아침 햇살에 찻빛의 일어남은 맑은 하늘에 흰 구름이 일어남 같고, 낮잠에서 일어나 달이는 차는 밝은 달이 푸른 시내에 잔잔히 부서지는 듯하오. 차를 갈 때 일어나는 가루는 잔 구슬인지 백설인지 등잔불 아래서는 가리기 아득한데 자줏빛 어린 차순의 향기만 그윽하오. 활황와 신천은 산신께 바치는 백포의 맛과 같소. 꽃자기 홍옥의 차완은 노공에게 양보하고 돌솥의 푸른 연기의 담소함은 한비에게 가까웁네. 물 끓는 모습 게눈. 고기눈에 비기던 옛선비의 취미만을 부질없이 즐기고 용단. 봉단은 이미 바닥이 났소. 이에 채신의 병이 있어 애오라지 걸명(乞茗)의 정을 비는 바이오. 듣건데 고해를 건너는 가장 큰 시주는 명산의 고액을 뭉친 차를 몰래 보내 주시는 일이라 하오. 목마르게 바라는 뜻을 고려하사 베푸는 것을 잊지 마소서.위의 걸명소에는 차를 좋아하는 다산선생의 마음이 잘 표현되어 있다고 하겠다. 평소 차를 즐겨 마시고 또한 차에 관한 공부를 많이 하셔서 육우의 다경과 노동의 칠완 불렀다.헤치고 나타난 달이흰구름 쫓아 떠가는 어디에새파란 냇물속에 기랑의 모습 잠겼세라일오천(逸烏川) 조약돌이랑의 지나신 마음갓(際)을 쫓고자아 잦(栢)가지 높아서리 모를 화판(花判)이여삼국사기의 기록에서 밝혀진 바와 같이 차는 이미 선덕여왕 시대부터이다. 그러나 더 구체적으로 기록된 바에 의하면 흥덕왕 2년에 입당회사인 김대렴이 차나무 종자를 가져와 차씨를 화개동에 심었다 하여 점점 퍼지게 된 것이다. 경덕왕은 충담사를 궁중에까지 맞아서 차를 마신 기록이 있다. 왕은 「차의 기미가 신기하여 입안에 이상한 향기가 가득차다.」(茶之氣味異常中異香郁烈)고 하였다. 이것만 봐도 왕이 차를 얼마나 좋아 했는가를 알 수 있다.신라 화랑과 다도와의 관계는 고려 중엽의 문인 이곡의 기행문 동유기(東遊記)에서도 엿볼 수 있고 그의 다시 가운데에도 엿볼 수 있다.그의 다시 「강릉동헌의 운을 잇다.」(次江陵東軒韻) 또는 「한송정(寒松亭)」등에서 엿볼 수 있다. 뿐아니라 김극기의 화랑 「차부뚜막」을 읊은 시 등에서도 알 수 있다. 그리고 고려시대의 대학자 이규보(李奎報)의 「원효방(元曉房)」을 심방하고 원효와 사복(蛇福)간의 차생활 기록 등에서도 관계를 알 수 있다.그러면 화랑도정신은 무엇인가. 어떤 사람은 세속오계를 드나 이는 합당치 않으며 또 어떤 사람은 미덕을 들기도 하나 미덕이란 지나치게 개연적인 것이어서 이를 취하기에는 석연치 않다. 그럼 과연 화랑정신이란 무엇일까 ?이에 관해 최치원의 난랑비서(鸞郞碑序)에 다음과 같이 기록되어 있다.우리나라에 현묘한 도가 있으니 이를 이름하여 풍류라 이른다. 그 교의 기원은 선사에 자세하게 실려 있는데 실로 이는 삼교를 포함하여 중생을 교화했다. 그리하여 그들은 집에 들어오면 효도를 다하고, 나아가 나라에 충성하는 것은 노사구(魯司寇)의 뜻 그대로이며, 그 한없는 일을 당하여 말없는 교를 행하는 것은 주주사의 종지를 다함이며, 모든 악한 일을 하지 않고 착한 일을 행함은 축건태자의 교화 그대로다여기에서 보는 바와 같이 화랑도는 유.불 마신다.14. 사선이 차를 다 마시고 나면 찻잔을 거두어 가지고 나와 석조의 데워진 물에 씻어서 보관한다.15. 석조에 설거지하는 통이 함께 붙어 있는 것이 특징이다.일본은 차를 끓이고 나누고 마시는 것에서, 다른 나라의 어떤 문화에서도 볼 수 없는 탁월한 정신철학을 고양하여 왔다고 세계에 인식되어 있다. 여기에는 국가와 국민들의 끊임없는 노력이 컸다.일본은 차가 승려 중심의 양생 식품으로 인식되다가, 15세기에 부호상인과 무사들의 여가문화로 성하기 시작하여 예능음료로서 크게 발달하였다.이로 인해 국민정신이 고양되고 생활문화가 원숙해지는 기초가 마련되었다. 일본의 '茶'도 역시 '道'로 여겼는데, 그것은 개인의 道가 아니라 인간의 道라고 했으므로 일본의 다도도 역시 철학적 의미를 매우 중요시한다.일본의 다도는 불교사상이 바탕이 되었다.그것은 '화경청적(和敬淸寂)'의 화친사상'으로 나타났다.일본의 핵심적 다도정신이라고도 하는 와비사상은 무라다 쥬꼬우(1433-1502)로부터 센리큐(1522- 1591) 에 의해 완성된 것으로, 덜 완벽함이나 불완전함에 정신적 최고의 경지가 있다는 것이다.이는 귀족무사의 전투심과 호만함을 없애는데 목적이 있었다.그래서 일본 다도를 '와비의 종교'라고도 한다. 와비의 본래 뜻은 '사랑을 이루지 못하는 허전함' '은자의 생활감각', 수척함' 등에서 유래되어 '부족한 상태'를 이르는 말이다. 주꼬우는 와비를 아집과 욕망으로 사물의 깊은 경지에 빠져든 후 거기에서 벗어나 담박해지는 깨달음의 경지라고 했다.그는 "달님도 구름사이가 아니라면 싫습니다"라고 하여, 만족스럽게 보이지 않는 달을 아름답다고 예찬했다. 쥬꼬우는 이은 가께노 죠우오우(1502-1555)는 "정직하고 신중하며 교만하지 않은 것을 와비라고 했다" 고 했다.죠우오우를 이은 센리큐는 초라하고 작은 다실에서 느끼는 차분하고 한적한 멋을 구하는 것이 다도의 진수인 와비정신이라고 했다.다도의 와비사상은 다구의 아름다움을 평가하는 기준으로도 쓰였다.와비차에 어울리려면 '眞'의 상십니다.

