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오페라 정의 바로크 고전 낭만주의 시대 오페라

오페라오페라는 이탈리아 말로서 어원은 opera in musica(음악으로 된 작품)이다. 오페라는 연극과 음악을 결부시킨 것으로서 부분적거나 전체적이거나 간에 노래와 오케스트라를 수반한 여러 가지 표현 형태 전체를 가리킨다. 작품의 줄거리의 성격, 구성이나 대본의 장르, 시대나 나라의 차이에 따라 여러 명칭으로 불린다. 그러나 Opera in musica의 약칭인 오페라라는 단어는 징슈필, 서정 비극, 오페라 코미크, 오페라 부파. 오페라 세리아 등을 지칭하기 위해 사용되기도 한다.오페라의 탄생 오페라는 르네상스 말기인 1597년에 이탈리아 피렌체의 바르디 백작 저택에서 탄생하였다. 바르디 백작 저택에 모인 사람들은 고대 그리스극의 부활을 목표로 그리스신화에서 취재한 새로운 음악극 《다프네》를 만들어서 상연하였다. 이것이 오페라의 효시로서, 독창을 주로 하고 악기 반주가 따르는 단성음악적인 작품이었다. 이 악보는 남아 있지 않으며, 현재 가장 오래 된 오페라는 1600년에 상연된 《에우리디케》로서 대체로 앞서의 작품과 같은 사람들(대본 카치너, 작곡 페리, 리누치니)이 제작을 담당하였다. 이 두 작품이 성공을 거두자 비슷한 작품들이 잇달아 발표되면서 피렌체로부터 이탈리아 전역에 보급되어 오늘날 오페라의 기원이 되었다.1.바로크시대 오페라케메레타( Camerata) 는 동호회, 집단 등의 뜻을 가진 이탈리아 어로서 1575년경부터 피렌체에서 음악 등 예술 전반에 대한 정규모임을 갖기 시작한 소수 귀족, 시인, 작곡가들의 모임을 말한다. 이 모임의 회원들은 고대 그리스 비극의 음악을 모델로 해서 새로운 성악 양식을 창조하였다. 이들은 그리스 연극이 선율과 말의 중간적 성격을 갖는 양식으로 처음부터 끝까지 노래로 불러졌다고 생각했기 때문에 선율 선을 말의 리듬과 음높이의 미묘한 변화에 따라 만들었다. 결국 이들은 새로운 성악양식인 ‘레치타티보양식’을 창조하게 되었다. 또한 피렌체 오페라의 특징 중 하나는 모노디(Monody)인데 초기 바로크의 중요한 성악장르이고 40년 사이에 이탈리아에서 불렸던 반주가 있는 독창노래를 뜻한다. 카치니(Giulio Caccini 1545-1618)가 이 양식을 창안하여 모노디에 대한 실험을 카메레타 모임에서 발표 하였는데 그는 자신의 모노디 작품들을 ‘마드리갈’ 이나 ‘아리아’ 라고 불렀다. 이 단선율 노래의 반주는 대부분 숫자저음으로 기보된 것을 건반악기 주자 혼자 화성을 붙여 연주했다.베네치아오페라 오페라 몇몇 후원자들의 특수한 행사에 맞추어 공연되었던 바로크 초기의 오페라는 베네치아가 그 중심지로 옮겨지면서 성격이 달라졌다. 오페라는 귀족의 전유물이 아니라 중산층의 관심사가 되었다. 1637년 유럽 최초의 공공 오페라 극장이 세워져 입장료만 있으면 누구라도 오페라 공연을 관람할 수 있게 되었다. 1700년까지 무려 400편이 넘는 오페라가 17개의 극장에 올려 졌고, 또 여러 극장이 동시에 열리기도 하였다. 오페라의 대중화가 이루어지면서 1650년 전후로 오페라의 흐름에 변화가 일어났다. 바로크 초기의 이상처럼 음악이 극이나 가사의 표현을 위한 봉사자가 아니라 이제는 주도하는 입장으로 바뀌었다. 그 내용에서는 복잡한 줄거리에 수많은 사람이 등장하고 변화가 많고 이국정서가 끼어있는 희극에 사로잡히게 되었다. 