1920년대의 미국영화에 관하여..1. 1920년대 이전의 영화의 흐름인류는 옛날 옛적부터 영화를 꿈꾸어왔다고 말했듯이 옛날부터 많은 사람들이 상상은 해왔지만 19C말에 와서야 그것을 실현할 수 있는 기술이 생기게 되었다. 최초의 영화가어느 것이었느냐에 대해서도 여러 가지 논란거리가 많기는 하지만 영화인과 필름, 그리고 관객이 존재했던 뤼미에르의 '기차의 도착'을 일반적으로 최초의 영화라고 한다. 그당시 프랑스에 살던 마술사 멜리어스는 영화를 마술에 이용할 수 없을까해서 뤼미에르의Cinematographe를 구하게 되고 그것으로 영화에 대한 여러 가지 실험을 하게 되었고,오버랩, 이중인화 등 여러 가지 편집기술을 발견하게 된다. 이러한 실험정신과 공로로멜리어스는 전위영화의 아버지라고 불리 우기도 한다. 멜리어스가 발견한 기법들을 효율적으로 사용해서 편집을 이야기 전개의 수단으로 끌어올린 사람은 D.W.그리피스였다.그의 영화 '국가의 탄생'에서의 편집은 후에 소련의 영화감독들에게 영향을 미쳤고, 영화의 새로운 가능성을 보여주기도 하였다.한편 그 당시(1914-1919)에 미국에서는 후에 유행하게 될 희극영화의 전통이 확립되고있었는데, 채플린과 현대의 우디알렌에까지 이어진다. 이때부터 영화가 돈을 벌 수 있다는 것이 세상에 알려지기 시작했고 헐리우드에 여러 영화사들이 차려진다. 이때부터 영화예술가와 사업가들 사이의 끊임없는 싸움이 시작된 것이다.2,30 년대 프랑스에서는 아방가르드와 인상주의에 입각한 영화들이 유행이었다. 세계예술의 수도라고 불리우는 파리의 화가들이 직접영화에 뛰어들기도 하였고, 예술과 예술가에 대한 이야기들이 쏟아져 나왔다. 예술을 위한 예술, 사회를 위한 예술의 이야기가 들끓었다. 그러나 이 운동들은 사운드의 도래이후 발성영화에 소요되는 제작비 증가로 인해서 쇠퇴하고 만다.이 시기에 미국에서는 대기업화된 메이져 스튜디오들이 발생하게 된다. 이러한 때에비교적 작은 회사인 워너 브라더스사에서 대사와 음악, 그리고 기타 음향을 합성한최초의 극영화 '으로 변화시켰다. 그는 1920년대 초부터 대본, 감독, 주연, 작곡 등 거의 모든 부분을 직접 하였으며. 1919년 그리피스, 메라 픽보드, 더글라스 페어뱅크와 연합하여유나이티드 아티스트(United Artists)를 설립하기에 이른다.1920 년대 초에는 장편과 단편을 혼합하기 시작하였다. 이에 장편을 도입하면서 더불어 부상한 사람은 독립 제작사들이었고, 프린트들이 극장의 순회상영을 마친 뒤에 제작사에 되돌아가는 임대 시스템이 발전하였다. 독립 제작사들은 1908년 설립되어 장편영화에 저항했던 트러스트(Trust)사의 법적 교란과 집단 폭력을 피하기 위해 뉴욕에서 남부캘리포니아로 옮겨갔다. 여기에서 대량 제작된 영화들은 내용이나 형식면에서 거의 같은것이나 다름이 없었다. 즉, 영화는 기본적인 차이 없이 다양한 환상을 창조하기 위해,판에 박은 영화(서부극, 희극, 액션 -모험영화, 여성용 영화)들의 양식이 발달하고 각양식 내에서 순환(시골풍 희곡, 요부, 전쟁이야기) 하였다. 또한 좀더 많은 관객들을 모으기 위해서 고안된 것은 인기배우에 대한 선전이었고, 마지막으로 기업 전체는 과장된, 다양한 선전, 광고물을 이용하였다. 이 시기에 극장 주들의 프린트 거래는 제작자들 사이의경쟁이 심해지고 대중들이 식별력이 생김에 따라 점차로 팔기보다는 빌려주는 관례가 발전하였다.