자연과학| 2002.06.19| 23페이지| 1,000원| 조회(1,985)

차, 다도, 다례, 예법, 다도정신

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[클레식] 모짜르트 소나타분석 평가C아쉬워요

WOLFGANG AMADEUS MOZART(1756-1791)§ 소나타모차르트의 현존하는 독주 간반악기 작품으로는 18개의 소나타와 17세트의 변주곡 그리고 몇 편의 환상곡이 있다. 이들 작품들은 3악장 구성으로서 제1악장은 소나타 형식, 제2악장은 서정적인 아다지오(Adagio)나 안단테(Andante), 제3악장은 카덴차가 있는 경쾌한 론도 악장으로 이루어진다.1774~1775년에 잘츠부르크와 뮌헨에서 작곡된 피아노 소나타 K.279~284는 하이든과 C. P. E 바흐의 영향을 받은 작품으로 갈랑 양식이 뚜렷이 나타난다. 1777~1778년에 만하임에서 작곡된 K.309와 K.311은 기교적으로 대단히 어려운 곡으로 화려한 알레그로와 우아한 안단테 악장으로 되어 있다. 1778년에 파리에서 작곡된 K.310과 K330~333에는 널리 알려진 곡들이 많다. 특히 K.331은 유명한 이 포함된 인기있는 곡이다. 로 잘 알려진 프랑스의 동요 에 의한 변주곡인 K.265를 포함한 피아노 변주곡들도 1778년에 파리에서 작곡되었다. 연주곡들은 대부분이 학생들의 교육을 위해서 작곡되었다. 1788년에 빈에서 출판된 C단조 소나타 K.457과 K.475의 첫머리에는 '환상곡(Fantasia)'이라고 이름이 붙여져 있다. 이 작품들은 연속적으로 연주된 것 같고 이러한 작품의 예는 C. P. E 바흐에게서도 발견된다. K.457은 베토벤의 소나타에 영향은 미쳤다. 1789년에 작곡된 마지막 소나타 D장조(K.576)는 알베르티 베이스 대신에 다른 종류의 분산화음을 사용하고 있으며 1악장에는 대위법이, 3악장에는 장식적인 음형이 들어 있어 연주하기에 대단히 난해한 작품이다.Kochel Verzeichnis [쾨헬 페어차이히니스]쾨헬 번호. 루드 비히 폰 쾨헬에 의해서 만들어진 것으로 모차르트 전 작품의 연대순 목록에 붙여진 번호. 줄여서 K.V. 혹은 K.로 표시.K.331 Sonata in A for Keyboard 1781-83 Munich or ViennaK.332 rd Oct. 14, 1784 ViennaK.533 Allegro and Andante in F for Keyboard Jan. 3, 1788 ViennaK.547a Sonata in F for Keyboard ?Summer 1788 ?ViennaK.545 Sonata for Keyboard in C, "For Beginners" June 16, 1788 ViennaK.570 Sonata in B flat for Keyboard February 1789 ViennaK.576 Sonata in D for Keyboard July 1789 Vienna소나타 A장조(K. 331)「터어키 행진곡」이라는 통칭으로써 친근해져 있는 제3악장에 의하여 이 곡의 포퓰러리티가 살아나서 너무나도 유명해진 곡이라는 것을 덧붙일 필요가 없으리라. 그러나 소나타로서는 다소 변칙적인 구성을 가지며, 제1악장은 변주곡, 제2악장이 미뉴에트, 제3악장은 행진곡의 형태로 되어 있다. 파리에서 작곡된 5곡 중의 하나이다.제1악장의 변주 5의 느린 템포에 의한 변주에 다소 음악성이란 점에서의 테크닉이 요구되는 이외는 기술적으로 곤란한 데는 없다. 그래서 학습자들이 즐겨 치고 있는데, 동시에 이 포퓰러리티라고 하는 점도 있어서 대가에 의하여 리사이틀에 오르는 일도 드물지 않다.제1악장 주제와 변주 A장조, 제2악장 미뉴에트 A장조, 제3악장 변칙적인 론도 형식.1악장2악장3악장형식변주곡미뉴에트론도빠르기Ⅰ∼Ⅳ AndanteⅤ AdagioⅥ AllegroAllegretto조성A장조A장조,D장조c단조구분Var.Ⅰ∼ Var.Ⅵa b a c d e d c a b c` Coda구성Menuetto,TrioAlla Turca소나타 F장조 (K.332)규모도 크고 구성도 잘 짜여 있어서 전체적으로 묵직한 느낌으로 작곡되어 있는 이 곡은 1778년 여름에 파리에서 작곡되고, 1784년에 비인에서 K.330이나 K.331과 함께 출판되었다. 무엇보다도 피아니스틱한 점에서 역시 모차르트의 성장을 느끼게 한다. 학습자에F장조B♭장조F장조구분제시부제시부 발전부 재현부구성p-m.1∼11,p-m.1∼6소나타 B 장조 (K.333)모차르트의 '만하임=파리여행' 중에 작곡된 7곡 중 가장 마지막의 작품인 이 곡의 제 1악장 제 1주제는 크리스티안 바하의 G장조 소나타 (op.17-4)의 그것과 유사하다.1778년 여름 늦게 작곡된 것인데, 일설에 의하면 잘츠부르크로 돌아온 후인 1779년 봄까지의 시기라고도 한다. 어느 것이나 완벽한 형식성을 갖추고 있으며 주제의 전개, 화성의 색채적 변화에 의한 아름다움이 있어서 확실히 파리에의 여행에서 얻어진 수확이 분명히 나타나 있는 작품이다. 듣기에는 즐겁고 아름다운 것과는 달리 연주에는 어지간히 기교를 요구하는 곡으로, 치는 사람의 입장에서 말한다면 잘 치기가 어려운 작품이다. 다소 진도가 진척된 학습자에게는 알맞은 교재이다.