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멕배드를 읽고 시각적인 분석

대학원 수업 레포트맥베드를 읽고 작품에 관한 시각적 분석이정대목차1. 셰익스피어에 관해(작가분석)2. 맥베드 작품에 관해3. 작품의 시대적 배경4. 건축 (이미지 포함)5. 의상 (이미지 포함)6. 가구 (이미지 포함)7. 연출적인 이미지(개인적인 느낌)1. 셰익스피어에 관해(작가분석)영국이 낳은 세계 최고 극작가로서, 희·비극을 포함한 37편의 희곡과 여러 권의 시집 및 소네트집이 있다.1564년 잉글랜드 중부의 스트랫퍼드어폰에이번에서 출생하였다. 그가 태어난 마을은 아름다운 자연에 둘러싸인 영국의 전형적인 소읍이었고, 아버지 존 셰익스피어는 비교적 부유한 상인으로 피혁가공업과 중농을 겸하고 있었다. 아버지가 읍장까지 지낸 유지였으므로, 당시의 사회적 신분으로서는 중산계급에 속해 있었기 때문에 셰익스피어는 풍족한 소년시절을 보낸 것으로 짐작된다.당시 스트랫퍼드어폰에이번에는 훌륭한 초·중급학교가 있어서 라틴어를 중심으로 한 기본적 고전교육을 받았으며, 뒤에 그에게 필요했던 고전 소양도 이때 얻은 것으로 볼 수 있다.그러나 1577년경부터 가운이 기울어져 학업을 중단했고 집안일을 도울 수밖에 없었다. 학업을 중단하고 런던으로 나온 시기는 확실치가 않다. 다만 1580년대 후반일 것으로 생각되며, 상경의 동기가 극단과 어떤 관계였는지의 여부도 알 수 없으나, 1592년에는 이미 그가 유수한 극작가의 한 사람이었다는 사실을 선배 극작가인 R.그린의 글을 통하여 알 수 있다.1590년을 전후한 시대는 엘리자베스 1세 여왕 치하에서 국운이 융성한 때였으므로 문화면에서도 고도의 창조적 잠재력이 요구되었던 시기였다. 이러한 배경을 얻어 그의 천분은 더욱 빛날 수 있었다.당시의 연극은 중세 이래의 민중적·토착적 전통이 고도로 세련되었으며, 특히 그리스·로마의 고전을 소생시킨 르네상스 문화의 유입을 맞아 새로운 민족적 형식과 내용의 드라마를 창출해 내려는 때이기도 하였다.그러나 1592∼1594년 2년간에 걸친 페스트 창궐로 인하여 극장 등이 폐쇄되었고, 때를 같이하여 런던 명칭은 당시의 관례였을 뿐 상업적인 성격을 띤 일반 극단과 차이가 없었다. 1613년 그의 마지막 작품인 《헨리 8세》를 상연하는 도중 글로브극장이 화재로 소실되었다. 1616년 4월23일 52세의 나이로 고향에서 사망하였다.2. 맥베드 작품에 관해〈맥베스〉는 4대 비극 가운데 가장 짧은 작품이다. 군더더기 없는 탄탄한 짜임새와 전편에 일관되게 흐르는 긴장은 다른 어느 작품에서도 볼 수 없는 특색이다. 용맹한 장군이자 야심가인 주인공이 아내의 사주를 받아 자기가 섬기는 왕을 살해하고 왕위를 찬탈한다는 이야기는 정치극·역사극의 틀에도 합당한 것이다. 초점을 주인공의 성격과 행동에 맞추어 내면화시켜 놓은 점이 매우 다르다. 이 극에서 언제나 제기되는 문제는 맥베스와 같은 극악무도한 인간을 어떻게 비극의 주인공으로 삼을 수 있는가 하는 것이다. 그 문제를 푸는 데 작가는 다음과 같은 배려를 해놓고 있다. 첫째, 주인공 맥베스를 인간화시켰다는 점이다. 그래서 작가는 주인공을 야심과 욕망을 실천에 옮기는 능력에 못지않게 그것을 훨씬 능가하는 치열한 상상력의 소유자로 만들어놓았다. 이 공포와 파멸의 상상력은 그를 끔찍한 살인자(가해자)이자 동시에 자신에 의한 '피해자'이게 한다. 역설적으로 그는 왕을 시해하고자 했을 때 이미 운명의 피해자가 된 것이다. 둘째, 이 극이 지닌 시의 특질이다. 간결하기 이를 데 없으나 고도로 응축된 시적 표현은 일체의 수사를 거부하면서 이 끔찍스런 영혼의 내면을 비춰내는 데 결정적 역할을 하고 있다.3. 작품의 시대적 배경(1) 로마네스크 양식의 사회·문화적 배경동유럽에서 비잔틴 문화가 성행하는 동안 서유럽은 오랜 기간의 혼란기인암흑기(5∼9세기)를 거쳐 11세기경에 비로소 통일과 안정을 되찾게 되어 오늘날의프랑스, 이탈리아, 독일, 영국의 기반을 이루었다. 이 시기는 자급자족을 원칙으로하는 폐쇄적 농업 경제 구조였으나, 생산 기술의 발달로 도시의 성립과 농업 이외수공업의 발달을 가져와 농업 위주의 경제 구조에서 공업이 분리되었는데 그 중에기 동안 서유럽 전체에 전파되어 더욱 발전·변화해서, 15세기 초부터 이탈리아에서 형성된 르네상스미술이 대표하는 근대미술로 바뀔 때까지 존속하였다.고딕이란 명칭은 르네상스의 이탈리아인이 중세건축을 거칠고 야만적인 민족인 고트족이 가지고 온 것이라고 비난한 데서 유래한 것인데, 19세기 이래 서유럽 중세미술의 한 양식을 가리키는 미술사상의 용어로 등장하게 되었다. 이 중세미술에 명확한 형식을 부여한 것은 북부 프랑스였지만, 결국 전 서유럽적 현상으로까지 발전한 것이다.고트족들은 이 미술의 형성에는 직접 관계가 없었지만, 약간 모멸적인 뜻으로 말한 것이 이러한 이름으로 정착하게 되었다. 고딕미술의 양식은 먼저 건축에서, 특히 성당 건축에서 실현되었지만, 여기에 어울려서 형성된 조각·회화·공예에 대해서도 총괄적으로 이 양식의 명칭이 적용된다.4. 건축 (이미지 포함)(1)로마네스크 형식로마네스크 건축의 특색은 11세기 초엽까지 목조였던 바실리카식 설계로 된 네이브의 천장을 석조궁륭으로 바꾼 점에 있다. 