소희극 프로그램의 일부로 시작되었던 영화상영은 영화들이 길어지고 서술적으로 된1905년부터 지방 장의사에 빌린 의자들을 개조하여 객석을 만든 5센트 극장(nickeloden)에서 상영되기 시작하였다. 장편의 도입과 영화의 증대된 대중성으로 인해기존의 연극상영극장은 영화를 보여주도록 바뀌었고, 생겨났지만, 1920년대까지는 영화를 위해 특별히 설계된 극장은 널리 세워지지 않았다.4. 1920 년대의 헐리우드 (1919-1929)1920 년대에는 메이저 스튜디오로 발전한 기존의 독립 제작회사간에 제한적이지만 상당히 심한 경쟁이 있었다. 1927년까지는 일년에 대략 4,5백 편의 장편 영화가 제작되었다.대경제적인 필요성만이 아니라 어느 정도의 문화적, 미학적, 정치적인 필요까지 포함돼 있다. 기술 개발은 한 사람의 발명가에 의해서도 이루어질 수 있지만그 기술을 대규모로 채택하는 문제는 다른 문화적인 조건들에 달려 있다.흔이 영화의 역사는 기술 개발의 역사라고 쓰여져 왔는데, 이 때 '개발 development'라는 말은 무성 영화로부터 유성영화로 발전해 왔다는 의미로 쓰인다. 이것이 함축하고 있는 의미는 앞으로 우리가 간단히 살펴보겠지만, 영화란 가능한 한 '리얼리스틱 realistic'해야 한다는 영화의 정의와 관련된 (논쟁거리가 될 수 있는)가정에 근거하고 있다. 영화에 사운드를 도입할 산업상의 이유에 대해서는 많은 주장들이 제기돼 왔다. 그 중의 한의견은 할리우드 메이저사들이 재정적인 어려움에 봉착해 있었다는 점을 들고 있다. 관객은 점점 줄고 1920년대 중반에 '영화관'이 엄청나게 늘어나게 되자 영화산업은 가장 대중적인 영화를 통해 어쨌든 이윤을 남겨야 하는 입장에 처해 있었다. 워너 브라더스는 일련의 단편 영화와 뮤지컬 를 통해 사운드를 최초로 도입했는데, 당시 워너사는 거의 파산 상태에 직면해 있었고 마치 물에 빠진 사람처럼 유성 영화에 마지막 기대를걸고 있었다는 주장이 있다. 그러나 당시 워너사는 타사와의 경쟁에서 어려움을 겪고 있던 메이저사가 아니었다. 실제로 그들이 필요로 했던 것은 그 어느 영화사도 가지고 있지않은 새로운 제품이었다. 사운드가 바로 그것이었다.사운드의 도입으로 영화의 내러티브를 사실적이고 보다 복잡하게 짜 낼수 있게 되었다.여기서 리얼리즘이란 단순히 이데올로기적인 입장을 지칭하는 것이 아니라 명백히 미학적인 것이다. 대화를 재생하는 것이 가능하게 됨에 따라 극영화는 현실의 삶과 다시 연결되었고 영화 산업은 대화 장면을 촬영하고 편집하는 관습을 빠른 속도로 개발했다. 확실히극영화는 리얼리즘 소설처럼 세계를 리얼리스틱하게 구축하려고 하며, 이를 위해 등장 인물에 심리적인 깊이를 더하고 그것을 실생활의 관념 속에 자리매김 한다. 산업의 속성과 경영에 가장 중요한 영향을미치는 요소였다. 이러한 판매 방식은 오늘날 지나간 영화를 TV에 팔아 넘길 때도 여전히적용되고 있다.수직 통합의 영향 가운데 하나는 회사 자본의 토대가 확대되었다는 점이다. 왜냐하면 은행으로부터 돈을 끌어들여 대중 매체 회사에 쏟아 부었기 때문이다. 기업 합병과 이에따른 채무 관계가 늘어나면서 외부의 도움이 필요해 졌고 이것은 대공황 시기에 영화 산업이 금융시장의 움직임에 취약한 면을 내보일 수밖에 없도록 만들었다. 결국 영화 산업은 금융 시장의 인질이 되어 버렸던 것이다.또 다른 영향은 1920년대 이전부터 시작된 스튜디오 시스템을 진전시키고 공고히 했다는 점이다. 