대본은 카스트라토나 다른 높은 음역의 오페라 가수들의 아리아를 부각시키고 중창과 기악이 무시되는 형태로 변화되었다.나폴리오페라 베네치아와 함께 오페라역사 적으로 중요한 도시가 나폴리 일 것이다. 나풀리 민요나 대중가요를 들으면 상상할 수 있는 것처럼 이곳은음악적 감성은 특히 풍부했다. 나폴리의 오페라라고 하면, 오페라세리아다. 신화나 고대사에서 소재를 취하고 형식적으로는 레치타티보와 아리아가 번갈아 사용한 것이다. 페르골레지, 헨델을 비롯한 많은 작곡가가 이 형식을 채용했다. 그리고 이시기에 다카포아리아가 사용되었다. 프로벤잘로에 의해 시도된 (dacapoaria)는 곧 나폴리 오페라의 중요한 요소가 되었다. ABA 의 3부분 형식으로 되 이 양식은 두번째 부분 후에 다카포 (처D.C 라는 단어가 쓰여 있고 이것은 첫 부분을 반복하라는 지시이다. 이 지시사항 외에는 악보에 생략된 그 반복부분은 즉흥적으로 장식되었고, 그 장식하는 기술이나 음악성에 의해 가수들의 능력이 시험되기도 하였다. 나폴리 오페라는 아름다운 선율에 음악적 관심을 집중시켜 극적 전개보다는 우아함과 즉각적 효과를 추구하는 결과를 낳았다. 18세기에는 많은 오페라 세리아가 생산되었다. “세리아”뿐 아니라 “부파”도 나폴리에서 탄생했다. “세리아”의 막간에 길고 큰 축제극의 장치 전환 사이에 상연된 짧은 음악희극“인테르벳죠”는 “오페라 부파”로서 독립하여 하나의 장르를 형성한다. 1733년 페르골레지가 쓴 “하녀 마님”은 이탈리아 뿐 아니라 다른 유럽도시에서도 성공하여 “부파”의 유행을 만든다. 그 최대의 걸작이라고 하면 모차르트의 “돈 죠반니”이다.프랑스 오페라 18세기 초까지 이탈리아 오페라는 프랑스를 제외한 전 서유럽에 퍼졌다. 17세기 중엽에 몇 편의 이탈리아 오페라가 파리에서 공연되기는 하였지만 프랑스인은 오랫동안 이탈리아 오페라를 받아들이거나 또 자신의 것을 창조하지 않았다. 프랑스가 무대발레에서 긴 전통을 갖고 있었다는 것이 그중요한 이유의 하나이지만 프랑스어가 노래하기 어렵다는 사실도 또 하나의 이유였다. 결국 바로 그 문제를 해결하고 전통발레를 오페라로 접합시키는데 성공한 사람은 륄리였다.륄리(Jean-Baptist Lully 1632-1687)에 의해 프랑스에는 진정한 오페라, 서정적 비극(tragedie lyrique)이 탄생하였다. 이 오페라는 음악비극(tragedie music)과 같은 장르이다. 륄리의 오페라는 프랑스 희극발레와 비극발레에다가 오페라적인 요소들, 즉 레치타티보와 노래를 넣어 음악과 춤, 시를 조화시킨 것이다. 서정적 비극을 창작하는데 있어서 륄리는 시를 최우선으로 두었고 음악은 가사와 올바른 표현으로서 적절해야함을 주장하였다. 그는 프랑스 극장에서 연기자들의 대사를 연구하여 그 대사의 흐름을 정확히 표출해내는 방식으로 레치타티보를가 확립한 프랑스 서곡은 반복하는 2부분 형식으로, 부점리듬을 가진 위엄이 있는 느린 부분으로 시작하고, 이어서 모방대위의 빠른 부분이 나오며 끝부분에서 다시 앞의 느린 부분으로 돌아가기도 한다. 이 프랑스 서곡은 앞에서 언급한 이탈리아 서곡과 함께 후에 관현악 양식의 발전에 매우 큰 역할을 한다. 륄리의 아리아는 좀 짧고 단순하여 이탈리아의 아리아 보다는 기교적 효과가 덜하다. 많은 장면들이 행진. 전원적 풍경. 춤. 승리. 장례. 전쟁 등으로 이루어졌는데 이들 중 대부분이 극의 흐름과는 상관없는 것이었다. 