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이상섭 문학비평용어사전 요약정리

각운(脚韻),rhyme: 시의 두 줄 또는 그 이상이 같은 소리로 조직 되어 있는 것을 말한다.주로 정형시에 쓰이며 형식이 자유로운 시에도 간혹 쓰이기도 한다.특별한 의미의 표현이나 소리의 효과를 내기 위해 시의 일정한 부분에서만 쓰이기도 한다.세계적으로는 각운을 쓰지 않은 언어가 더 많다.고대 그리스,헤브라이 문학,한국문학은 각운을 쓰지 않았다.유럽에서는 중세 라틴 문학에서 쓰이다가 프랑스어,이탈리어등 남유럽의 방언에서 확대되어 영어,독일어 등 유럽 전역에 파급 되었다.중국과 페르시아도 각운을 썼다.중국의 한시의 각운에서 쓰일수 있는 글자는 듣기에 부드러운 소리(;평성平聲)이어야 한다.서양시에서 각운은 악센트 있는 음절로 끝나면 남성운,악센트 없는 음절로 끝나면 여성운이라한다.여성운은 주로 희극적 내용의 시에 쓰인다.갈등(葛藤),conflict : 비극, 플롯(줄거리)감상주의(感傷主義),sentimentalism: 감정의 지나친 강조,감성의 과잉이나 폭발.감상주의는 애상감,비감과 같은 정서에 빠져있는 상태를 즐기기 위하여 인위적으로 조장한다.문학에서는 감상주의를 표현하기 위해서는 적절한 상황,말씨가 요구돼며 문학작품을 통해 감정을 분출한 독자는 일종의 쾌감을 느낀다.그러나 작품의 상황과는 관련없이 억지로 감성을 조장하고 유지시킨다면 독자들은 얼마 안가 그 허위성을 감지한다.우리나라의 신파조 연극,신파조의 통곡소설은 모두 약간의 핑계를 통해 눈물을 쏟아내는 감상주의적 성향을 가지고 있다.(백의인의 눈물,북간도의 눈물,효녀의 눈물 등,)감상주의는 슬픔말고도 낙관주의와도 관계가 있다.인간과 사회의 현실을 도외시하고 값싼 이상주의나 낙관주의에 탐닉하는 것 역시 감상주의에 속한다.어린이,농민,동물에 대한 무비판적 예찬.자연물에게 인간성 부여하는 태도(돌,나무,꽃을 불필요하게 의인화 하는 것)도 감상주의의 범주안에 든다.현대의 신문,잡지등의 기사에서도 감상주의가 표현되며(슬픔으로 몸을 가누지 못하였다 등),이것은 감상주의가 대중성과 연관되어 있음을 암시한다.감수성 se는 모방을 문학의 보다 바람직한 기능으로 보는 까닭이다.문학 사조의 역사를 보면 구체성이 언제나 추상성보다 기림을 받은 것은 아니다.플라톤은 문학의 철저한 구체성을 이유로 문학은 추상성 즉 관념,다시 말래 진리의 영역과 동떨어져 있다고 경멸 하였고,아리스토 텔레스는 그 구체성에도 불구하고 그것의 추상적 의미떄문에 문학이 가치있다고 하였다.두 철학자 모두 구체성보다 추상성에 가치를 두고 있는 것이다.중세의 알레고리 문학론에서도 문학의 추상적 의미의 세계를 강조하였다.17,18세기의 신 고전주의는 구체성을 축소하고 추상적 관념의 문학을 완성하였다.반면 낭만주의는 구체성을 추구하고 구체성은 감각적 체험에서만 주어진다고 믿었다.상징주의는 다시 추상성을 지향하였으나 그 추상성은 철학적 의미의 관념성이 아니라 구체성의 윤곽을 지워버리고 막연한 암시성을 고조한 데서 오는 것이었다.20세기 초 이미지스트들은 관념적 추상성은 물론,윤곽없는 암시성을 배제하고 다시 윤곽이 뚜렷한 구체적 이미지를 포착하려고 하였다.현대작가는 그의 의도에 따라 구체성,추상성을 적절히 배분하여 사용한다.권선징악(勸善懲惡);->시적정의극적(劇的)->어조,희곡기법(技法) technique;어원은 스리스어의 란 말과 라틴어의 라는 말에서 기원했다.