제1악장 소나타 형식 B 장조, 제2악장 소나타 형식 E 장조,제 3악장 론도 소나타 형식 B 장조.1악장2악장3악장형식소나타 형식소나타 형식론도 소나타 형식빠르기AllegroAndante cantabileAllegretto grazioso조성B♭장조E♭장조B♭장조1악장구분제시부발전부재현부구성pm.1-11tm.12-23sm.24-31cm.59-64m.64-94pm.94-104t104-119sm.120-127cm.161-166환상곡 c 단조 (K.475)대부분의 모차르트 피아노 소나타 곡집에 이 환상곡과 K.457의 c 단조 소나타를 한데 묶듯이 나란히 놓고 있는데 환상곡은 1785년 5월 20일에 작곡되었고, 소나타는 이보다 반 년 앞인 1784년 11월 14일이다. 따라서 이 점에 관한 한, 이 두 곡을 한데 묶어야 할 하등의 필연성은 없는 것으로 생각된다. 다만 1785년에 모차르트가 비인의 아르타리아 출판사로부터 출판할 때에 현재에도 그대로 답습하고 있을 뿐이다.모차르트가 어째서 그렇게 했는가에 대해서는 여러 가지의 억측이 있는데, 분명한 근거가 될 만한 자료는 아무것도 남아있지 않다. 그러나 연주할 때에는 이 두곡과 소나타 사이에는 그 정서면에서 공통성이 있으며 그 자체로 완결하는 환상곡에 소나타를 연결함으로써 그것만으로는 얻어질 수 없는 넓이와 무게가 더해져서, 그것만으로는 다소 당돌한 감정적 표현으로 받아질 수도 있는 소나타의, 격렬하기까지 한 비극적 표현으로, 전체를 부여하게 되었던 것이다. 작곡의 시기로 보아 모차르트 자신도 이 두곡을 처음부터 묶으려고는 생각하지 않았던 듯한데, 출판 때에 그러한 형태로 보고 나간 것은, 틀림없이 모차르트 자신도 그러한 점에 착안한 것으로 상상된다.이 곡이 작곡된 1785년에는 모차르트는 이미 29세에 하고 있으며, 비인에서 독립하게 된 지 4년, 콘스탄쩨와 결혼한 지 3년이란 세월이 흐르고 있었다. 연주 활동의 면에서도 모두 완전히 성인의 영역에 도달한 음악가로서 기력이 넘치는 시기였을 뿐 아니라, 작곡가로서의 자신 있는 정도가 나타나 보여지는 바가 있었다. 이 환상곡과 이에 이어지는 소나타는 모두 테레제 폰트라츠네른 부인에게 헌정되었는데, 이 부인은 당시 모차르트의 피아노 제자였으며 개인적으로도 친하게 사귀어 오던 사이였다고 한다.전체는 크게 두 부분으로 나누어 생각할 수가 있으며 그 부분마다 속도 기호가 붙여져 있다. 즉 앞 부분은 Adagio 로서, 환상곡으로서의 뚜렷하게 특징을 지어 주는 첫 주제가 유니즌으로 시작한다. 두 번째는 Allegro 인데, 낮은 음의 옥타브의 움직임으로 시작하는데, 이것은 첫 주제의 정서를 이어받은 것이다.소나타 c단조(K.457)보통 위의 환상곡과 이 소나타를「소나타 제14번 a 및 b K. V. 475 및 K. V. 457」라고 쓰기 때문에 5에 7의 숫자가 뒤바뀌어 있어서 순간적으로 당황하게 된다. 환상곡의 쾨헬번호가 475이고, 이 소나타의 쾨헬번호가 457인 것은 우연한 일치에 불과하다.1784년 11월 14일에 완성되어「환상곡」과 마찬가지로 트라츠네른 부인에게 헌정되었다.제1악장 소나타 형식 c단조. 제2악장 론도 형식 E 장조. 제3악장 변칙적인 론도 소나타 형식 c단조.1악장9-131sm.132-139cm.155-168m.169-186소나타 F장조(K.533 및 K.494)이 소나타의 제1, 제2 악장의 쾨헬번호가 K.533이고, 제3악장의 쾨헬번호가 K.494이므로 한 소나타에 2개의 쾨헬번호가 붙었다. 전자가 1788번 1월 3일, 후자가 그 2년 앞인 1786년 6월 10일의 작곡인데, c단조의「환상곡」과 소나타의 경우와 같이 1790년에 비인에서 출판되었을 때에 하나의 소나타로서 묶었기 때문에 현재도 그 형태가 답습되고 있다. 그러나, 사람에 따라서는「알레그로와 안단테」 및 「론도」와 같이 별개의 것으로 다루는 경우도 많다.이 소나타의 처음 2개의 악장을 작곡한 1788년은, 여름에 3개의 교향곡(제39, 40, 41번)을 단시일내에 작곡했다는 것으로 기억되는 해이기도 하다. 전년 1787년 가을에는「돈 지오반니」를 작곡했고, 제3악장의 론도를 작곡한 1786년에는「피가로의 결혼」을 작곡했다. 또 피아노곡으로는 86년에 피아노 협주곡 제23, 24번, 1788년에는 이 소나타에 이어 2월에「대관식」이라 불리는 협주곡, 6월에 C장조에 이어 소나타(K. Anh. 135 및 138a)를 작곡하였다.그리고, 유명한 b 단조의「아다지오」도 이 해의 3월의 작품이다. 이 소나타에서 느낄 수 있는 무엇인가 솔직한 태도도 사실은 그러한 일련의 작곡활동을 거쳐 그가 나타내려고 골몰한 창작 의욕에서 생겨난 것이리라.제1악장 소나타 형식 F장조. 제2악장 소나타 형식 B 장조, 제3악장 론도 F장조.1악장2악장3악장(K.494)형식소나타형식소나타형식론도조성F장조B♭장조F장조빠르기AllegroAndanteAllegretto1악장구분제시부발전부재현부Coda구성pm.1-8tm.9-66sm.67-70cm.71-103c 단조m.103-146pm.147-154tm.155-193sm.194-196cm.197-225m.226-239소나타 C장조(K.545)이 소나타의 제1악장의 주요 주제는 너무나도 용맹하여 포퓰러 음악세계에서도 여러 가지로 편곡하여 사용