목조천장도 라인란트등지에 남아 있기는 하지만, 이것은 어디까지나 특수한 예에 불과하다. 석조궁륭을 일반적으로 사용하게 된 이유는 신의 집으로서 불연성의 항구적인 건물이 바람직하였을 뿐 아니라 석재공간으로서의 통일성이 생기고 또 음향적인 효과를 높일 수도 있었기 때문이다. 이 석조궁륭은 절단면이 원칙적으로 반원 아치이며, 로마네스크 건축에서는 창문이나 입구기둥 사이의 들보 사이나 처마 밑부분에도 이 반원 아치를 찾아볼 수 있다. 따라서 로마네스크 건축을 반원 아치의 집합체라고 말할 수도 있다.이와 같은 아치의 만곡부는 똑같은 석재로 이루어진 것이 아니라 부채꼴의 절석으로 조립되어 있기 때문에, 각 절석의 압력관계는 상하가 아니고 경사의 방향으로 작용한다. 그러므로 반원궁륭의 기부에서는 바깥쪽으로 비스듬히 횡압력이 작용한다. 궁륭이나 아치는 로마시대에 이미 나타났으나, 이 시대에는 강력한 시멘트가 사용되었기 때문에 로마네스크 건축에서 보는 긴밀한 역학적 배려가 요구되지는드등의 건축적 효과가 어두컴컴한 공간에 신비적인 분위기를 자아낸다. 특히 로마네스크 시대에는 곳곳에 수도원의 건축이 활발하여, 정사각형의 회랑을 중심으로 성당과 기타 여러 부속 건축물을 갖춘 훌륭한 수도원이 프랑스남부, 에스파냐북부, 독일 남부, 이탈리아 등지에 많이 남아 있다.(2)고딕 건축1. 고딕건축은 13세기초 프랑스에서 시작하여 15세기 르네상스 발생시까지 프랑스/독일/영국에서 발전하였으며, 중세 교회건축의 최절정기를 이루었음. 고딕이라는 용어는 고트족에서 유래되었으며, 르네상스때 이탈리아인들이 중세건축을 비하했던 말임. 고딕건축기법은 첨두아치(Pointed Arch), 립 보울트(Rib Vault), 플라잉버트레스(Flying Buttress)로 대표되며 하늘 높이 뾰쪽 올라간 것이 특징임.2. 고딕건축 특징인 첨두아치(Pointed Arch) + 립 보울트(Rib Vault)고딕 이전 사라센 건축에서 이미 사용되었으며, 아치의 반지름을 가감함으로써 정점의위치가 자유로이 변화가능하고 반원형 아치에 비해 하중 지지능력이 증가됨.※ 원형 아치의 경우, 높이 만들려면 기둥간격이 멀어져 붕괴의 위험이 있어서 첨두형 아치로 해결한 것. 윗 그림의 갈빗대 모양이 Rib. 아래 그림의 좌측이 첨두형 아치이고 중앙상단이 립 볼트 천장의 모습.3. 플라잉 버트레스(Flying Buttress)신랑상부의 립 보울트와 측랑의 부축벽을 연결하는 반 아치 형태의 부재로 부축벽 상부에 소첨탑을 첨가하였음. 립 보울트의 횡압력을 분담하여 신랑의 열주는 수직하중만을 지지.4. 아래 그림의 오른쪽 부분의 플라잉 버트레스 모습5. 사르트르 성당 내부와 외부 모습. 내부 공간은 기존의 수평구조에 수직구조를 첨가한 모습으로 높은 천장과 첨두형 아치로 구성. 창을 넓게 형성하여 대원형 창과 스테인드 그라스를 채용했으며, 고측창의 대형화로 내부공간에서 신비와 상승감 형성.6. 파리근교 St. Denis에 위치한 생 드니 성당. 최초 고딕건물로 생드니 수도원내 부속성당.7. 파리 노틀담 성어 졌으며 발등을 덮는 길이였다. 또한 블리오는소매부리가 넓어서 속에 입은 쉥즈가 보이며, 소매 끝이 땅에 끌릴 정도로 긴 것도있어 중간에 한 번 잡아 매기도 하였다. 허리보다 조금 내려간 곳에서 곡선을 이루고있는데, 이러한 곡선화의 경향은 평면적인 비잔틴의 의복형과는 다른 것으로, 그 후유럽 여자 복식의 실루엣을 결정짓는 중요한 변화이었다. 재료로는 동양에서 수입해 온부드러운 견이나 머슬린을 사용하여 잔주름을 잡아 기능성을 살리기도 했으며 직물기술의 발달과 함께 사치스럽게 장식화되었다. 오늘날의 블라우스는 이 블리오에기원을 두고 있다.맨틀은 고대부터 착용한 팔리움, 클라미스, 팔루다멘툼의 명칭이 바뀐 것으로, 여자의맨틀은 반원형이나 직사각형이며 재료는 대개 아름다운 견에 견색사나 금사로 단을장식하였다. 남자의 맨틀은 반원형·직사각형· 타원형이며 무릎 길이의 것이많았으나 블리오의 길이가 길어짐에 따라 조금씩 길게 변화하였다. 입는 방법은 몸에한 번 두르고 앞중심선이나 오른쪽 어깨에 핀이나 브로치로 고정시켜 입었다.꼬르사쥬는 여자들의 블리오 위에 입는 조끼형의 옷으로, 밑단은 허리 주변에서곡선상이며 그 위에 가죽이나 천으로 된 벨트를 허리에 매고 있고, 몸의 곡선을나타내기 위해 블리오처럼 등 뒤를 트고 끈을 끼워서 잡아 당겼다. 꼬르사쥬의 부분이따로 떨어지게 된 것도 있었는데 그것은 당시 병사가 착용했던 조끼인 지뽕(gipon)과같은 모양이었다.(2) 머리 장식과 장신구남자들의 머리 모양은 주로 짧은 단발이었으며, 귀족층은 모자를, 서민층은후드(hood)를 많이 착용하였다. 후드는 남녀 공용으로 애용되었고, 이것의 변형으로코이프(coif)가 상류층 여자들에게 애용되기 시작했는데, 이는 크기가 매우 작고 어린아이의 모자처럼 턱에다 묶는 것이었다. 여자의 머리는 정면에서 가리마를 타서 머리를두 가닥 또는 세 가닥으로 길게 늘어뜨린 형태가 주를 이루었는데, 종교적 관습에서수녀나 미망인, 일반 부녀자들은 외출시나 종교적 행사시 웽플(wimple)이라는 흰색의베일을 썼다입니다.