뜻은 모두 기술,기예를 뜻한다.기법은 후천적인 방법인 방법이다.플라톤은 시는 영감에 의하여 선천적으로 얻어지는 것이라 능동적으로 배울 수도 없고 가르쳐 줄수도 없는 것이라고 비판하였다.서양문학론에서 기술과 영감,예술과 다연의 대치관계는 오랫동안 큰 문제였다.그 관계를 상호 대척 내지 모순적 관꼐라고 주장하는 사람들은 플라톤처럼 작품 창조에 있어서 순수영감 또는 무의식이 결정적 역할을 하며 창조는 자연발생적이어야 한다고 믿는다.학습과 훈련에 의하여 습득된 기법은 오히려 방해가 된다는 것이다.일부 극단적인 기교파는 영감이라는 것은 성숙치못한 예술가만이 의존하는 것이고 자연상태는 질서가 부여되지 않는 한,혼돈 상태에 머문다고 주장한다.신고전주의자들이 말한 문학의 법칙들, 비합리성을 그대로 드러낼 수 있는 엉뚱한 방법을 동원하였다.그들은 전통적인 인쇄물의 방법만을 택하지 않고 몸짓과 육성으로 문학과 예술을 하였고, 아무렇게나 주워 모은 듯한 사물이나 낱말들을 또한 아무렇게나 연결시켜 완전한 무의미, 비사실적 창작물을 만들었다.이러한 의도적인 광태 밑에는 사회의 병폐에 대한 반항과 인간 정신의 자유를 향한 갈구가 숨겨져 있었다는 사실을 간과할 수 없다. 또한 문학이 사회의 압력으로 위축되었을 때 있게 마련인 전위적 운동의 하나였음을 잊지 않아야 한다. 다다이즘은 죽었지만 그와 비슷한 전위적 운동안 미국의 헤프닝 예술에서 다시 볼 수 있다. 다다이즘 자체가 위대한 예술가와 예술을 낳지 못했다고는 해도 새시대의 촉진제가 된 것은 사실이다.-부조리 문학,초현실주의단편소설 short story;짧은 이야기는 사건에 대한 보고,설명,경험,꾸며낸 거짓말,소문 등 일체가 짧은 이야기의 꼴을 취할 수 있다.짧은 이야기가 좀더 듣는이의 관심과 흥미를 끌도록 발전된 형태가 일화,동화,우화,비유,농담,민담,모험담 같은 것이다.이런 이야기들을 좋은 글로 적어 놓은 것이 ,,,페림,등이고,성경이나 불경 같은 종교적 경전에도 짧은 이야기가 많이 포함되어 있다.서양의 경우에도 18세기에 잡지가 발전하면서 문장가들의 일화적 수필이 많이 발표되어 19세기에 단편소설의 성립에 직접적 기여를 한 것으로 알려지고 있다.19세기 초엽 현대적 단편소설을 창안한 사람으로 알려져 있는 미국의 앨런 포는 단편 소설에 대한 최초의 현대적 이론을 폈다.그는 산문이야기가 39분 내지 2시간 동안 앉은 자이에서 한번에 읽을수 있는 길이여야 하고,어ㄸ?ㄴ 독특한 단일한 효과만을 주어야 하며,모든 부분은 그 효과를 조성하는 데 기여해야 한다고 주장하였다.포시대로부터 현재에 이르기까지 수많은 작가들이 단편소설을 써오고 있는데 그들은 대체로 포의 이론을 따르는 것 같다.즉 단편소설은 독자가 한눈에 한 덩어리임을 의식할 수 있을 만큼 인물의 수를 제한한다.또한 지나치게 복잡하게 얽힌 사현대인류학에서는 문화가 현실을 능가하는 높은 가치가 아니라 단지 사회현상의 전체적 구조라고 본다.이러한 관점에서 문화유물론은 문화와 물질을 서로 뗄 수 없는 상호작용속에 통합한다.문학은 특히 주도적 이데올로기가 권력을 행사하여 저항적 요소들을 억누르는 여러양상을 반영한다.그러므로 문학은 영원한 보편적 가치나 인간의 불변의 본질을 추구하는 것이 아니라 물질적 우위를 장악하고자 하는 현실 정치적 목적에 이바지 하는 행위이다.문화유물론은 문학이 과거시대라는 확정된 배경에서 벌어지는 객관적인 사건이라고 보지 않는다.