예체능| 2002.06.19| 6페이지| 1,000원| 조회(6,956)

모짜르트, 소나타, 작품분석, 음악분석, 1악장

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스트라빈스키 평가B괜찮아요

스트라빈스키더 근래에 와서 이고르 스트라빈스키 (Igor stravinsky)는 과거와 모든 전통으로부터 해방된 새로운 오페라의 기초를 확립하였다. 그의 '오이디푸스 왕'(Edipus Rex)은 라틴어 가사에 의한 것으로서, 오히려 양식화된 오라토리오 즉에 가깝다. 다른 작곡가들은 오페라를 신비적인 극으로, 카바레의 여흥으로, 심지어는 정치적 선동의 기회로 취급하여, 지금까지 사회적으로 독보적 기능을 갖던 것을 거리의 소음에 맡겨버리는 결과를 야기시켰다.음악의 여러 분야 중에서 유독 오페라만이 과거의 위대한 유산을 이어 받는데 완전히 실패한 분야일 수 없다. 가장 탁월한 사람들도 과거의 전통의 극히 작은 부분과 씨름할 수 있을 뿐이다.신고전주의 음악후기 낭만주의의 주정성(主情性), 표제성(標題性)에 대한 반역으로서 생긴 작곡 경향의 하나로서, 제1차 세계대전 후 주로 부조니에 의해 제창되고 체제가 세워졌다. 음악에 있어서는 음의 길이나 간격, 음악에 대한 엄격한 객관적 태도를 중시하며, 그 때문에 바로크 혹은 그 이전의 대위법적 수법을 존중하였으며 프랑스에서 는 라는 동향을 보였다.1. 스트라빈스키(I. F. Stravinsky : 1882∼1971, 러시아 미국): 현대 음악의 최고 거장으로 현대 음악을 반석위에 올려놓은 위대한 음악가이며 강렬한 리듬과 원색적인 음을 사용하여 원시주의적인 경향을 보였다. 후기에는 신고전주의적 경향으로 돌아갔다.〔작품〕발레 음악 : '불새', '봄의 제전', '병사 의 이야기' 등{스트라빈스키Stravinsky, Igor Fyodorovich 1882~1971러시아 태생 미국의 작곡가.페테르스부르크 마린스키극장의 유명한 베이스 가수였던 아버지로부터 음악적 재능을 이어받아 일찍부터 음악과 친숙하였다. 9세 때 피아노를 배우는 동시에 화성법과 대위법을 공부하였다. 양친의 권유로 관리가 되기 위하여 페테르스부르크의 법학과를 입학하였으나, 림스키-코르사코프의 아들과 같이 공부하면서 림스키-코르사코프에게 1903년 그의 지도하에 피아적인 민화를 제재로 사용하여 작곡한 《봄의 제전》은 그의 최대의 걸작으로 샹젤리제극장에서 초연되었으며, 찬부양론의 격렬한 스캔들을 불러 일으켰다. 1917년 러시아혁명으로 고국으로 돌아갈 수 없게 되자, 스위스 각지를 전전하며 궁핍한 생활을 하면서도 《여우》《병사의 이야기》 등을 작곡하여 신고전주의의 작풍을 준비하였다. 1921~39년의 약 20년간 프랑스에 거주하면서 중기 신고전주의적 작품을 작곡하였으며, 1934년 프랑스 국적을 취득하고, 1940년 W.누벨의 협력으로 《나의 생애와 연대기》를 집필하였다. 1939년 제2차세계대전이 발발하자 미국으로 건너가 하버드대학에서 강의를 맡고, 1945년 미국국적을 취득하게 되었다. 1951년 쇤베르크 사후 12음기법에 관심을 갖고, 만년에는 시어리얼(serial)한 작곡기법에 의한 종교음악 작곡에 전념하여 《칸티쿰 사크룸》《설교, 설화 및 기도》《레퀴엠 칸티클스》 등의 작품을 남기고 1971년 뉴욕에서 세상을 떠나, 생전에 그가 사랑하여 《칸티쿰 사크룸》을 헌정하였던 베네치아에 묻혔다.그는 생애를 통하여 110곡의 작품과 15곡의 편곡을 남기고 있는데, 메시앙은 그를 라고 평하고 있다. 