륄리에 의해 구상된 원래의 프랑스 오페라 양식은 18세기까지 별다른 변화 없이 지속되었으며, 라모(Jean-Phlilppe Rameau 1683-1764)에게 까지 그 영향을 미쳤다. 라모는 그의 오페라를 모델로 삼았다.2.고전주의시대 오페라당시의 사회적 추세는 계몽주의 철학으로 시민권이 향상되고 자유주의의 물결이 일어나 예술 분야도 과거처럼 종교나 특정인만이 향유할 수 있는 범주에서 벗어나 보다 폭넓게 수용되었다. 그것은 고대 그리스 예술에 대한 동경으로 이어져서 객관성을 바탕으로 하는 형식과 균형의 조화를 추구하는 음악을 지향하게 되었다. 결과적으로 대위적인 음악보다는 호모포니적인 음악을 선호하였고, 개성적인 감각의 성악음악보다는 기악음악이 인기가 있었다. 이제 작곡가들은 누구나 이해할 수 있는 객관적인 음악 기법을 창안하는 노력이 필요하였고, 그러한 노력의 결과는 '소나타 형식(sonata form)'이라는 정격화된 형식을 완성하게 되었다. 이처럼 이 시대는 형식의 범주 안에서 단순 명료하고 질서와 절제를 중시하는 인간적인 음악이 주가 되어 종교음악 분야는 음악 사상 처음으로 침체 국면을 맞게 된다.바로크 시대 말기부터 이탈리아 나폴리 오페라가 극의 내용을 무시하고 성악적 기교만을 과시함으로써 생긴 문제점은 전 고전 시대부터 서서히 제기되었고, 고전 시대에 이르러 오페라 개혁 운동으로 구체화되었다. 글룩의 오페라 개혁 운동은 오페라의 종합적 예술성을토를 마련하여 주었다. 이 시대에 가장 빛나는 오페라 작곡가는 모차르트이다. 음악의 형식적인 개혁이나 독창성은 없었으나 그의 천부적인 창의력의 산물인 , , 등은 오늘날에도 가장 인기 있는 오페라 레퍼토리 중의 하나이다.3.낭만주의시대 오페라이탈리아오페라 19세기 이탈리아 오페라는 형식과 기법의 점진적인 변화와 이탈리아전통의 계승이 혼합되면서 발전하였다. 그러나 프랑스나 독일과 비교할 때 이탈리아에서는 오페라 부파나 오페라 세리아에 의한 18세기 전통이 훨씬 강하게 남아있다. 또한 이탈리아 특유의 오페라 특성, 즉 성악의 우위, 선율의 단순성과 간결함, 표현의 직접성, 형식의 명확성이 계속 유지되었다. 19세기의 낭만적 경향과는 대립되는 자연주의 문학은 현실을 있는 그대로 표현하는 것을 목표로 했다. 이 경향은 이탈리아 오페라에 영향을 미쳐 이탈리아 오페라는 동시대 다른 나라의 오페라보다 보수적이라는 평을 받는다.이시대의 작곡가 로시니(G. Rossini, 1792-1868)는 18세기 오페라 전통을 중심으로 새로운 변화를 시도한 작곡가다. 쳄발로로 반주되는 세코 레치타티보와 기교적인 아리아를 기본으로 하며, 여기에 앙상블, 합창, 관현악이 삽입되었다. 등에 나타난 로시니 오페라의 특징은 선율을 중요시 하였다. 그리고 화성, 표현, 셈여림, 음색, 템포의 풍부한 대비, 기교적 성악 성부, 활기차고 명확한 리듬, 명랑한 분위기와 생동성 등이다.벨리니(V. Bellini, 1801-1835)와 함께 이탈리아 오페라에는 낭만적 재치가 나타난다. 70여 곡의 오페라를 쓴 도니제티(G. Donizetti, 1797-1848)는 극적이고 서정적인 벨칸토 기법으로 당대 인기를 누렸던 작곡가다.프랑스오페라 프랑스 오페라는 혁명 이후 19세기 내내 파리의 정치적 사회적 사건을 통해 활기를 띠게 되었고, 다른 나라 오페라 창작에 지대한 영향을 미쳤습니다. 그랑 오페라, 오페라 코믹, 서정극, 오페라 부파 등의 다양한 오페라 장르가 있었으며, 점차적으로 이 장르들 사이의 구분었다.