스튜디오 시스템은 극영화의 생산과 마케팅에 대한 또 다른 통제 수단이었다.스튜디오가 자신들이 생산한 영화를 자신들의 배급망을 통해 극장 상영권까지 확보하고있는 경우, 가장 인기 있는 배우들과 독점 계약을 맺어 '레퍼토리 컴퍼니 rep-ertorycompany(여러 영화에 출연시키는 방식)'로 이용해 경제적인 이득을 얻을 수 있었다. 영화 생산 회사들이 직접 그 영화의 상영 여부와 뉴욕이든 페오리아든 어느 도시에서 상영할 것인지를 결정할 수 있는 상황이었기 때문에, 스타 시스템이 발달할 수 있었고 어떤스튜디오를 특정한 영화와 동일시하는 경향, 감독에 대한 스튜디오의 통제 등이 가능하게되었다.마침내 워너 스튜디오와 같은 보다 규모가 작은 경쟁사들은 이러한 구조로부터 밀려 나갔고 이것은 결국 극영화에 사운드를 도입하는 일련의 계기가 되었다. 물론 사운드의 도입이 스튜디오 시스템을 공고히 한 측면도 있는데, 사운드 때문에 야외 촬영이 더 어려워져 스튜디오에 '사운드 무대'를 따로 설치하는 것이 필요해졌기 때문이다.사운드의 진기함이 점차 사라지면서 세계 시장에서 미국 영화산업이 차지하는 점유율도하락했다는 견해가 있다. 확실히 사운드의 도입은 번역의 문제를 유발했고 외국어가 갖는세밀한 의미를 이해해야만 하는 경우 사운드의 묘 미가 떨어지는 것은 당연하다. 그래서 영의 이 대작은 1968년에 스탠리 큐브릭이를 발표할 때까지는 SF로서 비견할만한 작품이 없다는 찬사를받았다.이 작품은 우선 제작규모면에서 전례없는 초대작이었다. 세 시간이 넘는 러닝타임은물론이고, 촬영 작업도 당시 대부분의 영화들이 몇 주만에 끝냈던 것에 비해 무려 16개월간이나 소요되었다. 출연자가 37,383명에 달했고 제작비는 7백만 마르크를 상회했다. 이때문에 제작사인 UFA는 파산 위기에 몰렸다가 나중에 다른 회사에 합병되고 말았을 정도였다.자본가와 노동계급의 갈등을 '사랑'이라는 매개물로 해소한다는, 다소 나이브한 결말로맺어지는 흠 때문에 H.G.웰즈 같은 사람들은 이 작품에 '가장 바보같은 영화'라는 혹평을하기도 했다. 프리츠 랑 자신도 1959년에 '나는 를 싫어한다. 결말이 그렇게 된 것은 잘못이었다. 만든 당시부터 그 작품을 좋아하지 않았다.'라고 말한 바 있다.는 1984년에 음악가이자 프로듀서이기도 한 조르지오 모로더가 판권을사들여 색채와 음악을 입히고 83분 길이로 재편집하여 새롭게 내놓았다. 이 편집판은 국내에서도 심심찮게 감상할 수 있는 기회가 있다.미국의 컬럼비아사가 1928년에 제작한 은 과학기술 발전의 부정적인영향, 특히 군사적 목적으로 이용하는 경우의 파국적인 결과에 대해 고찰한 초창기의 얼마 안되는 작품들 중 하나이다. 이 영화에서는 치명적인 신경가스의 발명자를 등장시켜화학전의 위험성을 경고하고 있다. 73분 길이이다.한편 1929년에 영국에서는 를 본딴 를 내놓았으나, 여러 면에서 졸작이라는 평을 받았을 뿐이다.8. 허리우드 영화의 변천사1895 년 12월 28일, 파리 변두리의 그랑카페(Grand Caf'e)에서 루이와 오귀스트 뤼미에르 형제가 〈기차의 도착〉 등 다분히 기록성이 짙은 세 편의 영화를 상영한다. 이것은다가올 20세기가 활자시대에서 영상시대로 바뀜을 알리는 서곡이었다. 비록 플라톤의'동굴의 비유'를 무기로 삼아 영화의 해악성을 논쟁거리로 삼는 활자의 마지막 세대가 심심찮게 있었으나, 아무도 영상의 시대가 도