그의 작품시대는 다음의 4시대로 구분된다.습작시기: 림스키-코르사코프에게 베토벤을 위시하여 바그너, 드뷔시의 까지의 음악을 습득하던 시기러시아 발레단 시기: 《불새》를 위시하여 창작활동이 왕성했던 시기로 러시아 민화, 민요, 대편성의 관현악, 복조, 복잡한 리듬을 사용했던 시기신고전주의 시기: 《풀치넬라》를 위시하여 하이든이나 베토벤 등 고전주의 시대의 음악적 사고를 존중하고, 재즈의 어법등에 의해서 새로운 색채가 가미된 시기시어리얼(Serial)한 종교음악 시기: 칸타타부터 《레퀴엠 칸티클스》까지 엄격하고 Serial한 서법에 의해서 종교적 제재에 바탕을 둔 시기이상의 4기의 변천에 의해서 스트라빈스키는 19세기의 낭만주의에서 미지의 새로운 음악의 영토를 개척하여 불레즈, 슈토크하우젠 등 전후파 작곡가들에게 지대한 영향을 주로운 즉흥연주에 몰두해 선생의 꾸지람을 자주 들었다고 한다. 차이코프스키, 림스키-코르사코프, 그라즈노프 등의 작품을 알게 되면서 그는 장차 음악가가 되리라는 꿈을 굳혀갔다.양친은 생활 쪽을 더 생각해 아들을 페테르부르크의 법과에 보냈다. 법률공부에는 조금도 관심이 없었던 그가 그 곳에서 얻은 유일한 소득이라면 림스키-코로사코프의 아들인 블라디미르를 만난 것이었다.블라디미르를 통해 그는 독일의 하이델베르크에서 림스키-코르사코프를 처음으로 만났다.림스키-코르사코프의 충고로 법률 공부는 계속하면서 그는 개인적으로 림스키-코르사코프에게 작곡법, 관현악법 등을 배웠다.청장년기 스트라빈스키의 주무대는 파리였다. 러시아 태생이면서도 그는 모국에서 일어난 혁명이나 낭만적 정열 따위에는 하등의 관심도 없는, 문자 그대로 객관주의자였다. 제2차 세계대전이 발발하자 국제인 스트라빈스키는 전쟁의 번거로움을 피해 1940년 미국으로 건너가 비버리힐즈에 호화주택을 마련하고 창작에 열중했다. 마침내 그는 현대 작곡가 중에 미국에서 가장 작품 상연회수가 많은 작곡가가 되었다. 그가 부와 명예 속에 89세의 생을 마감한 것은 1971년 뉴욕에서였다. 현재는 그에 대한 공과를 논할 때 현대 음악을 구축한 최초의 공로자이자 지도자의 한사람으로 인정하는 것이 사실이다. 그를 빼고 현대의 음악을 논할 수 없으며 강렬한 그의 개성이 미친 영향은 오늘날 모든 나라의 진보적인 작곡가들에게 이르고 있다.피아노 음악스트라빈스키의 예리하고 신랄한 스타일과 리듬의 독창성은 그를 가장 영향력있는 금세기 작곡가의 한사람으로 만들었다. 50세 미만의 작곡가로서 자신의 스탕일적 특성을 어느 정도 이 러시아 음악가에게서 힘입지 않은 사람은 거의 없다.전체적으로 볼 대 그의 피아노 작품은 다른 작품만큼 중요하지 않다. 그의 수법은 관현악적이며, 바로 이 매체에서 그는 가장 매력적이다. 그외의 대규모 피아노 작품은 설득력이 없다.{{스트라빈스키(Igor Stravinsky)1882 6.5 피터스버그 근교의 오라니엔바움 러시아 민요)속에 자라났다. 파리에서 러시아 발레를 자주 공연한 디아길레프를 위해 초기의 3개의 발레작품을 썼다.->불새(초연:파리1910) 포킨 대본, 이 곡으로부터 3개의 모음곡을 만듦.(1911/19/45)->페트루슈카(파리 1911) 브느와, 스트라빈스키의 대본. 이곡으로부터 피아노를 위한 3개의 악곡(페트루스카)이 나옴. 이곡의 러시아 무용은 사랑에 빠지고 질투를 하고 죽어가는 꼭두각시 인형에 관한것이다. 이곡은 혼합적 요소를 보이며, 선법이 복헙적으로 병존하고, 음폭과 화성적 강도(7도)가 증가하며, 반낭만주의적인 짧은 장식적 선율 부분과 강한 리듬을 가졌다.