예체능| 2008.04.15| 24페이지| 3,000원| 조회(422)

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[동서양 연극 비교 연구 ] 슬라브스키의 연기론과 스즈끼 연극론의 비교분석

동서양 연극 비교 연구슬라브스키의 연기론과 스즈끼 연극론의 비교 분석97840043이 정대목차(1). 서론(2). 서양 연극사1. 연극 탄생 과정2. 그리스 연극3. 사실주의 전까지의 사조 정리4. 사실주의 탄생 과정과 슬라브스키의 연기론(3). 동양 연극사 연구1. 연극 탄생 과정2. 인도 연극 (인도의 차아우를 중심으로)3. 일본 고전극 정리(노를 중심으로)4. 일본의 현대 연극(4). 스즈끼 연극론의 이야기1. 연출에 관한 이야기2. 무대 등 기타 이야기3. 리얼리즘(5). 슬라브스키 연기론과 스즈끼 연극론의 차이점1. 훈련방법2. 기호화, 양식화(6). 결론1. 사고방식의 차이(7). 참고 자료(1). 서론연극을 공부하면서 연극사조를 많이 접한다. 그리스, 로마, 중세, 르네상스, 낭만주의등......처음 공부할 땐 이것이 동, 서양 막론하고 공통된 사조라고 생각했다. 하지만 동양연극의 탄생이 서양 연극보다 빠르며 발전 내용도 너무도 다르다는 것을 알았을 땐 큰 충격이였다. 오히려 서사극이나 잔혹 연극론 등은 동양연극의 도움으로 발전한 사조들이다. 그런데 왜 동양연극은 연구 되어지지 않나? 라는 의문이 생겼다. 동양연극사라는 수업을 들으면서 숙제지만 공부한다는 생각으로 비교해 보겠다.(2). 서양 연극사1. 연극 탄생 과정연극의 시작이 정확히 언제인지는 대답하기 힘들 것이다. 다만 학자들은 추측으로 선사시대부터 부분적으로 연극이 시작 되었을 것이라고 추측한다.연극을 공부하는 많은 학자들이 주장하는 탄생기원설은 3가지로 나뉜다. 제의 기원설, 유희 본능설, 모방 본능설이 대표 되는 주장들이다.제의 기원설은 태초의 인간들이 자연의 변화를 예측 불가능으로 보았기 때문에 신께 기원하는 제의를 치뤘다. 이 제의에 포함 되었던 춤, 노래 등이 연극이 되었다고 주장하는 설이다.유희 본능설은 인간은 노는 것을 좋아한다는 것에서 시작한다. 연극은 놀이이다. 이 주장은 인간이 좀더 즐겁게 생활하기 위해서 연극을 발전 시켰다는 주장이다.모방 본능설은 아리스토텔레스의 시학에나왔으며, 그 후 19세기에 들어와 사회풍속이나 서민의 생활을 객관적으로 묘사한 C.디킨스와 W.M.새커리, G.엘리엇-브론티어 자매 등이 사실주의경향을 보이며 이러한 영향을 받았다. 그 외에도 영향을 받은 작가들은 독일에서는 H.하이네를 비롯한 의 초기사실주의를 거쳐 G.켈러, T.슈토름, C.F.마이어, G.프라이타크, C.F.허벨 등에 의해 이른바 가 시작되었으며 후에 T.폰타네가 자연주의로 옮겨가는 다리 역할을 하였다. 러시아에서는 A.S.푸시킨의 뒤를 이은 N.V.골고리가 사실주의 소설을, 또 V.G.벨린스키가. 그 이론을 확립하였고, 이후 독특한 발전을 보이면서 A.I.게르첸, I.S.투르게네프 등의 , 다시 A.K.톨스토이에게로, 또한 F.M.도스토예프스키의 심리적 사실주의, 그리고 사회주의 사실주의의 창시자 M.고리키에게로 이어져 가며 러시아 사실주의를 탄생시켰다. 이탈리아에서는 낭만주의가 리소르지멘토(국가통일운동)와 결부되어 있었으므로 사실주의문학의 출발이 늦어졌으나 시칠리아를 무대로 G.베르가가 새로운 사실주의 수법을 수립함으로써 베리스모(사실주의, 자연주의 양쪽을 포함한다)가 탄생하였다. 그밖에 에스파냐에 B.페레스 갈도스, 포르투칼에 J.M.E.케이로스, 네델란드에 H.헤이예르만스 등 대표작가가 있다. 그러나 사실주의를 단순히 낭만주의의 반작용으로만 보는 것은 옳지 않다. 낭만주의는 고전주의에 반항하여 고전주의의 추상성, 보편성에 대해서, 구성상을 강조하고, 특수한 사상에의 관심을 높였기 때문에 이미 사실주의적 특색을 그 작품 속에 내포하고 있었다고 볼 수 있다. 지방색 등도 낭만주의의 발상이었으며, 사실주의 문하고가 밀접한 관련을 지닌 역사성 의 발달도 낭만주의가 탄생시켰을 뿐 아니라 그 발전을 촉진한 것도 낭만주의이다. 19세기 소설의 대부분이 역사적 이며 연대기적 의미를 지니고 발달한 것 또한 주지의 사실이다. 유럽의 사실주의는 문학적으로는 E.졸라 등의 자연주의 유파에 의하여 계승되었다. 경우에 따라서는 사실주의의 너무도 편향된 작간과의 관련성을 볼 때 매우 비유적이고 철학적이다. 마유라에서 공작의 모습은 사실적이 아니고 상당히 양식화 되어있다. 머리위에 벼슬 장식과 허리에 두른 깃털 띠를 제외하면 의상도 전체적으로 사실성을 배제하고 있다. 마유라가 공작 특유의 동작을 양식화하여 보여 주었다면 바나비다는 사슴의 생기있게 뛰는 모습과 화살에 맞아 고통 받는 모습을 대조적으로 보여줌으로서 비폭력의 메시지를 담고 있다.나비카는 사나운 폭풍 속에서 부서지기 쉬운 쪽배 위에 함께 타고 있는 부부의 삶을 상징적으로 그리고 있다.러퍼토리 중에는 달과 밤, 태양같은 우주적인 내용을 그린것도 있다.4.가면과 춤의 조화차아우의 춤사위는 가면이라는 특수한 도구의 표현적 기능성에서 생겨난다. 이둘은 각자 독립된 표현매체가 아니라 상호보완하지 않으면 존재할 수 없는 공동 운명체이다. 