문화유물론의 약점은 독자가 문학을 읽는 것은 과거시대의 물질적 권력관계를 알아보기 위함이라기 보다는 이야기나 시에서 재미와 감동을 얻기 위함이라는 단순한 사실이 너무도 쉽게 도외시되기도 한다.미래파futurism:20세기의 전위적 예술 유파의 하나.현대의 특징은 속도,기계,도시,특히 공업지대에서 나타나는데,그것들이야말로 인류의 미래를 위해 희망이 넘치는 시적 소재라고 주장하였다.미래주의자들은 세계의 건강을 위해 전쟁이 좋다고 하였고 특히 기계와 속도의 결정체인 비행기를 예찬하였다.미학aesthetics:예술에 있어서의 아름다움,그 성격,조건,법칙등에 관한 지식이라는 의미로 쓰인다.플라톤은 예술가들은 가짜로서 단지 속임수를 쓰는자들이라하여 그의 이상적 국가에서 추방하였지만 진정한 진리와 선과 연결될 수 있는 아름다움은 찬양하였다.아리스토텔레스는 미학을 아름다움의 관점이라기 보다는 모방이라는 관점에서 보았다.플로티노스는 플라톤사상을 재해석하여 우주의 창조자이자 유일자가 곧 아름다움이라고 하여 그에게서 떨어져 나온 인간 영혼은 그와 다시 합일 하고자 열망한다고 한다.토마스아퀴나스는 신의 정신,곧 성령이 정돈된 세상의 물질에 광명을 던진 모습을 아름다움이라고 하였다.독일의 합리론적 내지 관념혼적 미학은 칸트에 의하여 사심없는 관조에서 오는 미학의 중요개념들이다.이러한 조화,화합의 고전적 사상은 낭만주의 시대에 이르러 보다 주관적,감성적,열정적인 것으로 변모하였고 법에서 개발한 방법이 자유 간접말투와 의식의 흐름수법이다.서정시lyric:서양 원어는 리라라는 현악기에서 왔다,서정시는 본래 악기에 맞추어 부르는 노래 가사를 뜻했던 것이다.그러나 후에는 말의 짜임새가 노래의 리듬이나 선율을 암시하지만 주로 읽기 위해 씌어진 개인적인 감정을 표현하는 짧은 시를 뜻하게 되었다.노래는 많은 사람을 대상으로 하기 때문에 비개인적이고 개인적 감정의 표현은 많은 사람을 대상으로 하지 않는다.노래의 대중지향성과 감정표현의 개인지향성을 한꺼번에 가지고 있어서 서정시의 폭은 넓다.서정시의 노래적 성격부터 논하자면 원시 문학이 노래와 율동에 어울리기 위하여 운문의 형태를 띄었던것에 기인한다.노래시는 짧고 정열적이고 그 곡조와 리듬의 아름다움과 이야기를 담고 있지 않음이 다른 두 장르와 구별되는 점이었다.노래시는 공중을 의식하는 공개된 발언이기 때문에 사회전반이 참여하는 경축 제전,보편적 감정과 생각을 소재로 한다.개인적인 ㅉㆍㄼ은 시는 노래시와 정반대로 작자가 최대한도로 드러난다.관습적 수사법이나 말씨는 작자의 개성표현을 방해한다고 믿어지고 시에 구현된 정서는 유일무이한 작가 자신의 것이라는 사실을 강조하기 위하여 낱말 수사법 소재등이 새로 선택되고 개발되고 배열된다.소위 자유시는 시인이 입말에 접근하고자 한 노력의 결과로 볼 수 도 있다.그러나 서정시는 국어의 자연적 리듬을 도외시 하지 않는다.리듬이 없다면 결국 완전한 산문이나 다름없다.요컨대 서정시는 본래 노래에서 유래했다는 근본 성질을 아주 버릴 수는 없다.서정시는 사람의 정서의 표현이라는 근본 욕구를 만족 시킬 뿐 아니라 그 정서에 어울리는 형식을 마련함으로써 정서를 아름답고도 의미깊게 만드므로 사람에게 가장 친근한 문학장르일 수 밖에 없다.성격chracter:인물이라 칭하기도 하나 인물은 외부에서 관찰의 대상이고 성격은 그 인물의 내적 속성이다.성격은 주로 소설이나 희곡 같은 이야기 문학의 요소로 생각되지만 엄격한 의미에 있어서는 모든 문학작품에 필수 불가결한 요소이다.서장시와 수필.