예체능| 2008.07.19| 5페이지| 1,500원| 조회(1,708)

오페라, 오페라 바로크 이탈리, 오페라 바로크

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음악의 이해 협주곡 바로크 고전 낭만 평가A+최고예요

협주곡어원인 콘체르토는 ‘경합하다’의 뜻을 지닌 라틴어의 동사 콘케르타레(concertare)에서 나온 말이다. 그러나 일반적으로는 화려한 연주기교를 구사하는 독주악기(또는 독주악기군)와 관현악을 위해 작곡된 기악곡을 가리킨다. 이러한 협주곡은 17세기 말엽 이후 후기바로크 ·고전 ·낭만파시대 특유의 것으로 그 이전(16세기)에는 어떤 종류의 성악곡에 대해서도 이 말이 사용되었다.⑴ 성악콘체르토:16세기 중엽부터 약 100년 동안은 콘체르토라고 하면 기악반주가 따른 성악곡을 뜻했다. 그러나 이 때의 기악반주는 종전과 같이 음의 선율을 그대로 중복하는 것이 아니라 독자적인 성부(聲部)를 지니고 있었다. 거기에는 사람의 목소리와 악기의 협주라는 요소가 많이 내포되었으며 베네치아악파 이래 합창과 관현악을 2군으로 나누어 서로 교대하게 함으로써 2개 음향체의 경합과 같은 인상을 많이 풍겼다. 이와 같은 성악콘체르토는 이탈리아에서 발생하여 A.가브리엘리, G.가브리엘리, 반키에리, 비아다나, 몬테베르디 등이 좋은 작품을 썼고, 독일에서도 샤인, 슈츠 등이 이 양식을 계승하였다. 그러나 성악콘체르토에 대해 협주곡이라는 언어는 쓰지 않은 것이 통례였다.⑵ 합주주곡(콘체르토협 그로소):바로크시대 특유의 기악협주곡으로 몇 개의 악기로 이루어진 독주군(콘체르티노 또는 솔리)과 대개는 현악 오케스트라의 합주부(리피에노 또는 콘체르토 그로소)로 이루어져 2군의 음량의 대비를 특징으로 하고 있다. 이 형식의 협주곡은 1700년을 전후하여 이탈리아의 코렐리에 의해 확립되었으며 그의 작품에서는 독주부가 2개의 바이올린과 첼로로 이루어졌다. 또 형식과 기능상으로는 느림 ·빠름 ·느림 ·빠름의 4악장을 기조로 한 교회협주곡(콘체르토 다 키에자)과 무곡모음곡형식을 취한 실내협주곡(콘체르토 다 카메라)의 2종류가 있다. 한편 비발디는 독주부의 기교를 더욱 화려하게 하고 리토르넬로형식을 도입하여 새로운 형식의 합주협주곡을 만들어 냈다. 헨델은 작품 3, 작품 6 등에서 코렐리의, J.S.바흐는 을 이룩하였다.⑶ 독주협주곡(솔로 콘체르토):오늘날 가장 많이 연주되는 것이 단일 독주악기와 관현악으로 이루어진 독주협주곡이며 독주악기에 따라서 피아노협주곡 ·바이올린협주곡 등으로 불린다. 이 형식의 협주곡도 바로크시대인 1700년경에 이탈리아에서 발생하였으며 토렐리, 알비노니, 비발디 등이 주로 바이올린협주곡을 많이 작곡했다. 그리고 바이올린에 이어서 오보에 ·플루트 등의 협주곡도 인기가 있었다. 특히 470곡 이상의 협주곡을 쓴 비발디는 빠름 ·느림 ·빠름의 3악장형식을 확립하고 빠른 악장에 솔로와 투티(全奏)가 교대로 나타나는 리토르넬로형식을 채용하여 형식의 통일감을 높임과 동시에 독주악기의 기교를 크게 향상시켰다. 그 전통을 이어받아 바로크기 협주곡의 정점을 이룬 것이 바흐이다. 그는 바이올린협주곡 이외에도 하프시코드를 독주악기의 지위에까지 올려놓음으로써 뒤에 피아노협주곡이 나오게 하는 데 결정적인 역할을 하였다. 합주협주곡이 바로크시대와 더불어 그 생명을 다한 데 반하여 3악장형식의 독주협주곡은 고전파 ·낭만파로 계승되어 협주곡이라고 하면 전적으로 이것을 가리킬 정도로까지 되었다. 그러나 바로크시대의 리토르넬로형식을 대신하여 빠른 악장에는 소나타형식이 쓰이게 되었다.