비엔나 여행中 기억에 남았던 두 작품.정해진 전공수업과 교양수업만 들어왔던 공대생으로서 미술관이라는 곳은 참으로 낯설고 어려운 공간이었다. 하지만 때마침 접한 “클림트“)라는 책을 통하여 미술작품에 대한 관심을 키우게 되었다. 이 책은 저자가 클림트의 그림과 시대상황 등을 종합하여 만들어낸 가상의 이야기로, 이 책 안에서 처음 본 클림트의 키스, 유디트, 아담과 이브는 미술에 대한 내 호기심을 자극시켜 주었다.그리하여 지난 2월, 일주일간 오스트리아에 여행갔을 때, 나는 꼭 비엔나 미술사 박물관을 가서 클림트의 그림을 보겠다고 다짐했다. 난생 처음 간 미술관은 문외한인 나에게 신선한 충격이었으며, 그림을 통해 내 마음이 평온해지고, 즐거워지고, 화나고, 슬퍼지는 신기한 경험을 하게 되었다.그 후 강의를 수강하며, ‘어, 이거 내가 오스트리아에서 보았던 그림!’ 이란 생각과 함께, 그때의 느낌들이 다시 되살아남을 느꼈다. 또한, 내가 배경지식없이 마음으로만 느꼈던 그림들의 숨겨진 이야기들을 알게 될수록, 신기하고 재미있고 더 알고 싶어졌다.그래서 이번 레포트의 주제는 비엔나 박물관에서 가장 나를 사로잡았던 두가지 그림, 클림프의 와, 자크 루이 다비드의 에 대한 조사를 통해 그림에 대해 알아보기로 하였다.[ 알프스를 넘는 나폴레옹 ]이 그림은 미술관에 들어섰을 때 한쪽 벽면을 아주 크게 차지 하고 있어, 그림의 크기와 그 그림 속 나폴레옹의 용맹성에 두 번 압도당했던 기억이 난다. 내가 보았던 작품은 왼쪽의 빨간 망토를 한 나폴레옹이었는데, 실제로 처음 그려진 작품은 오른쪽의 황금빛 망토를 한 나폴레옹이며 이를 루브르 박물관이 소장중이라고 한다. 나폴레옹의 궁정화가였던 자크 루이 다비드가 1801년부터 1805년에 걸쳐 그린 그림으로 나폴레옹이 1800년 5월 알프스의 생 베르나르 협곡을 넘는 모습을 영웅적으로 묘사하고 있다. 1799년, 쿠데타로 정권을 장악하고 원로원으로부터 제 1통령으로 임명 받은 나폴레옹은 이듬 해 이탈리아 원정에 나선다. 나폴레옹은 17아 원정을 성공으로 이끌 수 있었다.제작배경나폴레옹이 이끄는 프랑스 군대가 이탈리아를 장악하자 스페인 왕 카를로스 4세는 프랑스 혁명 이후 냉각관계에 있던 양국의 외교관계를 회복하지 않을 수 없게 된다. 당시의 외교적 관례대로 프랑스와 스페인 양국은 초상화, 의복, 보석 등 여러 선물을 주고 받았다. 이 그림은 그 일부로 카를로스 4세가 나폴레옹에게 약속한 ‘다비드가 그린 초상화’이다. 비록 카를로스 4세가 나폴레옹을 위해서 주문한 것이지만 완성된 후 그림은 두 나라의 우정의 상징으로 스페인 마드리드의 궁전에 걸리게 되었다. 은 1808년 카를로스 4세가 아란페스 폭동으로 왕위에서 물러나고 대신 나폴레옹의 형인 조제프 보나파르트가 스페인 왕이 될 때까지 궁전에 걸려있었으나 나폴레옹의 실각 후 조제프 보나파르트가 미국으로 망명하면서 함께 가지고 갔다. 그 후 그림은 1949년까지 미국에 있다가 후손인 유제니 보나파르트의 기증으로 프랑스에 돌아가게 된다. 은 이 그림이 원본이지만 나폴레옹이 다비드에게 같은 그림을 3점 더 제작하도록 하였고 이 외에도 다비드가 개인적으로 제작한 1점이 더 있어 전부 5점이 제작되었다.다비드의 작품에는 보통 수많은 관련 밑그림과 스케치가 남아 있다. 그러나 나폴레옹이 이 초상화를 위해 모델을 선 것은 단 세 시간에 불과했기 때문에 이 그림과 관련된 자료는 많지 않다. 