똑같은 가면 무용극 형태이면서 푸룰리아 차아우는 춤의 줄제, 춤 양식, 가면의 면에서 세라이켈라 차아우와는 매우 다르다. 푸룰리아 차아우의 주제는 단순화고 원총덕인 것이다. 라마야나와 마하바라타 같은 고대 서사시의 줄거리를 채택한 것으로 선과 악의 끝없는 투쟁 속에서 선이 반드시 승리하는 것을 그리고 있다.또한 푸룰리아 차아우에 등장하는 인물은 선과 악의 원형같은 것으로 그러한 역할에 알맞은 가면과 춤사위를 가지고 있다. 가면은 대개 선과 악을 상징하는 성질로서 선의 경우에는 자애로움과 엄격함을 악의 경우에는 흉직함과 교활함을 보여줄 분이다. 이런 단일한 느김을 극복하기 위해 차아우 춤중 가장 역동적인 동작을 취한다.세라이켈라 차아우의 춤사위는 가면을 착용하는 대신에 본래의 얼굴을 잃어버려야한다는 전제 위에 성립되었다.5. 기본적인 춤사위차아우를 연구하는 사람에 의하면 이 춤의 기원은 파리칸다의 무술훈련에서 찾을 수있다고 한다. 기본적인 춤자세를 분석해 보면 무사들의 훈련 체계와 흡사함을 발견할수 있다.차아우의 4가지 기본 동작은 4가지 유형의 동작에서 유래한 것이다. 먼저 바라타나티암의 아다부나 오릿사 춤의 f아라사처럼 한 발을는 이 작품의 사유는 우리에게 매우 익숙하다. 조상신을 불러 차례를 지내는 추석날에 반디꽃이 라는 영혼과 대화를 나눈다는 설정, 인연이라는 불교적 주제의식이 보여주는 동양의 전통적 사유에, 남편에게 매달려 애달복달하고 이웃의 눈치를 보며 허영 부리고 살아가는 여자들의 삶을 통해 돈과 남편의 상관 관계를 극명하게 보여주는 근대적 사고 방식과 풍경도 편안하게 받아들여지는 대목이다.한편, 일본 만화에서 흔히 나타나는 분절적인 표현과 가벼운 웃음은 낯설면서도 익숙한 측면이다. 아주 슬프고 심각하다가 갑자기 웃겨버린다거나 딱딱한 직선적 움직임으로 과장하여 표현하면서 빠른 속도로 몰고가는 것은 그간 내한 공연한 일본 연극들에서 공통적으로 발견되었던 특성인데, 우리의 젊은 대중 관객들이 이러한 측면을 비교적 쉽게 받아들이는 편이다. 그다지 관객 장악력이 충분하지 않은 연기자들 을, 연출은 이러한 일본 연극 스타일로 과장된 희화화와 빠른 속도로 몰고감으로써 아슬아슬하게 관리해내고 있다. 연극 평론가 이영미 글위의 글은 한 극단이 일본 작품을 공연한 것을 평론한 글이다. 이 글로만 보았을 때 일본은 그들의 전통문화를 가지고 서양의 리얼리즘을 받아드린 것 같다. 우리나라는 전통이 말살되어가고 있는데 그들은 자신들의 것을 지키면서 서양 연극의 장점을 받아드린 것이다. 우리 연극을 공부하는 사람들은 생각해봐야 할 문제이다. 일본 현대 연극은 자료가 없어 억지로 적어 죄송하게 생각합니다.(4). 스즈끼 연극론의 이야기스즈끼 연극론은 현대 연극이론과 너무도 동일한 부분이 많다. 아니 스타니슬라브스키의 이론이나 아르또, 브레히트 등의 이론을 가장 일본적으로 재해석한 책이라고 보는 것이 어쩌면 맞을지도 모른다. 여기서는 스즈끼 연극론이 말하는 주장들을 이야기 해보겠다.1. 연출에 관한 이야기연출가는 배우의 일을 도와 주고, 말과 배우, 배우와 관객, 이것들의 관계가 빨리 , 그러면서도 정확하게 연결할 수 있도록 하는 것 즉 장소를 만드는 사람인 것이다.많은 사람들이 모여 있는 장소를(공연시켜 준다.5. 진실과 신뢰 (Truth and Belief)무대상의 진실은 실생활의 진실과는 다르다. 다만 무대 위에서 믿는다는 것은 배우가 사물이나 사람을 관객이 믿어 주었으면 하고 유도하는 것이다. 그리고 이렇게 배우가 원하는 대로 관객을 믿게 해주는 능력은 극적 진실을 창조한다.이를테면 배우가 논리적 일관성을 가지고 '가령'의 도움으로 모든 것을 정당화하며 주어진 환경을 생각한다면, 자연히 과장된 연기를 하지 않을 것이며 그 행위는 진실해진 다는 것이다. 그리고 올바른 정서에 의한 신체적 행동을 훌륭히 수행하는 것은 특히 극의 비극적 순간에 선 배우에게 중요하다. 예를 들면 배우가 비극적 행동에 접근하는 경우, 과장연기에 빠져들도록 정서를 억지로 짜내도록 강요 받겠지만, 그러나 주어진 환경과 연관되어 있고 또 그것에 의해서 정당화된 행동을 진실하게 수행한다면 배우의 여러 능력들이 적용될 수 있다는 것이다. 결과적으로 주어진 환경 속에서 진실한 정서는 등장인물의 내면적 경험 속을 인도한다. 이렇게 억지로 행동하지 않아도 배우는 실생활과 마찬가지로 자신의 행동을 신뢰할 수 있게 된다. 따라서 어떤 대상의 도움을 받지 않는 올바른 정서에 의한 신체적 행동은 배우의 상상력, 주의집중은 물론 진실과 신뢰의 감각을 발전시키게 된다.6. 교감 (Communion)무대상의 진실은 실생활의 진실과는 다르다. 다만 무대 위에서 믿는다는 것은 배우가 사물이나 사람을 관객이 믿어 주었으면 하고 유도하는 것이다. 그리고 이렇게 배우가 원하는 대로 관객을 믿게 해주는 능력은 극적 진실을 창조한다.이를테면 배우가 논리적 일관성을 가지고 '가령'의 도움으로 모든 것을 정당화하며 주어진 환경을 생각한다면, 자연히 과장된 연기를 하지 않을 것이며 그 행위는 진실해진 다는 것이다. 그리고 올바른 정서에 의한 신체적 행동을 훌륭히 수행하는 것은 특히 극의 비극적 순간에 선 배우에게 중요하다. 예를 들면 배우가 비극적 행동에 접근하는 경우, 과장연기에 빠져들도록 정서를 억지로 짜내도록 강요.