인문/어학| 2013.06.20| 57페이지| 7,000원| 조회(567)

문학비평, 요약, 문학용어, 용어사전, 영문학개론, 이상섭

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Gc thorney and Gwyneth robert / lonan outline of english literature chapter 14 해석입니다

20 세기 영국 극작가의 작품을 살펴보면 작가 개인의 생각과 경험의 산물을 볼 수 있을 뿐만 아니라 여러 가지 일반적인 성향까지 볼 수 있다. 이 말은 곧 극작가들이 어떤 같은 그룹에 속해 있다는 것을 의미하는 것이 아니라 작품에 대한 관심사와 신념을 공유하고 있기 때문에 여러 가지 중요한 공통점을 가진다는 것을 의미한다. 그렇게 (임의적으로) 구성된 그룹 중 한 그룹이 보통 사람들의 일상 생활의 일부분을 사실적인 방식으로 무대 위에서 보여주려는 시도를 하게 되는데, 그런 사실적인 방식은 종종 사회적 비판과 정치적 비판을 담고 있다. 그런 부류의 희곡은 적어도20세기만큼이나 오래된 역사를 지니고 있다: 예를 들어 전통적인 웰 메이드 희곡의 형식을 취하는 JOHN GALSWORTHY (존 골즈워디)의 작품은 사회악과 정치적 악에 절망적이며 무력하게 대항하는 사람들에 대한 커다란 동정심과 연결 지어 사회악과 정치적 악을 그려내고 있다. 작품 Strife (투쟁, 1909) 에서는 양측이 서로의 요구 조건을 거부하면서 생겨나게 되는 파업의 진행과정을 보여주는데, 결국 처음에 제안했던 것과 똑같은 요구조건에서 파업은 일단락되지만 파업 참가자의 가족에게는 큰 고통과 상처만을 남기게 된다.Justice (정의, 1910) 라는 작품은 비참한 인생의 굴레에서 벗어나려는 절박한 시도로 수표의 서명을 위조하여 권력(힘)을 쥔 자들의 “정의”에 의해 나머지 인생마저 망치게 되고 결국은 절망 속에서 자살하는 한 남자의 운명을 그리고 있다.GEORGE BERNARD SHAW (조지 버나드 쇼)는 아일랜드 태생이지만 성인이 된 후에는 거의 영국에서 지냈다. 그의 작품이 지향하는 중요한 목적은 관객들로 하여금 자기 자신의 모습과 관객 자신이 살고 있는 사회를 완전히 새로운 시점과 방식으로 바라보게 하는 것이다. 그런 목적이 만들어 내는 충격과 무례함을 그는 즐겼으며 특히 많은 위트를 써서 자신의 생각을 표현할 때는 더욱 그랬다. 그는 관객이 예상하는 것과 정반대의 것을 말하고 보여주는들을 배경으로 하는데, 항상 평범한 보통 사람의 시점에서 그런 사건들을 보여준다. The Shadow of a Gunman (암살자의 그림자, 1923) 이라는 작품의 시간적 배경은 아일랜드 독립전쟁으로서 그 사건이 보통 사람들의 생활에 어떤 영향을 미치게 되는지를 다루고 있는데, 그 사건으로 인해 가장 고통을 받는 사람은 바로 보통 사람들이다. 이 극은 보통 사람들이 겪는 고통에 대한 커다란 동정뿐만 아니라 유머도 담고 있다.Juno and the Paycock (주노와 공작, 1924) 이라는 작품도 아일랜드 내전을 배경으로 하지만, 주요 관심사는 주인공들이다:더블린에 살고 있는 한 가정주부인 Juno 는 자신의 가정을 파괴하려는 힘 (돈의 부족이나 돈 그 자체, 몸이 약한데다 술주정뱅이인 남편, 아버지에 의해 버림받은 딸, 또는 딸의 아이, 스파이라는 이유로 총을 맞아 부상당했으며 극의 마지막 부분에서 죽게 되는 아들 등)으로부터 가족을 하나로 지탱시키고자 노력한다. The Plough and the Stars (쟁기와 별, 1926) 라는 작품은 1916년 영국에 대항한 아일랜드의 봉기를 다루고 있다. O'Casey (오케이시)에게 있어 전쟁이라는 현실로 인해 가장 고통 받는 사람은 언제나 여성인 반면 남성은 이야기하고 꿈꾸며 영웅이 되고자 한다. 