다비드는 결국 나폴레옹의 흉상을 바탕으로 이 그림 속 나폴레옹의 얼굴을 그릴 수 밖에 없었다고 한다. 처음 카를로스 4세가 주문한 것은 제 1통령의 제복을 입고 있는 나폴레옹의 초상이었으며 다비드는 기마상을 그리고 싶어했다. 그러나 초상화는 결국 나폴레옹이 원하는 대로 ‘침착하고 용맹하게 말을 타고’ 알프스를 넘는 모습으로 결정되었다.말의 발굽 아래, 그림의 오른쪽 하단 바위에 나폴레옹 이전에 알프스를 넘은 두 영웅, 기원전 3세기 카르타고의 장군 한니발과 9세기경 신성로마제국의 황제였던 샤를마뉴의 이름이 새겨진 것도 나폴레옹의 제안일 가능성이 크다. 그림에서 나폴레옹은위해 미화된 것임을 알 수 있다. 사나운 날씨와 험준한 산세는 위험 속에서도 침착하게 병사들을 승리로 이끌 수 있는 영원한 영웅 나폴레옹의 모습을 강조하고 있다.작가 - 자크 루이 다비드는 누구인가?자크 루이 다비드 (Jacques-Louis David, 1748년 8월 30일 ~ 1825년 12월 29일)는 신고전주의 양식에 속하는 유력한 프랑스 화가로, 이 시대의 탁월한 화가로 평가 받는다.파리에서 출생하였고, 일찍부터 그림에 뛰어난 재질을 발휘하여 1774년에는 로마 상을 받았다. 이듬해 로마로 유학하여 고대 미술에 큰 감명을 받았다. 역사화를 그려 고전주의의 지도자가 되는 한편, 근대 회화의 시조가 되었다. 다비드는 이후 막시밀리앙 로베스피에르의 친구이자 프랑스 혁명의 전폭적인 지지자가 되었고, 프랑스 공화국하에서 사실상 예술의 독재자 역할을 하였다. 로베스피에르가 실각하자 투옥되었으나, 석방된 이후 나폴레옹 1세의 정치 체제에 협력했다. 프랑스 혁명 때에는 문화재 보호에 앞장섰다. 나폴레옹이 황제가 된 후 궁정 화가가 되어 을 그렸으나 뒤에 국외로 추방되었다.1780년대 역사화에서 그의 지적인 특징은 로코코의 경박함에서 고전적인 엄숙함과 엄정함으로 취향의 변화를 이끌어 내었다. 이 변화는 앙시앵 레짐의 마지막 시기의 도덕적 풍조와 조화를 이룬다. 이 시기에 그는 베네치아적인 색채 사용으로 유명한 앙피르 양식을 발전시켰다. 다비드는 많은 학생들을 거느리고 있었고, 이는 19세기 프랑스 예술에서 (특히 아카데미적인 파리 살롱 회화에서) 그를 가장 영향력 있는 인물로 만들었다.예술 사조 - 신고전주의를 알아보자!신고전주의는 18세기 말 프랑스를 중심으로 유럽에서 발전한 미술 사조다.역사적 배경태양왕 루이 14세(바로크)의 죽음 이후 중앙집권이 약화되고, 귀족들의 밝고 유쾌한 향락문화(로코코)가 급증한다. 회화 주제는 주로 육체적 쾌락, 우아함, 가벼운 사랑을 담고 있었다. 북미 식민지를 독점하여 기세 등등한 영국의 귀족, 엘리트들에게 로코코는 프랑스의 퇴폐은 이미 18세기 초부터 보이지만 특히 헤라크라네움(1783), 폼페이(1748)의 발굴, 그리스나 소아시아 조사 여행 등에 자극되어 18세기 말에는 지배적으로 이에 기울어졌다. 미학적으로는 빙켈만의 (1755, 회화와 조각에 있어 그리스 작품 모방에 관한 생각들)나, 피라네지의 (1761, 로마인의 사치와 건축에 관하여) 등의 영향이 결정적이었고, 19세기에는 나폴레옹의 로마에 대한 동경이 한층 더 이 경향을 굳혔다. 대표적인 예술가로서는 건축에서는 영국의 로버트 아담, 윌리엄 첸버스, 프랑스의 스프로, 독일의 신켈 등이고, 조각에는 프랑스의 우동과 이탈리아의 카노바이며, 회화에서는 독일의 라파엘 멩그스, 영국의 벤자민 웨스트, 프랑스의 비앙 등이 있지만, 특히 비앙의 제자인 자크 루이 다비드에 의해 가장 뛰어난 성과가 이루어 졌으며, 이는 앵그르에 계승되었다. 