예체능| 2002.07.30| 44페이지| 3,000원| 조회(1,386)

연극, 연극사, 스타니 슬라브스키, 스즈끼, 동 서양

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[연극] 낭만주의 연극 사조

낭만주의총론18세기에 주요한 유럽 국가들은 17세기 프랑스에서 확립된 고전주의를 일반적으로 계승함과 동시에 이성(理性)을 인식의 유일한 수단으로 삼은 계몽주의의 지배를 받았다. 고전주의는 보편절대적인 미(美)의 관념에 입각하여 엄격한 규칙을 세우고 복잡보다 간명(簡明)함을, 동적인 것보다 정적인 것을, 토속성보다 도회성을, 노골적인 것보다 우아함을, 파격보다 균제(均齊)를 중시하는 귀족문화였다. 그러나 18세기 중엽이 되면서 절대왕정의 이완 및 부르주아지의 발흥과 함께 인간을 있는 그대로 보려는 욕구가 분출하는 한편, 계몽주의 그 자체에서도 이성에 의한 비합리적인 면이 드러나자 지금까지 경시되었던 감각현상들에서 인간성의 진실을 찾음과 동시에 고전주의가 모범으로 삼은 그리스 ·로마의 고전고대(古典古代)로부터 자국의 과거로 눈을 돌리고, 거기에서 새로운 문화의 원천을 찾으려는 기운이 일어났다. 이 무렵에 일어난 1789년의 프랑스혁명은 사람들의 마음에 환멸감을 일으켰다.계몽주의의 최고의 성과가 이성에 의한 비합리적인 정치체제의 타파였는데, 혁명을 통하여 드러난 인간의 취악한 면을 보고는 절망하지 않을 수 없었다. 그들은 주변이 어지럽게 변하는 데 당혹하였으며, 모든 원리가 붕괴되는 것을 보고 일체에 대한 불신감을 갖지 않을 수 없었다. 이러한 정신의 폐허 위에 자신의 심성(心性)에 맞는 문화를 이룩하려고 한 것이 낭만주의 정신의 본질이며, 그 결과 자아(自我)에 대한 확인과 그 내부에로의 침잠(沈潛)이 시작되었다. 내면에야말로 진실이 있다고 주장하고 1798년 독일의 예나에서는 A.W.슐레겔과 W.슐레겔 형제가 《아테네움：Athenum》지를 창간하였으며, 영국에서는 워즈워스와 S.T.콜리지가 자연의 관조(觀照) 중에 상상력에 의한 우주와의 영적(靈的) 합일감(合一感)을 노래한 《서정민요집》을 간행함으로써 각기 자국 낭만주의의 효시(嚆矢)를 이루었다.낭만주의 문학그 기원은 인류의 역사와 함께 오래 되었으나 특히 18세기 말에서 19세기 초 사이에 유럽 전역에 걸쳐 아니다. 그럼에도 불구하고 그들은 미술의 각 분야에서 각기 특별한 의미를 가지고 있다. 낭만주의 회화에서도 본질적인 것은 그려지는 것, 곧 주제보다는 그리는 방법, 즉 주체적 방법 또는 주관적 표현에 있다. 부드럽고 생생한 표현양식은 고전주의와는 전혀 대조적으로 극히 유동적이고 약동적이며, 극적인 움직임과 안에서 우러나오는 힘의 인상을 만들어 낸다. 형식보다는 표현이 선행되고, 딱딱한 선이나 단정한 형태보다는 있는 그대로의 생생한 것으로서의 산뜻하고 강렬한 색채를 우선시킨다. 이리하여 오로지 아름다운 것만이 아니라 추한 것까지도 그려내는 것이다.건축의 경우와 마찬가지로 낭만주의 회화는 이성이나 자연이라는 이름 아래 바로크의 ‘꾸민 듯한 것’에 대한 반동에서 비롯된 것이다. 그리고 이 견해를 체계적으로 이론화한 사람은 그리스 미술의 ‘고귀한 단순성과 고요한 위대성’이라는 말을 한 미술사가 J.빙켈만이다. 그의 생각은 프랑스의 화가 비앙과 로마에 있던 독일의 화가 멩스, 스코틀랜드의 해밀턴 등에게 깊은 감명을 주었다. 낭만주의 회화의 요소는 이미 J.미셸의 풍경화, 지로데의 인물화, 그로의 전쟁화, R.보닝턴의 풍경화 등에 선구적으로 나타나 있었으나, 1818년 《메두사호의 뗏목》으로 물의를 일으켰던 T.제리코에 의하여 제기되었고, 낭만파의 거장인 들라크루아에 의하여 승리를 거두게 된다.1824년은 들라크루아가 살롱에 출품한 《키오스섬의 학살》로 명성을 얻는 해가 되었다. 이때 고전주의의 완성자 앵그르의 《루이 13세의 성모에의 맹세》도 《키오스섬의 학살》과 함께 출품되었다. 들라크루아의 작품을 보고 보수주의자들은 회화의 학살이라고 비난했으나, 다른 많은 사람들은 이것을 열광적으로 환영함으로써 명성을 얻게 되었다. 이로부터 앵그르와 들라크루아는 자타가 공인하는 라이벌이 되었고, 양극을 걷는 이 두 사람의 예술 경향은 양파로 갈라진 비평가들에 의해 부채질됨으로써 파리의 화단을 둘로 갈라놓게 하였다. 그리고 1831년에 살롱에 출품된 《민중을 이끄는 자유의 여신》으로을 희구하게도 하였다. 특히 공상세계에 대한 동경이 강한 낭만주의자에게 있어서는, 그 공상의 세계가 종교적 신비의 세계로 대치되는 일이 쉽게 생기게 되었다. 이와 같이 낭만파음악은 공상이나 환상의 세계를 노래했고, 종교적 신비나 신앙의 세계도 음악으로 표현되었다.1. 가곡가곡은 낭만파 음악에서 매우 중요한 위치를 차지하고 있으며, 특히 독일낭만파의 특징적인 음악으로서 성장하였다. 가곡의 창시자는 슈베르트이며, 그가 남긴 630여 곡의 가곡은 실러, H.하이네, L.울란트, F.뤼케르트, F.뮐러, 렐슈타프, A.자이들, 쇼버, 슈바르트, 괴테 등의 시에 의하고 있다. 그의 가곡은 자연스러우며, 시 안에서 자기의 생활을 느끼고 음악을 발견함으로써 가곡을 극히 높은 예술로까지 끌어올렸다. 슈베르트의 가곡은 슈만이 이어받았다.