->봄의 제전(파리 1913) 기독교 이정의 러시아 시대에 관한 내용. 스트라빈스키, 뢰리히의 대본. I-땅의 경배, II-제물,야만적 제사, 거치른 음악, 과도하게 몰아부치는 리듬(피날레;제사적 무용). 이 곡은 파리에서 큰 파문을 일으킨다. 스트라빈스키는 "젊은 야만인"(드뷔시)으로 통함.신고전주의적 시기 (1920~50) 이미 썼던 음악적 요소들을(병사) 사용했고, 나중에까지도 러시아적 요소들을 사용했다. 그런 가운데서도 바로크 음악으로 되돌아간 것은 음악사를 긍정한 것에 다름없다(풀리넬라, 노래를 포함하는 발레, 페레골레지를 본딴음악, 초연:파리 1920,피카소의 무대장치, 디아길레프의 조언으로 작곡됨.) 스트라빈스키는 바로크적 음악을 수용하지만(모든것이 페르골레지의 것이 아님), 첨가, 변주, 음색, 리듬을 통해 자신의 것으로 만든다.오페라 마브라(1922 대본:푸쉬킨)는 글룩, 모짜르트, 베르디, 구노 등의 음악으로부터 양식상의 영향을 받는다. 스트라빈스키는 신고전주의로의 반향전환을 하면서 그 이유로 자신의 반 표현미학과 거의 고전주의적 미의 이상에 가까운 절대음악 형식을 거론한다. 그에 따르면 작곡이란 질서를 창조는 것이며, "예술이 조절, 제한, 가곡되면 될수록 그만큼 더 자유로워진다."(시학). 그 이면에는 바그너의 종합예술작품과 낭만주의 음악들이 쏟아내는 과다한 양의 소리와 음71) 스트라빈스키는 만년에 그의 라이벌이었던 쇤베르크의 음력기법과 음렬적 사고에 눈을 돌린다. 마쇼의 동직서 리듬적 구조에 관해서는 이미 간심을 보였었다(미사). 그의 첫번째 음열음악 작품은 칸타타(1952)이다. 그 이후 거룩한 노래, 아곤, 트레니, 피아노와 오케스트라를 위한 무브먼트, 설교 낭송 기도, 홍수, 레퀴엠 노래. 후기작품은 정신적 절제와 집중성이 두드러진다.(적은 수의 재료)1."신고전주의"는 대략 1920년부터 1950년 사이에 나타난 새로운 경향의 음악으로 낭만시대 이전의 음악양식을 다양한 방법으로 재수용하는 작곡 경향을 일컫는다. 이 경향은 (후기)낭만주의, 인상주의, 표현주의 등에 대한 반작용으로서 이해할 수도 있다. 신고전주의의 대표적 작곡가로는 스트라빈스키, 힌데미트, 카젤라, 그리고 불란서 6인조를 꼽을 수 있지만, 넓은 의미로는 20년대 이후 쇤베르크의 작품도 18세기의 음악장르나 형식에 의존한다는 면에서 신고전주의에 속한다(무조적 신고전주의)."신고전주의"음악은 대부분 조성을 바탕으로 하며, 낭만시대 이전의 음악적 형식, 장르, 연주형태 등에 새롭게 접목한다. 무엇보다도 바로크 시대의 음악장르인 푸가와 현악협주곡의 리토르넬로 형식은 초기 신고전주의 음악에 많은 영향을 주었다. 더 나아가 낭만주의의 형이상학적 미학과 표현양식에 대한 반작용으로서, 고전주의적 미의 이상인 "절대음악 형식"(스트라빈스키)의 추구, 그리고 바로크 양식에서 찾아 볼 수 있는 "구조적"이고 "연주중심적"인 음악재료의 사용 등이 "신고전주의"의 주요 특징이다.신고전주의의 시작은 정확하게 규정하기 어려우나 이 양식의 특징은 이미 프로코피에프의 "고전교향곡"(Symphonie classique l/1912-17), R. 스트라우스의 "낙소스성의 아리아드네"(Ariadne auf Naxos/1912-16) 그리고 사티의 여러 작품에서 찾아볼 수 있다. 그러나 신고전주의 양식은 스트라빈스키의 발레음악 "풀치넬라"(Pulcinella/1920)를 통해서 20세기의 .