신고전주의는 19세기 아카데미즘 예술의 기본원리로서 오래 이어졌으나, 그와 동시에 먼 고대나 이국에 대한 뜨거운 동경과 관능적인 경향으로 기울어짐에 따라, 낭만주의 예술의 선구자로서의 구실도 하였다.[ 키 스 ]이 그림은 클림트의 설명이 전해지지 않은 작품이다. 때문에 보는 사람의 느낌에 따라 다양한 관점으로 해석될 수 있다. Scotlet성의 식당 벽을 장식했던 이 작품은 클림트가 이전에 그렸던 작품들과 어떤 연관성을 찾기가 힘들다. 이 그림에서는 스토리보다 장식성에 치중했던 것으로 보인다. 특히, 장식성, 황금색과 섬세한 구성은 여러 가지 의미를 담고 있다. 클림트가 교육을 받았던 응용미술학교의 영향도 있었지만, 이는 당시의 유행하던 미술사조인 아르누보와 맥락을 함께 한다. 또한 그의 작품에서 공간성의 파괴를 목격하게 되는데 이는 물체성을 지나치게 강조함으로서 범하게 된 오류였다. 장식성을 추구했음에도 불구하고 상징주의적인 요소를 배제하지 않았고 작품에서 발산하는 장조적인 힘은 지극히 파괴적인 힘을 갖고 있었다는 것이 대체적으로 그를 평가하는 사람들의 이야기 이다.작품을 보는 순간, 숨막히게 아름 드러난 그녀의 발목과 발가락은 긴장감으로 가득차 있다. 클림트의 그림에서 거의 등장하지 않는 남성과 여성이 동등한 위치에 있는 이 작품의 남여는 서로 존중하며 사랑하고 있음을 은연중 말해주고 있다. 또한 여인의 살결은 하얗고, 분홍빛이 도는 가운데 핏줄도 보여 살아있는 것 같은 생동감과 아름다움 느끼게 해준다.1906년부터 1909년에 걸친 황금스타일의 정점이라고 칭할수 있는 이 작품이 1908년 5월 쿤스트샤우 전시회에서 공개 되었을 때 반응은 무척 뜨거웠으며 오스트리아 국립미술관에서 이 작품을 바로 구입했다. 또한 이 작품은 오스트리아에서 국보급 보물로 취급되는 만큼 해외 반출이 어렵다고 한다.작가 - 구스타프 클림트는 누구인가?구스타프 클림트(1862∼1918)는 빈 근교의 바움가르텐에서 태어났다. 1883년 형 에른스트와 함께 빈 공방을 조직하여 역사주의의 영향을 받은 장식적인 벽화와 천장화를 그렸다. 1898년의 그룹전을 통하여 오스트리아 유겐트 스틸(아르 누보, 신예술)의 대표적 존재로 지목되었다. '상징ㆍ장식ㆍ표현'이라는 아르 누보 미학에 철저하며, 상징적이고 화려한 인물화ㆍ초상화 및 풍경화에 뛰어나다. 그의 작품들을 보게 되면 작품들 대부분, 몽환적이고 약간은 비현실적인 분위기와 배경에, 색채는 눈부신 황금색으로 굉장히 화려하고, 또한 기하학적인 무늬와 같은 패턴이 주로 등장한다클림트는 여성의 세계를 가장 잘 표현한 화가로 알려져 있다. 여성을 성녀 아니면 요부로 나누었으며 모델들은 매우 관능적이며 외설적이기 까지 한 포즈를 취해 주었다. 클림트의 모델들이 이런 포즈를 취할 수 있었던 것은 모델들이면서도 그의 또 다른 연인들이기 때문에 가능한 일이다. 클림트가 죽은 후 사생아를 낳았던 여자들이 생계부양비를 청구하는 소송이 끊이지 않았다는 것은 그가 모델들과 얼마나 자유분방한 관계를 가졌는지 알려주고 있다. 이렇게 대단한 여성편력가인 클림트가 육체적인 사랑을 뛰어넘어 무려 400여통의 엽서를 보내면서 정신적인 사랑의 동반자로 함께 했던 사랑도 있클림프