슈만의 혼은 슈베르트의 그것보다 한층 더 낭만적이며 섬세하고도 지적이었다. 문학적으로 높은 교양의 소유자였던 그는 시인의 사상 세부까지 파고들어, 아름답고 세련된 선율을 구사했으며, 반주(피아노)에 매우 큰 역할을 부여하였다. 슈만의 가곡은 슈베르트의 가곡에 비해서 노래하는 속에 이야기하는 기분이 훨씬 더하며, 이 경향은 브람스에 이르러 한층 더 심화되었다. 그의 가곡은 연소하는 정열을 교양으로 침잠(沈潛)시켜 극히 내연적인 것으로 하고 있다. 브람스를 잇는 볼프는 특이한 성격을 가진 사람인데, 더욱 더 이야기하는 경향을 강화하여 가곡을 사람의 목소리와 피아노에 의한 종합적인 음악으로 발전시켰다. 가곡의 계보는 G.말러, R.슈트라우스를 거쳐 M.레거에 이른다.2. 피아노소곡과 자유모음곡가곡의 기악화라고 할 수 있는 피아노소곡과, 그것들을 몇 곡 또는 수십 곡 모아서 만든 자유모음곡은 가곡과 함께 중요한 음악적 산물이다. 가곡의 특징으로는 시, 즉 문학을 기초로 하고 있다는 점, 한 곡의 규모가 작다는 점, 선율이 중심으로 되어 있다는 점, 생활 주변의 제재가 많다는 점, 사람의 목소리에 피아노반주라는 친근한 표현수단이 쓰인다는 점 등의 여러 너의 유파에 속한 브뤼크너가 낭만주의 양식으로서의 특징을 충분히 나타낸 교향곡을 썼고, 이것은 G.말러에게 계승되었는데, 여기서는 고전적 교향곡의 전통은 붕괴되고 대규모의 교향시곡으로 기울어졌다. 또한, C.A.프랑크는 베토벤에게 직결되는 내면적인 교향곡을 써서 프랑스 음악에 새로운 입김을 불어넣었다.낭만주의 연극낭만주의 연극은 고전주의와 계몽주의 시대의 이성(理性) 강조에 대한 반동으로 시작되었다.고전주의는 규범적이며 전형적인 것만을 강조하고, 법칙 ·자기억제 ·질서 등 균형 있는 형식미를 추구하며, 일상적이고 산문적인 것을 배제하였다. 또한 절도 있고 매사에 정확하며 정적(靜的)이고 이성적(理性的)인 것을 찬양하였다.이에 비해 낭만주의는 모든 규범과 형식을 배제하고, 사물과 사건의 간단명료한 묘사와 표현을 거부한다. 묘사와 표현의 자유, 개성을 강조하였다. 낭만주의자들이 추구한 것은 무한한 변화와 자유분방한 상상의 세계였다. 낭만주의는 자아의 해방을 목적으로 했으며, 예술에 있어 다양성과 상대성을 중요시하였다.독일 극작가 G.E.레싱은 《함부르크 연극론》에서 연극은 이성보다 관객의 감정에 호소함으로써 비로소 인간과 사회를 더 나은 것으로 변하게 할 수 있다고 주장하여 낭만주의 예술가들에게 적잖은 영향을 주었다. 그는 여기서 프랑스 고전주의 이론가들의 삼일치법(三一致法)에 대한 그릇된 해석을 비판하고, 비극과 희극의 구별이 없는 시민극(市民劇)의 필요성을 주장하였다. 그는 실제로 자신이 《미나 폰 바른헬름 Minna von Barnhelm》을 써서 자신의 주장을 시험하기도 하였다.좁은 의미에서 낭만주의 연극은 슐레겔 형제의 이론에서 시작된다. 형 A.W.슐레겔은 《극예술과 문학에 관한 강의》를 써서 연극의 광범위한 분야를 해설 ·비평하였다. 그는 극의 형식에 대해서는 별다른 관심을 보이지 않았으며, 비극이건 희극이건 중요한 것은 극적 분위기라고 강조하였다. 극에 있어 중요한 것은 플롯이 아니라 분위기와 감정, 그리고 강렬한 개성이라는 것이 그의 생각이었다. 사랑을 경험하였다. 1765년에 라이프치히대학에 들어가 법률을 공부하면서 자유분방한 생활을 보내다가, 1768년 각혈하여 고향으로 돌아와 요양생활을 하였다. 그 무렵에 신비주의와 중세의 연금술(鍊金術)에 관심을 갖게 되고, 어머니의 친구인 크레텐베르크의 감화로 경건파(敬虔派)의 신앙에 접근하였다. 그녀는 후일 《아름다운 영혼의 고백》의 모델이 되었다. 1770년 스트라스부르에서 법학 공부를 계속하기 위해 머무르면서 J.G.헤르더를 알게 되어 종래의 로코코 취미의 문학관은 철저히 분쇄당하고, 셰익스피어의 위대성을 배우게 되었다. 그리고 자연 감정의 순수성에 시의 본질을 구하려는 노력이 《들장미》의 가작(佳作)을 낳게 하였다. 이 무렵 근처 마을 목사의 딸 프리데리케 브리온과 목가적(牧歌的)인 사랑을 하였고 약혼까지 하였으나, 결국 일방적으로 약혼을 파기하였다. 그 후 회한(悔恨)과 마음의 부담 속에서 우울한 나날을 보내게 되는데, 이 때 겪은 내적 체험이 훗날 그의 시의 주제가 되었다. 1771년 변호사가 되어 고향에서 변호사업을 개업하였고, 1772년에는 제국 고등법원의 실습생으로서 몇 달 동안 베츨러에 머물렀다. 이 때 샬로테 부프와의 비련(悲戀)을 겪고 《젊은 베르테르의 슬픔 Die Leiden des jungen Werthers》(1774)을 썼는데, 이 작품으로 일약 문단에서 이름을 떨쳤고, 독일적 개성해방(個性解放)의 문학운동인 ‘슈투름 운트 드랑(Sturm und Drang:질풍노도)’의 중심인물로서 활발한 창작활동을 하였다.1775년에 바이마르 공국의 젊은 대공(大公) 카를 아우구스트의 초청을 받고 바이마르로 가서 여러 공직에 앉게 되고 재상이 되어 10년 남짓 국정(國政)에 참여하였다. 이 동안 그는 정치적으로 치적(治積)을 쌓는 한편, 지질학 ·광물학을 비롯하여 자연과학 연구에도 몰두하였다. 1784년, 동물에만 있고 인간에게는 없는 것으로 되어 있던 간악골(間顎骨)을 발견하여(죽기 1년 전에 학회에서 인정되었음) 비교해부학의 선구자가 되었다.