볼링의 모든 것..볼링 게임2002. 06. 14교수님볼링의 역사1) 고대 이집트 시대부터볼링의 기원은 명확하지는 않으나 1920년 영국의 고고학자인 프란다스 페트리 교수가 이집트의 고분을 발굴하는 도중 BC 5천년 경 이상 된 것으로 보이는 어린아이 무덤 속에 요즘의 볼링 기구와 비슷한 유물이 발견되어 큰 화제를 모았다. 당시 이집트에서는 죽은 사람이 생전 가장 즐기고 중요하게 여긴 것을 무덤에 같이 매장하는 풍습이 있었던 것으로 미루어 고대 이집트에서는 어떤 형태로 든 볼링이 행해졌으리라 추측할 수 있다. 때문에 볼링의 기원을 따질 때는 이 고분에서 발견된 볼과 핀을 원형으로 해서 약 기원전 5천여 년경으로 잡고 있다. 이것을 오늘날 지구상에 생겨난 최초의 볼링 용구로 보고 있다. 물론 이에 대한 어떤 기록도 남아 있지 않아 고대 이집트인들이 어떻게 볼링 경기를 즐겼는지는 알 수 없다.2) 종교의 의식으로 성행중세 유럽에서는 볼링이 '보울즈'라고 불리며 사람들 사이에 널리 유행했다. 나무토막과 나무 볼을이용해 잔디 위에서 행해지는 게임이었는데, 최초의 실내 레인은 1455년 영국에서 탄생했다. 이 무렵 독일 교회에서는 볼링이 '케글링(kegling)'이라는 종교 의식으로 변모해 더욱 많은 사람들에게 알려지는 계기가 됐다. '케게르'라고 하는 막대기를 긴 복도 한구석에 세워 놓고 이를 악마로 간주, 둥근 물체를 굴려 쓰러뜨리는 의식이었다. 이때 '케게르'를 쓰러뜨리면 신앙심이 두텁고, 그렇지 못하면 신앙심이 부족하다고 여겨 사람들은 매우 신중하게 이에 참가했다. 지금도 독일에서는 볼러를 케글러라고 부르고 있다. 그러다가 점차 즐기기 위한 게임으로 발전한 것이다.3) 볼링과 마틴 루터볼링의 역사를 얘기할 때 종교 개혁의 아버지로 불리는 마틴 루터를 뻬놓을 수있다. 그는 케글링광이었고, 볼링의 기본 규칙을 처음으로 마련한 인물이기 때문이다. 볼링은 그 때까지 일정한 규칙 없이 행해지다가 마틴 루터에 의해 핀의 수가 9개로 정해지고, 다이아몬드형으로 배열되는 등 측면을 가리킨다. 볼링에 있어 정신적인 면은 점수 혹은 승부에 많은 영향을 미친다. 그러므로 볼링의 정신적인 측면에 대한 연구는 이미 상당한 수준에 올라와 있다. 초보자의 경우 볼링은 단지 공을 레인에 굴리는 단순한 운동이라고 생각하고 있으나, 볼링에서의 정신은 매우 중요하다. 볼링은 집중력 싸움이라 해도 과언이 아니다. 정신적으로 불안정한 상태에서는 좋은 게임을 할 수 없다. 또 정신적으로 압박을 받으면, 볼이 레인에 보이는 반응을 완전히 파악하지 못하고, 레인이 알게 모르게 볼에 미치는 영향을 이해하지 못한다. 그래서 죄 없는 볼링장 탓을 하게 되는 것이다. 종종 이런 집중력 부족의 결과로 정신 자세가 저하되고, 궁극적으로는 자신감이 부족의 결과로 정신 자세가 저하되고, 궁극적으로는 자신감이 부족해진다. 바로 이것이 '정신적으로 불안정해지는' 주된 이유인데 이 멘탈 게임에 대해 전문가들은 이렇게 말한다. "능력은 자신감과 일치한다." 물론 볼러의 능력에 영향을 미치는 것은 두 가지가 있다. 첫째, 지식, 둘째는 연습이다. 이 두 가지는 상황이 악화되고 시합에서 궁지에 몰렸을 때, 풀어나가는 정신자세를 유지시켜 줄 '무기'이다.3) 인간의 본능을 자극하는 스포츠볼링의 매력은 여러 가지가 있겠지만 그 중에서도 바로 인간의 파괴의 본능을 충족시켜주는데 있다고 할 수 있다. 