하이든(첼로 ·피아노), 모차르트(피아노 ·바이올린 ·플루트)를 거쳐 베토벤의 바이올린협주곡과 피아노협주곡에 이르러서는 협주곡이 화려한 음악적 기교를 발휘하는 데 다시없는 곡으로 등장했으며 교향곡과 필적할 만큼 깊은 정신성(精神性)의 표현에 도달하게 되었다. 빠른 악장의 종결부 직전에 삽입된 화려한 카덴차는 원래 연주자의 즉흥(卽興)에 맡겨졌으나, 베토벤의 《황제》(1809) 이후는 작곡가가 사전에 작곡하도록 되었다. 낭만파시대에도 협주곡은 가장 중요한 음악형식의 하나로 즐겨 쓰였으며 멘델스존, 쇼팽, 리스트, 그리그, 차이콥스키, 드보르자크, 브람스 등도 화려한 기교를 살린 작품들을 남기고 있다. 이러한 독주협주곡은 현대의 버르토크, 프로코피예프 등에게 계승됨과 동시에 현대음악에서는 버르46) 등에서 보는 바와 같이 협주곡의 개념이 확대되어 가는 경향에 있다.http://100.naver.com/100.nhn?docid=189607- ⓒ 두산백과사전 EnCyber & EnCyber.com, 무단 전재 및 재배포 금지 -2. 바로크 시대 음악의 특징절제와 균형이라는 르네상스의 이상이 힘을 잃어가고, 새로운 정신과 예술 형식이 나타나면서 음악의 바로크 시대도 서서히 그 문을 열었다.르네상스로부터 바로크의 전환은 더 훌륭한 예술 작품들이 등장함으로써 불가피하게 이루어진 것이 아니라, 전혀 다른 형태의 작품들이 창출됨으로써 이루어진 것이었다. 그 결과로 음악 예술의 영역은 크게 확장되었고 , 그 질적 수준은 크게 향상되었다.음악에 있어서 바로크는 몇 가지 뚜렷한 특징을 보이고 있었다. 그 중에서 바로크 음악의 외적 특징은 규모의 대형화와 웅대함, 극적인 작품으로의 변화 등이다. 그래서 파이프 오르간이 주도적인 역할을 하였고 대규모의 합창이 강조되었으며, 오페라와 오라토리오, 칸타타 등의 극 형태를 띤 음악 형식이 발달하였다.바로크 음악의 중요한 내적 특징은 악곡의 단일 성향과 푸가적 다성 음악(fugal polyphony), 통주저음(basso continuo)의 사용이다. 즉 하나의 악곡 속에서 처음에 시작한 특징적인 흐름결이나 가락, 성부조직, 분위기 등을 끝까지 일관되게 유지시키는 경향이 강했으며, 일관된 흐름결과 길고 풍부한 하나의 주제 가락을 악곡 전반에 걸쳐 모방함으로써 강력하게 돌진하는 특유의 다성 음악을 확립하였고(르네상스 시대의 모방적 다성 음악은 같은 가락이나 주제를 여러 성부가 모방하는 방식의 다성 음악을 이루었다.), 첼로.바순 등의 저음 악기로 저음 성부의 가락선과 즉흥적인 화음을 붙이는 반주 형태를 사용하였다.바로크 시대에는 그 밖의 다음과 같은 경향도 나타나고 있다. 장조와 단조의 개념이 이전의 선법성을 대신하게 되었으며 작품의 제목으로 조성을 표기함으로써 중심 조성을 강조하는 경향이 나타났다. (보기:Sonata in E다.악곡의 구조는 아직도 대위적 기법이 주류를 이루고 있었으나 화성적인 요소에 의해 유지되는 단선율적 화성음악(homophony)도 강조되었다. 따라서 대위법은 화성적인 성격을 띠면서 발전해 갔고, 저음부의 화성 구조적 역할이 강조되기 시작하였다. 즉흥적인 가락 장식이나 주제 변주, 종지(cadance)만들기 등이 많이 나타났고 오페라와 오라토리오, 칸타타, 소나타, 모음곡, 협주곡, 푸가 등의 새로움 음악 형식이 개발되었다. 그리고 순수 기악곡이 예술 작품으로서의 역할을 갖게 되었다는 점, 객관화된 인간 감정을 표현하는 데에 알맞은 조성과 흐름결, 가락, 화음을 사용했다는 점과 음악가들이 궁정 음악가나 교회 음악가, 도시 음악가 중 어디에든 속해 있어서 사회적으로 대우는 받는 위치에 있었다는 점도 이 시대의 특징이라고 할 수 있다.. 