인문/어학| 2002.06.12| 13페이지| 1,000원| 조회(633)

낭만주의, 괴테, 연극사조

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[뮤지컬] 명성황후를 보고 평가B괜찮아요

뮤지컬 명성 황후를 보고 와서과목명: 무대구성담당 교수님: 이지영 교수님학과: 다매체영상학과학번: 97840043이름: 이정대뮤지컬의 후진국인 우리 한국의 위상을 세계에 떨친 창작 뮤지컬 "명성황후"가 광주 문예회관 대극장에서 공연이 되었다. 난 기대와 설레임으로 공연을 보러 갔다. 이문열 원작의 "여우 사냥"이라는 희곡을 김광림이 뮤지컬로 각색한 작품이다. 2장으로 나누어지는 이 작품을 내 나름대로 세부적으로 분석을 해보겠다.무대 장치스크린의 사용이 무엇인가를 보여주는 세트였다. 각 장의 막 변화를 스크린으로 구분 하였다. 스크린의 배경 그림은 너무도 사실적 이였으며 장소가 변화 할 때마다 마치 마술처럼 움직이는 무대의 스크린 변화는 관객을 흥분시키기에 충분 하였다. 이것으로만 해도 정말 괜찮은 무대 세트인데 실루엣으로 보여주는 일본과 조선의 인물들이 같이 등장 하는 모습은 연출 공부를 하고 있는 나로서는 입을 못 다물게 하였다. 또 스크린에 영상으로 프롤로그를 사용하는것도 괜찮은 아이디어 였다.회전 무대는 말 그대로 환상이였다. 무대가 회전을 하면서 바닥에 드라이 아이스가 깔리게 된다. 그리고 조명을 블루로 쏘아 바다를 표현한다는 것은 가장 평범한 아이디어 이지만 가장 교과서적으로 표현한 것이다. 또 일본 무사가 조선 사람을 밸 때 돌던 회전 무대는 내가 언젠가 써먹을 수 있는 것 같다.필요에 따라 무대 크기를 조절 하는 것도 기억에 남는다. 포그도 사용 하였는데 앤딩곡 '백성이여 일어나라'를 부를 때 포그의 사용은 연기에 신비로움을 주었다.조명보통 뮤지컬의 조명은 굉장히 화려하고 아름답다. 이것은 "명성황후"에서도 마찬가지이다. 여러 가지 색 조명은 이 극의 작품성에 도움을 주었다. 화이트 기본으로 전체를 잡은 후 색 조명으로 부분에 빛을 주어 다른 세상을 보여 주었다.내가 본 조명기는 팔로우 스팟 라이팅, 엘립(고보), 소파, 대파, 컴백스, 퍼넬, 무빙 라이트이다. 특히 무빙 라이트는 배우의 연기에 신비감을 더해 주었다. 또 색 조명의 젤라틴 색은 R, G, B, Y 이다.보통 뮤지컬은 조명으로 영역을 나누는데 "명성황후" 역시 그런 조명을 많이 사용했다. 예로 '참요'라는 어린 배우의 연기 때 나눈 조명이나 일본인과 조선인의 갈등을 표현한 이분법 조명은 기억에 남는다. 팔로우 스팟 라이팅은 총 3대로 공연하였으며 조명의 빛 변화는 너무도 아름다웠다.음향핀(무선) 마이크와 무대 중앙에 붐 마이크로 대극장 2층 무대까지 정확한 선율을 들려주었다. 연주가 라이브가 아닌게 아쉬웠다.의상내 생각에 "명성황후"의 가장 큰 볼거리는 의상일 것이다. 내가 본 의상은 사실적이고 화려했다. 이정도의 의상이 나오기 위해서 의상디자이너는 그 시대 역사 공부와 자료 리서치를 충분히 했을 것이다. 패션쇼를 했어도 성공했을 그런 의상이였다.소품이 극에서 소품의 주사용은 장소 변화였다. 또 경사적인 축제 때 장식으로도 많이 사용 되었다. 사실적이지만 특이한 것은 없었다.블러킹 라인전체적으로 무대를 다 사용한다는 느낌이 들었다. 구도가 그만큼 아름다웠고 잘된 것 같다. 단체로 나올 때는 V자 구도를 많이 사용 했고 두 명이 연기 할 때는 사선을 많이 사용 했다. 솔로 일 때는 조명을 처리해 기본을 충실히 지키는 구도를 보여 주었다.연기