눈앞에 있는 열 개의 핀이 동시에 쓰러질 때 느껴지는 쾌감은 바로 볼링을 중독의 길로 이끄는 첫 번째라 할 수 있을 것이다. 그리고 볼링은 하면 할수록 어렵다는 것, 그 것이 바로 매력이라 할 수 있을 것 이다. 하면 할수록 어렵다는 것은 바로 누구나 즐길 순 있지만 누구나 모두 잘할 순 없다는 뜻도 된다. 그 러나 힘이 부족한 여성이라 할지라도 꾸준히 즐기면 높은 애버리지가 나올 수 있다. 그리고 현대인들에 게 부족한 운동을 간단하게 해결 하면서도 스트레스까지 날려 버릴 수 있는 일석이조의 역할까지 할수 있는 것이다.볼링 에티켓많은 사람들이 게임을 즐기는 볼링장에서는 자신의 행동이 다른 사흐름으로 연속되어야 하는데, 팔의 앞 뒤 스윙이 스텝과 연결될 때의 동작이 매끄럽지 못하고 부분적으로 멈춤이 있다면 팔에는 볼의 무게를 많이 느끼게 될 것이고 올바른 진폭 형성이 안 될 것이다. 특히 처음부터 파괴력 있는 볼을 던지기 위해 어깨와 팔에 힘을 가하다 보면 이런 현상이 일어나는데 볼과 자기 팔의 스윙과 몸의 균형이 적절하게 이루어지도록 유연성과 리듬을 갖도록 노력해야 할 것이다.볼링의 기본 자세1) 어프로치(스텝을 위한 준비 동작)볼링을 하기 위해서 최초로 취하게 되는 행동이다. 어떠한 위치에 어떤 자세를 취할 것인가 하는 것은 가장 중요한 문제이다. 정확한 시작 지점과 발의 위치는 스트라이크를 만들기 위한 최초의 행동 자세이기 때문이다. 따라서 어프로치 위에 최초 자세를 취하기 위한 단계별 과정을 세부적으로 알아보기로 한다.(1) 어프로치 위에 올라가기 전 준비우선 볼에 묻은 기름과 먼지를 마른 타월로 깨끗이 닦아내고 스트라이크를 만들 수 있는 가상의 목 표 지점과 파울 라인상의 가이드 스폿을 연결시켜 서야 할 최초 위치를 머리 속에 그려본다. 이 때 머리 속에는 오직 스트라이크를 만들어야겠다는 생각 이외에 다른 생각들은 떨쳐 버리고 가상의 스텝 위치, 몸의 자세, 릴리스 타이밍 등을 구상해야 한다.(2) 스탠스 스폿 위치 선정파울 라인으로부터 스탠스 스폿까지의 거리는 사람마다 보폭이 다르기 때문에 서는 위치도 각기 다 르다. 만일 보폭이 좁다면 보폭이 넓은 사람보다 파울 라인에 가깝게 서는 자리를 잡아야 한다. 자기 에게 맞는 위치를 정하려면 먼저 파울 라인에서 거꾸로 계산해 가는 것이 가장 효과적이다.4스텝을 사용하는 볼러의 경우 핀을 뒤쪽으로 하고 파울 라인에서 5cm 정도 거리에 발꿈치를 두고 오른발부터 4보 걸어나와서 1/2보를 더하여 뒤로 돌게 되면 그 지점이 알맞은 스탠스 스폿 위치가 되 는 것이다. 1/2보를 더 나오게 하는 것은 마지막 스텝이 슬라이딩되어 미끄러질 때 볼을 놓게 되는데 이 때에 파울 라인을 넘어가지 않게 하기 위한4보 스텝1) 어드레스(출발 전 자세)먼저 자신의 출발점(스타팅 스폿, 스탠딩 포지션, 퍼스널 넘버)을 정한 다음에 왼발을 올려놓고 오른발을 판자 3쪽(장, 매) 정도 간격을 두고 가볍게 붙여 서는 방법과 양쪽 발을 가지런히 붙여 서는 방법이 있는데 이 두 가지 방법은 양쪽 발끝을 가지런히 놓고 서며, 왼발과 오른발을 앞과 뒤로 약간 벌려서는 방법 등 3가지가 있다.어프로치에는 스타팅 스폿(출발점)이라는 표시가 있다. 어프로치 좌우로 5군데의 지점에 까만 동그라미 표시의 출발점을 기준으로 오른손잡이는 중앙보다 약간 왼쪽으로 서고 왼손잡이는 중앙보다 약간 오른쪽에서 서는 것이 기본이다.