예체능| 2001.07.11| 4페이지| 1,000원| 조회(700)

신고전주의, 서양음악사, 작곡가, 스트라빈스키, 피아노

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바로크시대의 바흐와헨델의 음악 비교분석 평가A+최고예요

바흐와 헨델의 교회음악 비교 분석바로크 초기의 역사적 배경과 종교음악 ---2바흐의 종교음악의 특징 ----------------4주요작품 -----------------------------7작품분석 -----------------------------7헨델의 종교음악의 특징 ----------------13주요작품 -----------------------------15작품분석 -----------------------------15바흐와 헨델의 교회음악 비교분석 -------18바로크 초기의 역사적 배경과 종교음악바로크 음악 양식 및 배경바로크 음악은 1600년경에 시작되어 1750년 바흐의 죽음에 이르는 약 150년 동안의 음악에 적용되는데, 17세기에서 18세기 중엽에 이르는 시대를 음악사에서는 바로크(baroque)시대라고 부른다. 그것은 그 시대의 그림과 건축에서 엿볼 수 있듯이 풍부하고 고도로 장식적인 처리방법을 특징으로 한 것이다. 그러나 바로크(baroque)라는 용어는 당시에 보석으로 많이 쓰인 를 뜻하는 포루투칼어의 "barroco"에서 유래된 것으로서, 처음에는 균형감과 형식미를 존중하는 르네상스 미술에 대립된다고 보고 가치를 저하시키는 의미로 쓰여졌었다.1600년 ~ 1750년의 기간은 르네상스의 뒤를 이어서 시민문화의 시대로 접어든 변화와 모험의 시대였으며, 유럽 각지에서는 근대 민주국가의 사조가 예기되면서부터 전제군주제가 강화되었고 , 종교개혁과 반종교개혁의 상충되는 조류사이에서 개인주의 관념이 촉진된 시기였다.18세기 초기의 독일은 많은 왕후령으로 된 연방조직이었다. 신성로마황제인 오스트리아 국왕의 통치 아래에 있었지만 실질적으로는 각 왕후가 독립하여 영지를 지배하였으며 모든 궁정은 예배당을 가지고 있어서 궁정의 교제오락으로 악단이 있고 가극장 같은 것도 있어서 음악은 왕후의 궁정을 중심으로 하여 발달하였다. 그런데 부유한 평민계급이 일어남에 따라 교회에도 민중의 세력이 가해지게 되었고 민중을 위한 음악이라든가 연주회와 오페라와 개인주의는 음악 작곡을 포함한 모든 활동에까지 뿌리를 내리고 있었다. 모든 형식의 예술은 군주나 교회에 의해 강요되는 인습적인 태도를 반영하는 대신, 세속에 대한 예술가의 개인적인 느낌을 표현하기 시작하였다. 그 중에서도 바흐(Johann Sebastian Bach, 1685-1750)와 헨델(Georg Fredrich Haendel, 1685-1759)은 개신교 정신에 기초를 두고 최상의 음악적 업적을 남겼는데, 종교개혁의 대담한 찬송의 선율들은 바흐의 심오한 정신적 예술관을 확충시켰으며, 헨델의 오라토리오들은 바로크시대의 윤리적 관념을 반영하고 있는 것이다.바흐와 헨델의 음악은 단지 형식미에만 그치는 것이 아니라 당시 사상의 기간이라고 할 만한 합리주의, 이상주의적인 사상표현의 음악적 면에서 일익을 담당해 성과를 보여주었으며 과학과 철학에 입각한 미적 이념을 추구하여 이것을 조직적으로 형식과 내용에 알맞게 나타내었다.바흐의 종교음악과 특징요한 세바스찬 바흐 - Johann Sebastisn Bach [1685-1750]바흐의 칸타타에는 종교적이고 세속적인 모든 것이 담겨 있다. 그곳에는 단성, 또는 다성을 위한 간단한 지속음 continuo에서 부터, 여러 악기군의 반주에 의한 장대한 이태리적 아리아와 아리오소, 레시타티브가 있다. 화성음악적 합창 모테트가 있는가 하면 푸가적 합창 모테트가 있고, 합창과 독창들이 끊임없이 교대되는 합주 형식의 합창 악장들이 있다. 코랄 선율의 처리는 가장 평이한 것으로는 4성부 화성으로 부터 시작하여 무한한 가능성을 보여준다.바흐의 다양성서곡들의 관현악은 최초기의 가브리엘리에 이르기까지, 그리고 근대의 협주곡 형식까지를 대표한다. 가장 위대했던 바흐는, 이 모든 것들을, 바흐의 그리고 바흐만의 정신과 선율의 용광로 속에서 지고의 통일성으로 융화시켜, 그의 선배들의 끈덕진 연구를 통하여 성악적 요소와 기악적 요소를 균형지어 보려고 애썼던 양식의 문제를 완벽하게 해소하였다.그는 클라비어 음악과 모테트, 칸타타의 분야에서 출발을 추상적인 신학을 통해서가 아니라 비길데 없이 생생한 음악적 상상력이라는 상징적 수단을 통해서 열정적 표현을 얻었다.바흐의 칸타타들은 진정 음악의 영원한 성경biblia pauperum이었다. 또한 그가 어떤 사람 보다도 더욱 기쁨에 차고 넘쳤던가는 셀수 없이 많은 지면에 나타나는 그의 기악음악에서 보여준다. 그러나 그의 본질의 깊은 곳은 인간의 종말의 신비와 영혼의 속죄에 대한 갈망으로 가득 채워져 있었다. 육체의 파멸과 영혼의 영생이라는데 생각이 미치면, 그는 신비로운 환희에 사로 잡혔던 것이다.세계가 바흐만이 갖고 있는 음악적 상상력을 바르게 이해하기 시작한 것은 최근의 일이다. 그의 통찰력은 너무 투철하여서 아버지이신 하나님, 속죄자요 승리자이며 주님으로서의 그리스도, 유혹자요 뱀이요 마왕으로서의 악마 등에 관한 그 자신의 관념을 음악적 주제로서 우리에게 틀림없이 말해 준다.그의 음악의 상징성이 기본적으로 가사에 의존하였던 것도 아니다. 