예체능| 2002.06.12| 3페이지| 무료| 조회(2,873)

연극, 뮤지컬, 명성황후

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[예술] 르네상스 철학, 음악, 복식

르네상스 음악 개괄1. 르네상스와 자유로운 창작'르네상스'라는 말은 '거듭난다'는 뜻이다. 이 말은 처음에는 중세교회의 억압에서 벗어나 그리스 문화를 되찾자는 뜻으로 쓰였다. 그러나 세월이 지나면서 그 뜻이 넓어졌고, 쓰임새 또한 다양해졌다. 중세는 사람들의 생활과 생각이 크리스트교 신앙에 따라야만 했으며, 학문과 예술도 교회가 정해 주는데 따르지 않으면 안 되었던 시대였다. 그런 중세를 사람이 사람답지 못하게 살았던 '암흑의 시대'라고 비판하면서 사람다움과 자연스러움을 되찾자는 운동이 바로 르네상스운동이다. 이 르네상스 운동은 이탈리아의 피렌체를 중심으로 미술가들과 문학가들한테서 시작되었다. 그 대표적인 사람들이 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 그리고 단테나 보카치오 등이다.음악은 누가 앞서서 르네상스 음악 운동을 벌인 것이 아니다. 세상이 달라짐에 따라 자연스럽게 민속 음악들이 음악의 자리를 차지하게 되었으며, 자유스러운 음악 표현도 나타났다. 즉, 아르스 노바(새로운 예술) 운동이 모든 음악에 새로운 생명을 불어 넣은 것이다.중세의 교회 음악과 르네상스 음악을 비교해 보면 다음과 같다.① 시의 내용을 뚜렷이 살린 노래들이 나타났다. 시의 운율이 음악에 영향을 미치기도 했다.② 음악도 시처럼 느낌을 살리려고 애를 쓰게 되었다.③ 악절과 악절이 뚜렷이 구분되는 음악 형식으로 정리되었다.④ 소리의 울림과 높낮이가 다양해졌다.2. 인간 중심의 음악흐르는 듯 부드럽게 나아가는 그레고리오 성가에 비해 르네상스 음악은 약간 무디고 딱딱한 느낌을 준다. 그러나 여러 소리가 풍부하게 어울려 음악을 듣는 즐거움을 준다는 특징이 있다. 뿐만 아니라 악기들이 쓰이게 되었으며, 노래가 빠진 악기만을 위한 기악곡도 나타났다. 그렇지만 여전히 종교적인 주제를 가진 음악들이었다. 성가 역시 새로운 음악의 영향을 받아 크게 탈바꿈했다. 이어서 종교 개혁이 일어나자, 신교도들은 완전히 새로운 음악 형식에 따라 찬송가를 만들어 부르게 되었다. 민속 음악들은 여전히 민속 음악의 자리에 있이다. 합창과 기악이 잘 어울리는 '신성 교향곡'은 교향악의 시조이기도 하며, 오라토리오나 칸타타의 모범이 되기도 한다. 그의 오르간 음악은 아직까지 연주되고 있다.조반니 가브리엘리는 스승 빌라르트의 음악 정신을 가장 높은 데까지 끌어올린 사람이다. 호화 찬란하고 리듬과 빠르기가 다양한 그의 음악의 베네치아 악파의 대표로 여겨지고 있다.7. 르네상스와 독일 음악의 발전르네상스 음악에서 독일의 음악은 거의 드러나 있지 않다. 그러나 르네상스 음악이 꽃을 피우고 끝으로 열매를 맺게 되는 곳이 바로 독일이다. 19세기에 이르러 독일 가곡을 찬란하게 꾸민 슈베르트야말로 르네상스 음악의 마지막 후계자였기 때문이다.독일에서는 일찍부터 독창 가곡(리트)이 발달해 있었다. 민네쟁거와 마이스터징거의 음악은 다성 음악이기도 했지만, 독창으로 부를 수 있는 음악이었다. 15세기 독일에서는 글로가우 가곡집, 로하머 가곡집이 출판되었다. 그리고 몇 개의 가곡들을 한데 묶은 매우 재미있는 우스개 가곡집 쿼들리베트가 시민들에게 널리 불려지고 있었다. 독일의 가곡 작가로서 플랑드르 악파의 이자크를 들 수가 있는데, 그의 '인스부르크여, 안녕'은 500년이 지난 오늘까지 널리 불려지는 가곡이다.독일 음악에 가장 큰 영향을 미친 것은 종교 개혁이었다. 종교 개혁은 1517년 독일에서 마르틴 루터가 카톨릭 교회에서 반대해서 일으킨 새로운 종교 운동이었다. 교황청을 중심으로 한 교회의 권력에 반대하고, 오직 성서와 신앙만이 구원의 힘이라는 루터의 주장은 카톨릭 교회로 보면 엄청난 혁명이었다. 종교 개혁으로 이룩된 신교(프로테스탄트) 교회는 중세 이후 전해져 내려오는 종교 음악을 버리고 새로운 교회 음악을 찾게 되었다. 신교 교회는 게르만 민족의 성격과 민속 음악, 가곡을 써서 찬송가를 만들었다. 이것을 코랄이라고 부른다. 날이 갈수록 신교가 넓게 퍼지자 카톨릭 교회는 위협을 느꼈다. 그들은 신교에 대항하기 위해 카톨릭 자체를 탈바꿈시켜야 했다. 그 가운데 하나가 교회 음악을 바꾼 것이었다. 카톨은 플랑드르악파의 샹송과 달리 비교적 화성적인 경향이 강하며 민요풍의 생기 넘치는 무곡풍의 리듬에 의한 선율을 중심으로 대부분 4성이었다. 가사와 음악과의 결합이 더욱 밀접하게 되었고 프랑스어 억양이 리듬 가운데 적절하게 살아나고 있었다. 16세기 전반의 프랑스 샹송 작곡가로는 주목되어야 할 존재는 클레망 자느캥(Clement Jannequin)이다. 그의 묘사적인 표재 샹송은 특히 유명하며 새의 소리, 시장의 떠들석한 소리, 전투장면 등 의음효과를 가해 사실적이고도 묘사적인 표현을 하고 있다. 샹송으로는 꽤 장대한 「전쟁」(La Guerre), 「새의 노래」(Le Chant des Oiseaux)등이 그의 대표작이다. 그외 「멋진 유희」, 「아름다운 5월에」,「이 5월」등은 가요풍의 샹송으로 특유의 선율미와 광채가 나는 가작들이다.춤곡Side 1 : 15세기 곧 이탈리아에서 쓰여진 1-5번까지의 무곡은 사본으로 발견되었다. 그러나 레파토리는 14세기로 추정된다. 댄스곡은 세속적인 다성음악과 작곡(마드리갈, 발레, 캇치아, 비들레)와 몇몇 유형적인 곡들로 구성 되어있다. 게다가 우리가 선택한 것을 포함한 15곡-독창곡의기보법-들이잇다. 이러한 15무곡은 unica이다. 음유 시인들은 거의 그들의 작품을 쓰진 않지만 작품을 공원에서 즉석연주를 하 곤 한다. 도해의 증거(모형)든 우리에게 음악가들이 독창곡, 바이올린, 백파이프, (shawm)(중세의 오보에 종류)플루트, 작은북, 종 그리고 조그마한 케틀드럼(큰북)뿐만 아니라 앙상블에서 연주하는 것을 보여준다. 아마 오늘날까지 남 스페인, 그리스, 발칸반도의 전통적 민속음악에서 연주자에 의해 연주되고 즉흥적으로 꾸며진 멜로디는 평행 5도와 8도의 반주를 하게 되고 지속되는 단조로운 저음에 의해 받쳐지고 있다. 이러한 악기의 (오르간)연습은 중세로 거슬러 올라간다. 우리는 그것을 현재의 댄스곡에 재성립하도록 하여했다."Lamento di Tristano"에서 플룻은 main part에 걸쳐 장식된 해석을 나타낸다. 갖고 있었다. 이중 Vihuela de mano는 손으로 튕겨 소리내는 비우엘리로 가장 대중적으로 사용되는 악기가 되었다. 비우엘라 반주에 의한 독창곡은 대개 비얀시코나 로만세였다.건반악기현으로된 건반악기로서 클라비코드(clavichord)와 하프시코드(harpsichord)의 2가지 형태가 있었다. 하프시코드는 또한 스피넷(spinet), 버지널(virginal, 영국), 클라브 생(clavecin, 프랑스), 클라비어(klavir, 독일)등으로 불리기도 하였다.기악 음악의 종류르네상스시대의 타악기는 주로 종교의식, 군사적 목적으로 신호나 전투를 격려할 때, 춤추는데 사용되었다. 종, 심벌즈, 작은북, 탬버린, 팀파니, 덜씨머(dulcimer)등이 있었다. 덜씨머는 고정된 쇠줄에 막대기를 쳐서 소리를 내는 악기이다.기악음악은 성악과 관계되어 성악성부를 중복하거나 채치하여 연주되던 것이 르네상스 시대부터 악기를 위한 음악이 작곡되기 시작하였다. 이들 기악곡은 성악음악에서 유래된 곡과 춤곡, 변주곡, 그리고 즉흥곡의 네가지 유형으로 나눌 수 있다.1) 성악에서 유래된 곡이 당시 성행하였던 폴리포니의 대위법적인 모방형식을 두드러지게 사용하였다. 모테트를 오르간으로 편곡한 형식도 당시 보편적이었으며 모테트 양식으로 작곡된 독창적인 오르간 작품을 리체르카레(recercare)라 하였다. 이와 같은 작품들은 류트 및 기악 합주용으로 작곡되기도 하였다. 그리고 프랑스 다성 샹송에서 유래한 푸가형식을 칸초나(canzona)라 불렀다.2) 춤 곡16세기 중엽부터 춤곡은 사교장 뿐만 아니라 극장에서도 유행하였으며 상류사회층의 사람들은 춤을 즐겼다. 르네상스 춤은 1상 혹은 3단계로 구성되었다. 1쌍으로 구성되는 춤에 있어서는, 첫번재 춤은 누린 템포로, 두 번째 춤은 빠른 템포와 박자변동으로 진행되었다. 1상 춤곡(Dance pair) 가운데 가장 인기 있었던 것은 2박자의 느린 템포로 진행되는 파반느(pavane)와 3박자의 빠른 템포로 진행되는 가야르드(gaillarde의 의미를 표현하는 것을 가장 중요한 목표로 삼았으며 이를 위해 반음계적인 변형을 효과적으로 사용하였다. 이러한 그의 취향은 16세기 후반의 다른 작곡가에게 많은 영향을 주었으며 몬테베르디는 그를 존경하여 "그의 화성은 가사에 정확하게 순응한다"고 하였다.로레 외에 중기 마드리갈 발전에 기여한 플랑드르 작곡가로는 라수스, 몬테(Philippe de Monte, 1521-1603), 베르트(Giaches de Wert, 1535-96)가 있다.후기 마드리갈16세기말 부터 17세기 초는 이탈리아 마드리갈의 전성시대로서 이전과는 달리 이탈리아 출신 작곡가들이 마드리갈 작곡에 주도적인 역활을 하였다. 마렌치오(Luca Marenzio, 1553경-99), 제주알도(Don Carlo Gesualdo, 1561-1613)와 몬테베르디(Claudio Monteverdi, 1567-1643) 등이 이시대의 대표적 작곡가이다.마렌치오는 북 이탈리아 브레시아(Brescia) 부근 코카리오(Coccaglio)에서 태어나 브레시아 대성당의 소년 합창단원으로 활약했으며 이 지역의 악장 콘티노(Giovanni Contino)에게 사사한 것으로 전해진다. 1577년 23-24세때 이미 마렌치오의 작품이 출판되었던 점은 이 작곡가의 음악적 재능을 짐작케 하는 일이다. 그는 1578년 부터 86년에 걸쳐 로마 추기경 루이지 에스테(Luigi d'Este)를 섬겼고 추기경의 사후에는 신치오 알도브란디니(Cinzio Aldobrandini), 만토바의 곤차가가, 피렌체의 메디치가와의 관계를 가졌다. 1589년에는 피렌체에서 페르디난드 대공의 결혼 축제를 위한 「인테르메디오」(Intermedio)가 상연되었다.마렌치오의 작품은 5성 마드리갈 9권, 6성 마드리갈 6권, 4성 마드리갈 1권, 3성 비라넬라 5권 등, 1580년 부터 99년 까지에 걸쳐 간행된 세속 작품이 약 420곡 된다. 종교음악곡으로는 5성 종교적 마드리갈, 4성 모테트, 그외 5성∼ 7성의 종교합창곡이 약 80곡이 된다. 마

인문/어학| 2002.06.12| 25페이지| 2,000원| 조회(650)

복식, 르네상스, 음악, 철학

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