볼의 위치는 오른쪽 어깨가 목표를 겨냥하기 때문에 양쪽 어깨를 잇는 선에 직각으로 오른쪽 어깨 앞쪽을 향하게 하고 볼이 어깨 위로 올라가지 않을 정도로 잡는다. 이 때 오른쪽 팔꿈치가 등뒤로 빠지지 않도록 해야 한다.몸과 볼의 거리는 주먹 하나 떨어질 정도가 적당하다. 이 때 손목은 구부러지지 않도록 펴야 한다. 초보자의 경우에는 손목 아대를 사용하면 굽어지지 않아 안정되게 볼을 던질 수가 있으며, 팔목의 힘이 좋은 볼러는 하지 않아도 괜찮다.엄지는 볼의 휘어짐(방향)을 결정하는 데 중요한 역할을 한다. 볼을 잡는 위치에서 엄지의 방향은 10시에서 12시 방향이 좋으며, 이 때 왼손이 볼 무게의 약 60%를 볼 밑에서 받쳐야만 오른팔과 어깨에 힘이 덜 들어가게 된다.무릎은 약간 구부리고 상체도 약간 숙이며, 시선은 목표점, 즉 에임 스폿에 두어야 한다. 또한 시선은 투구가 끝날 떠까지 목표점에서 떼지 말아야 좋은 투구를 할 수 있다.2) 푸시 어웨이(Push Away)푸시 어웨이는 제1보를 앞으로 밀어낸다는 뜻으로 이 첫 번째 동작인 푸시 어웨이가 제대로 되어야만 원하는 데로 볼이 제대로 갈 수 있고, 볼이 탄력을 받아 힘을 얻게 된다.자세는 양어깨를 핀에 정확하게 향하고 상체가 약간 앞으로 굽은 모양이 되도록 한다.먼저 오른쪽 발의 뒤꿈치부터 앞으로 30 40cm 정도 가볍게 내가 될 것이고, B 형태는 C점에서 이상적인 투구 타이밍을 갖게 된다. 상급자와 프로의 릴리스 타이밍은 99%가 B 형태이다. 그러나 상황에 따라 A 형태나 C 형태를 선택하여 투구할 때도 있다.올바른 릴리스를 하려면 허리를 낮추고 왼쪽 무릎을 충분히 구부려서 릴리스 타임과 위치, 높이와 방향 등이 동시에 잘 조화를 이루도록 해야 하며, 볼의 스윙과 스텝의 정지점까지 팔과 다리 리듬이 잘 맞아야 이상적이 릴리스가 가능하다. 이 때 허리가 높으면 볼에 가속도가 붙지 않으며, 쿵하고 레인에 볼을 떨어뜨리게 되기도 한다. 4보째 스텝의 어프로치 중 마지막 스텝이 약간 미끄러지면서 정지하는 순간에 손가락에서 볼이 떨어져 나가는 편이 가장 알맞다고 본다.대부분의 초보자는 스텝보다 팔의 스윙이 늦어져서 릴리스 타임이 늦어지는 경우가 많다. 이런 현상은 어깨의 이동이 끝난 다음 볼의 운동이 진행되어 진폭이 줄어들면서 볼의 이동 탄력이 감소되기 때문이다. 볼의 위력이 떨어져 회전이 감소되고 볼러의 동작이 부자연스럽게 된다. 최종 스텝은 파울 라인 5cm 정도에서 왼쪽 발목이 약 30도 정도 왼쪽으로 향하게 하여 체중이 완전히 얹히게 하여 멈춘다.이와 동시에 원심력에 의한 볼의 무게를 이용하여 자연스럽게 굴러가는 느낌으로 파울 라인의 앞 약 10 15cm 정도에 착지하도록 볼을 놓는다. 그러나 빠른 레인(레인에 오일이 많아 볼의 미끄럼이 심함)일 때는 조금 파울 라인에 가깝게 볼을 놓고, 느린 레인(레인에 오일이 적어 볼의 휘어짐이 심함)이나 오른손 볼러의(왼손 볼러는 7번 핀) 10번 스페어 처리시는 조금 파울 라인에서 멀리 볼을 놓는다.이 때 양어깨는 파울 라인과 평행하게 유지시키며, 턱을 들지 말고, 목표에서 시선이 떨어지지 않도록 한다. 볼을 잡은 팔은 팔꿈치를 굽히지 않고 곧바로 힘껏 앞으로 밀어내도록 하고 손목을 뒤로 젖히거나 무리한 힘을 넣어 비틀어서는 안 된다. 볼을 갖지 않은 팔은 릴리스시의 어깨 높이와 같도록 수평으로 유지하며 뒤쪽으로 쭉 펴서 밸런스를 잡도이다.