그의 코랄 푸가나 모테트의 주제들이 신비스럽도록 무한하고 활달한 정신이 압축된 대리석이라 한다면, 그의 레시타티브는 언어의 정확한 리듬에 근거한 자유로운 표현과 풍부한 음악, 힘찬 형식이 누구도 따를 수 없게 결합된 모습이다. 그것은 하나의 전체이지, 그에 대한 보완이 아니다. 바흐의 아리아로 말할 것 같으면, 그것은 기념비적인 존재로서 열정적 사념으로 가득차 있고 더할나위 없는 유연성을 갖고 있다.다성음악 작곡가 중 가장 주관적이고 개인적이었던 그는, 당대의 어느 칸타타 작곡가들보다 더욱 강렬하게 작품의 중심이 되는 위치에 코랄이 마땅히 차지할 권리를 알았던 것이다.코랄의 사용우리에게 전해 내려온 200개의 칸타타 중에서 코랄을 갖고 있지 않은 것은 하나도 없다. 어떤 다른 형식을 취하지 않더라도, 최소한 놀라운 표현적 화성을 갖는 단순한 결말로써, 그것이 그 사회의 이상을 대표하는 가장 집중된 형식으로서의 위치를 가질 수 있도록 사용되었다.분명히 가장 자유스러운 구조를 가진 악장에도 찬미가(hymn)의 상징적인 윤 방법으로 하나의 극치를 이루면서도, 어느 두 개의 푸가도 형식에 있어서 같지 않다. 정신적 내용에 있어서 최고로 압축된 위의 예술들이 긴 생명을 누릴 수 있다고 한다면, 그의 인벤션(invention), 신포니아(sinfonia), 그리고 '48곡'의 프렐류드와 푸가들은 영원한 삶을 누린다. 최후 단계의 작품들, '음악의 봉헌'(Musical Offering)과 '푸가의 기술'(The Art of Fugue)은 괴테의 말대로 "아무런 선입관 없이 솔직히 대할 수 있는 예술의 최고 작품들, 그들은 감각적으로는 근사치에 가까운 기쁨만을 줄 수 있고, 또 그 기쁨만은 틀림없이 주는 하나의 이상이다. 그것은 미학적인 명령들이다" 바흐는 모든 세대에 모든 사람들이 항상 새로운 이해를 찾아내야 하는 그러한 몇 몇 대가들 중 하나이다.주요작품종교적 성악 작품, 200여곡이 넘는 교회 칸타타세속 칸타타 20여곡 수난곡(요한수난곡 1723년)과 (마태수난곡 1729년)오라토리오(크리스마스 오라토리오 1734년)와 (부활제 오라토리오 1735년)미사(대 미사 b단조)등 5곡모테트 motet 7곡코랄 (마니피카트)D장조 등 250여곡작품분석"Die Kunst der Fuge" 중의 푸가, Contrapunctus Ⅲ바흐는 일생을 통해 푸가서법의 문제에 오랜동안 관심을 가졌고으며 이 양식에 있어 시대를 초월한 대가였으며 이러한 푸가에 대한 관심은 "Die Kunst der Fuge"(푸가의 서법)으로 알려진 동일 주제에 의한 19개의 푸가와 캐논 곡집으로 절정에 달하였다. 그의 죽음으로 인해 미완성으로 남겨진 이 곡집에서는 하나의 주제가 여러 가지 특이한 푸가 양식으로 사용되어 기교적인 완숙함과 무궁무진한 음악적 상상력이 어디에 비할 바 없음을 증명하고 있다. 원 악보는 각 성부가 별도로 보표에 총보로서 나타나기 때문에 이 작품이 착상했던 연주 수단(악기)을 지칭하지 않았지만 작품의 내부를 잘 살피면 건반악기를 위한 것임을 분명히 알 수 있다. "푸가의 기법"에 있는 모든 푸가와 독주 주자가 쉽게 분간하기 어려운 곳에서는 손의 배치에 대한 지시를 하였다.헨델의 종교음악과 특징게오르그 프리드리히, 헨델 - Georg Friedrich, Handel [1685-1759]바흐와 마찬가지로 그는 일찍 성숙하였다. 그러나 바흐가 자기 마음을 살찌우기 위해서 필요한 만큼의 여행을 하고-가장 멀리는 함부르크까지-이 여행들을 통하여 그의 예술을 배우고는 자신에게로 다시 후퇴하였던 데 반하여, 헨델은 음악가로서, 그리고 한 남자로서 스스로의 자유와 인간적인 폭을 계속 성장시킬 욕구를 느꼈다.그의 행선지는 처음에는 함부르크, 다음엔 이태리 -여기서 그는 그의 완강한 독일인으로서의 음악성을 순수하고 진정한 고전적 선율의 악파를 향해 열어 놓았다 -그리고 끝으로 영국이었다. 이곳들은 영웅적 생애가 걸어 올라가는 긴 행로의 정거장 역할을 하였다. 그리고 그의 기악 작품들, 장대한 방식의 교회 음악들, 그리고 오페라들 -그는 런던을 위해서 약 30개의 이태리 오페라를 썼다-에서 보여주는 그의 예외적인 다산성은 그 자신의 특수한창작인 오라토리오를 위한 예비학교였다.오라토리오오라토리오가 헨델의 강력한 손아귀에 쥐어질 때까지, 그것은 이미 오랜 흥미로운 역사를 가져 왔다. 본래의 개념으로 보면, 그것은 로마의 반종교개혁자들이 교회의 헌신적 목적을 위해 채용하여, 세속예술의 유혹하는 미끼에 대항하여 예술을 예술로서 격파하기 위한 수단이었다.그것은 이태리어를 사용할 수도 있었고, 또는 보다 엄숙한 어조의 라틴어를 사용할 수도 있었지만, 어느 경우에 있어서나 그것은 16세기와 17세기에 유행하던 세속음악의 모든 형식을 취하였다-시대순으로 이것들은 빌라넬라, 칸쪼네타, 마드리갈, 그리고 크고 작은 규모의 독창 칸타타, 또는 합창 칸타타들이었다.그것이 택한 제재들은, 여러 세대를 걸친 신비연극에서 계승받은 것으로써, 구약과 신약 성서의 갖가지 일화와 이야기들, 그리고 성자들의 전설들이었다. 이런 제재들은 교훈적 설교를 갖는 두 부분의 골격 속에 짝맞추어졌으며, 그 연결구는.

예체능| 2001.06.11| 19페이지| 1,500원| 조회(3,374)

바로크, 교회음악, 서양음악사, 헨델, 바흐

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