대표 음악가(1) 초기* 몬테 베르디(C. Monteverdi, 1567-1643)(2) 중기* 륄리 (J. Lully, 1632-1687)* 북스디후데 (D. Buxtehude, 1637-1707)* 퍼셀 (H. Purcell, 1659-1695)* 코렐리 (A. Corelli, 1653-1713)* 토렐리 (G. Torelli, 1658-1709)(3) 후기* 비발디 (A. Vivaldi, 1678-1741)* 쿠프랭 (F. Couperin, 1668-1733)* 텔레만 (G. Teleman, 1681-1767)* 라모 (J. Rameau, 1683-1764)* 스카를라티 (D. Scarlatti, 1685-1757)3.고전주의시대의 음악적 특징고전주의 음악은 일반적으로 하이든과 모차르트, 베토벤 등을 중심으로 형성되었던 1770년부터 1825년까지의 음악을 말한다. 그것은 위대한 음악적 실험 정신이 성취한 인류사적인 업적이었다. 당시의 음악가들은 장.단음계 체계의 가능성을 폭 넓게 탐색하였고, 절대 음악적인 기악 작품을 위한 대규모 형식을 확립 발전시켰으며, 반복 형태의 이상적인 소나타 형식을 발견하는 한편, 독주 및 2중를 확립하였다.만약 고전주의라는 말을 "당시의 전통적인 형태의 고수"라는 의미로 해석한다면 그 말은 비엔나 악파의 작곡가들(하이든, 모차르트, 베토벤)에게는 적용할 수 없을 것이다. 그들은 전통을 고수하는 데에 집착한 것이 아니라, 새로운 음악 형태를 찾아내기 위해 대담한 시도를 시작하였던 것이다. 하이든의 초기 교향곡과 현악 4중주곡들은 후기의 그것들과 크게 달라졌고 그러한 경향은 모차르트와 베토벤의 작품들에게서도 마찬가지였다. 만약 그들이 18세기 중엽의 시인들과 미술가들처럼 정서적 표현에는 무관심한 채 형식적 규칙에만 열중하였다면 사람들은 그들을 고전주의 음악가들이라고 부르지 않았을 것이다. 인간의 가장 깊고도 고귀한 정서가 하이든과 모차르트의 작품을 서서히 채워가고 있었고, 베토벤에 이르렀을 때 그것은 깊은 감동과 열정으로까지 진전되어 있었다. 요컨데 그들은 각기 자신의 고귀한 음악적인 상념의 표현에 가장 적합한 음악 형태를 만드는 데에 열중하고 있었던 것이다.시간적인 관점에서 보면 고전주의라는 말은 그들의 음악에 잘 어울리지 않는다고 할 수 있다. 사실 문학과 미술의 경우 고전주의 시대는 18세기 중엽 훨씬 이전에 시작되었으나, 음악에서의 고전주의는 몇 십년 후에 나타났을 뿐만 아니라 고전주의 음악이 계속되고 있던 19세기 초기에 다른 분야에서는 이미 낭만주의 경향이 나타나고 있었으며, 하이든과 모차르트, 베토벤의 후기 작품들 속에는 이미 낭만주의적인 특성이 보이기 시작했던 것이다.그래서 음악에 있어서 고전주의라는 말은 "질적으로 가장 우수한 상태"를 지칭하는 의미로서 이들 비엔나 악파에 적용된다. 그들이 남긴 작품들, 특히 교향곡과 협주곡, 피아노 소나타, 2중주곡, 3중주곡, 4중주곡 등은 그 후의 작곡가들이 능가할 수 없을 만큼 완벽하였으며 그들이 기악 작품들에서 사용했던 역동적인 작곡 기법은 주제의 전개 과정과 완전하게 일치하였다. 그들이 완성한 광대한 악곡 구조들은 논리적이고 타당한 것일 뿐만 아니라 다양한 정서를 표현하는 데에 충분할 만큼의것이다.

예체능| 2008.07.19| 5페이지| 1,000원| 조회(878)

작품, 느림, 형식, 협주곡, 비발

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