다음에 등장하는 죽은 아들에 대한 Juno 의 애도에서도 볼 수 있듯이, 이 작품은 등장인물들의 언어에서 그 활력과 힘을 얻고 있는데, 그 등장인물들은 다른 사람들처럼 보편적인 감정을 갖고 있지만 더블린 태생이다: 오, 이 무슨 고통이란 말인가, Johnny 너를 이 세상에 태어나게 하여 요람으로 이끌더니, 이제 너를 이 세상과 요람에서 내려 무덤으로 데려가야 하는 고통을 격어야 하다니! 신의 어머니시여, 우리 모두를 불쌍히 여기시어 돌처럼 딱딱해진 심장을 가져가 저희에게 생명의 심장을 주소서! 이 끔찍한 증오를 가져가 당신의 영원한 사랑을 저희에게 베푸소서!또 한 명의 아일랜드 작가인 J. M. SYNGE 제도를 다루고 있다. 한 부자의 아들이 계층 제도에 대한 반발이 아니라 아버지에 대한 반발로 관리가 되는 대신 평범한 공군이 되기를 희망한다. 그러나 실제로는 자신의 아버지처럼 그도 권력을 원하며, 극의 후반부에서 다른 공군들이 계층 제도에 대해 반발하도록 부추긴 후 (아무 것도 성취하지 못한다), 자신은 결국 자신이 원래 속해 있는 계층으로 돌아가 관리가 되는데 동의한다.Weske (웨스커) 의 후기 작품은 (Their Very Own and Golden City, 그들만의 황금 도시, 1966와 The Friends, 친구들, 1970을 포함해서) 실생활을 현실적으로 나타내는 것에서부터 탈피하여 더 멀리 나가게 된다. 후기 작품의 공통 주제는 사회가 만들어내는 압력을 회피하고 옳고 그름에 대한 나름의 기준을 찾아가는 개개인의 중요성이다.TREVOR GRIFFITHS (트레버 그리피스) 역시 사회적 주제에 깊은 관심을 보이는데, 그의 작품은 Weske r(웨스커)의 작품보다 정치적 주장이 더 분명하다.The Party (파티, 1973) 는 그 제목 (party라는 단어는 정당, 파티라는 두 가지 뜻을 갖고 있음)을 통해 언어적 유희를 보여주는 작품으로 사회주의당원과 공산주의당원을 위한 한 파티를 배경으로 한다. 이 작품은 혁명에 대해 말하지만 그것을 위해 아무것도 하지 않는 한 중산층 지식인 사회주의자의 편안한 삶과 자신의 정치적 신념에 따라 살고자 노력하며 그 신념을 위해 모든 것을 희생하는 한 노인의 삶을 신랄하게 비교한다.Comedians (코미디언, 1975) 이라는 작품은 코미디언이 되기 위해 야간 수업을 듣는 여섯 명의 학생에 대한 이야기로서 코미디와 도덕성의 관련성을 탐구한다. 아울러 사람들이 두려워하는 것을 비웃게 만들어 두려움에서 사람들을 해방시키고 그런 두려움이 만들어낸 상황을 변화시키기 위해 사람들로 하여금 무언가를 하도록 용기를 북돋아주기 위한 코미디의 목적을 다루고 있다.EDWARD BOND (에드워드 본드)는 사람들의 자세한 일상와 Estragon (에스트리곤)을 보여주는데, 그 Godot(고도)라는 인물은 그들의 삶에 어떤 목적과 방향을 제시해줄 것이다. 허나 Godot(고도)는 오지 않으며 아마 존재하지 않는 인물일수조차 있다. 작품은 떠돌이 두 명이 이유가 불충분한 상황에서 자신들을 돕기 위해 (즉 변명하기 위해) 지푸라기라도 잡으려는 심정으로 벌이는 추론과 논쟁 속에서 유머뿐만 아니라 고통과 두려움까지 보여주고 있다. 둘 중에서 고도를 기다리라는 말을 들었기 때문에 고도를 기다려야 한다는 사실에 더 단호한 쪽은 Estragon (에스트리곤)이다.VLADIMIR: 대체 뭔일이야? 