정보과학부 컴퓨터과학과 96471023 윤홍종나는 대중예술에 관해서 이렇게 생각한다.이때까지 배워왔고 어느정도는 감을 잡았다고 생각했지만 막상 대중예술의 개념과 의미가 무엇인지에 대해 찾으려하니 막연하기만 하였다. 소홀히 듣지도 않았고 생각도 참 많이 한 수업내용이었지만 왠지 생각하면 생각할수록 더더욱 생각하기 힘든 내용인 것 같았다. 그것의 의미 자체가 미궁인 듯한 단어인 대중예술, 이 단어의 의미를 찾아보려는 노력만으로도 많은 시간을 보낸 것 같다. 나는 단어의 의미를 제대로 파악하기 위해 인터넷을 검색해 보았었다. 하지만 인터넷의 어떠한 백과사전, 국어사전도 대중예술의 뚜렷한 의미를 밝히고 있진 않았다. 그냥 예술의 모든 장르를 나타낼 뿐 단어 그 자체의 의미를 알기 쉽게 풀어서 설명해주는 내용은 어디에도 없었다. 돌이켜보면 나는 내 속에 내가 정의한 대중예술이란 관념의 틀 속에서 그 의미를 찾고 있었는지도 모르겠다. 대중예술이라는 단어, 이렇게 어려운 단어였단 말인가. 뚜렷한 의미가 없는 이 단어의 의미를 찾기 위해 난 이제까지 배워왔던 부분들을 노트에서 뒤지기 시작했다. 이것이 명확한 개념이라고 정의할 순 없지만, 내가 내린 결론은 내가 생각하고, 남이 생각한 모든 관념과 의미를 포함하고 있는 예술의 장르가 대중예술이라고 생각한다. 모두가 향유하고 공감할 수 있는 예술이라고 해도 틀린 말은 아닐 것이다.내가 생각한 현대 대중예술의 시작은 중세의 일원적인 헤브라이즘문화를 부정하며 고대 그리스·로마시대의 다원주의적이고 인간중심적인 헬레니즘문화로 돌아가려는 노력인 르네상스의 시작과 같이 한다고 생각한다. 일률적이던 중세사회에서 모든 것을 다각적으로 볼 수 있는 시각과 기회가 주어진 것은 르네상스의 다원주의 중심의 사상 때문인 것이며, 그로 인해 많은 사람들의 주장과 생각들이 수용되었으므로 더더욱 넓은 범주에서 예술을 향유할 수 있었기에 현대 대중예술의 시작이라 할 수 있겠다. 이때부터 예술은 여러 가지 기준과 중심을 가질 수 있었다고 생각한다. 하지만 더욱 대중예술이 성장할 수 있었던 계기는 산업화였다. 산업혁명에 의해 진행된 도시화와 공업화는 거주지와 일터를 분리시켰으며, 따라서 노동시간과 여가시간도 확연하게 구분하였다. 생활도 조금씩 윤택해지자 사람들은 정신적인 즐거움을 누릴 수 있는 시간과 권리를 갖게 되었다. 그리고 산업화가 가속화되면서 양적으로 크게 증가한 중산층계급은 자본가계급의 고급 예술문화를 계승, 대중화시키는 데 일조 하였다. 이러한 중산층계급의 증가로 인해 귀족적이던 자본가계급의 예술을 자본가 이외의 계급도 향유할 수 있게 되면서 다각적인 해석과 비평, 발전을 겪을 수 있었고, 그로인해 현대 대중예술은 발전을 거듭할 수 있었다.흔히 대중예술은 누구나 접할 수 있는 예술, 다가갈 수 있는 예술이라 일컫는다. 물질이나 금전이 없어도 향유할 수 있는 문화이며, 천박해보이지만 그속에 아름다움들이 다각적으로 표현된 예술인 것이다. 또한 끊임없이 개념을 탈주하며 그 탈주한 개념으로 그것을 부정하는 것들을 흡수하며 발전하는 아방가르드 예술인 것이다.
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[연극영화] 세계영화사
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