우리가 틀린 장소에 와 있다는 건가?ESTRAGON: 그가 분명 여기 있어야만 하는데.VLADIMIR: 여기 올 거라고 확실히 말한건 아니야.ESTRAGON: 그럼 그가 오지 않으면?VLADIMIR: 내일 다시 오면 되지.ESTRAGON: 그리고 내일 모레도.VLADIMIR: 아마도.ESTRAGON: 계속해서.VLADIMIR: 중요한건 말이지-ESTRAGON: 그가 오는거지.VLADIMIR: 자넨 정말 무자비하군.Endgame (승부의 종말, 1957) 이라는 작품 역시 한 폐쇄된 상황에 처한 등장인물들을 보여주고 그들은 그 상황 속에서 서로 계속해서 싸운다. 이 작품도 Waiting for Godot (고도를 기다리며)처럼 표면적 세부사항은 완전히 잘라내고 보여줄 요점만 딱 잘라서 보여준다; 즉 특정한 공간적 시간적 배경도 없이 등장인물들이 시간 때우기 식의 말장난을 하는데 바로 그 말장난이 등장인물들이 생각하지도 못했던 의미를 드러낸다. Krapp's Last Tape (크라프의 마지막 테이프, 1959) 이라는 작품의 등장인물은 단 한 명으로서, 한 노인이 카세트 테이프 레코더가 있는 폐쇄된 방에 앉아 젊었을 때 자신이 만들었던 테이프를 들으며 자신이 젊어서 가졌던 생각과 감명을 상기해보고 지금의 감정과 생각이 그 때와는 어떻게 다른지 생각해 본다. Happy Days (행복한 나날들, 1961) tt (베케트) 의 작품과 마찬가지로 등장인물이 직접 내뱉는 언어뿐만 아니라 대사로 표현되지 않는 침묵과 언어 역시 중요하게 여긴다. Pinter (핀터) 에 의하면 두 가지 종류의 침묵이 존재하는데, 하나는 아무런 말을 하지 않을 때의 침묵이고 또 다른 하나는 말이 홍수처럼 쏟아질 때 사용되는 침묵으로서, 이 표현에 따르면 곧 그의 작품은 사람들 사이에서 생겨나는 소통의 어려움을 반영하는 것이다.현대 영국 희곡에서 나타나는 세 번째 일반적인 성향은 등장인물의 감정과 신념을 표현하는 수단으로서뿐만 아니라 기저에 깔려 있는 주제의 심각성과 반대가 되는 위트나 코믹한 효과를 위해 언어가 사용될 때, 언어 그 자체가 중요한 역할을 담당하는 희곡에서 찾아볼 수 있다.19세기말 등장한 OSCAR WILDE (오스카 와일드)의 작품이 그런 타입의 희곡의 선두 주자라 할 수 있는데, 그의 작품은 20세기에 등장한 여러 작가에게 커다란 영향을 끼쳤다. 와일드의 희극 중 The Importance of Being Earnest (어니스트여야 하는 중요성, 1895)이 가장 유명한데, 그의 희극은 위트 있는 언어로 전개되며, 그런 위트 있는 언어는 보편적이거나 예상되는 것을 완전히 전복시킴으로써 코믹적 효과를 불러 오게 된다. 예를 들어 (Cecily 에게 사랑한다고 이제 막 고백한) Algernon 이 이중 생활을 하지 않고 있으며 그가 매우 친절할 때 사악한 척하기를 Cecily 는 바란다. Algernon 이 사물을 바라보는 관습적 방식을 뒤집을 수 있음에도 불구하고 그가 사악하지 않다면 Cecily은 실망할 것이다:JACK: 그게 완전한 진실이군. 순수하면서 명백하기까지 한.ALGERNON: 진실이 순수한 경우는 아주 드물고, 절대 단순하지 않네. 진실이 만약 순수하거나 단순하다면 현대 생활이 무척이나 지루할 것이고 현대 문학은 완전히 불가능할거야.사물과 사람의 겉모습이 그 실제와 항상 서로 대조를 이루는 곳이 바로 이 세상이고, 그런 놀랄만한 대조가 위대한 위트와 균형한다.

인문/어학| 2013.06.20| 14페이지| 2,000원| 조회(112)

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