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현대미술의 이해 14주차

14주차: 포스트모더니즘 미술1) 1970년대 이후의 미술14주차: 포스트모더니즘 미술 1) 페미니즘 미술: 미리암 샤피로 / 바바라 크루거 / 신디 셔먼2) 미국 포스트모더니즘 미술: 데빗 살리 / 재프 쿤스 / 방 미셀 바스키아2) 복제성- 모더니즘의 독창성에 반대- 모방과 혼합 절충주의- 사진3) 회화로의 복귀- 미니멀리즘과 개념미술에 대한 반작용4) 모더니즘의 수직적 위계에서 벗어난 수평적 다양성: 여러 가지 양식이 공존1) 페미니즘 미술- 미리암 샤피로- 바바라 크루거- 신디 셔먼2) 미국 포스트모더니즘 미술- 데빗 살리- 재프 쿤스- 장 미셀 바스키아Ⅰ. 페미니즘 미술-성립배경: 1970년대부터 시작 된 여성해방운동 / 가부장적 남성우월주의에 대항-대표작가1) 미리암 샤피로2) 바바라 크루거3) 신디 셔먼- 라파엘 (1504) 서양에서 가장 여성에 대한 이미지는 마리아- 미켈란젤로 (1508-12) 이브가 뱀의 유혹에 넘어가는 원죄의 장면을 그림: 인간들에게 대가를 주어짐- 옷을 입어야하고 부끄러움을 알고 노동을 해야하는 인간의 삶으로 변화/ 인간이 짊어져야 할 이유는 이브때문 -> 여성은 부정적인 존재- 여성에 관한 이분법적 시각 : 선한 여인상(마리아, 어머니)와 악녀(이브)선한 메리 카세트 (1892) / 프란츠 폰 스툭 (1893)- 고대조각 / 보티첼리 (1948) 여성은 비너스로 많이 누드조각이 됨- 실비아 슬레이 (1973) 앵그르 (1893) 여성이 많은 그림으로 나타남. 실비아 슬레이작품에서 남성이 여성의 응시의 대상이 됨 100년차이. : 페미니즘 미술1) 미리암 샤피로♣ 미리암 샤피로 작품의 트성- 여성의 사고와 관심 반영- 하급미술로 간주된 공예(직물)의 위상을 높임- 장식적이고 화려한 패턴 그림 (1974)- 목조로 재작 안에 박스형의 공간이 분할 됨- 인형 놀이를 하기 좋은 물건들이 있음- 일상의 물건들을 아기자기하게 꾸며놓음- 여성의 관심은 세밀하고 섬세한 감각으로 작품활동 (1983)- 천 조각을 이용한 작품- 여성의 바느짉과 같은 것- 미술에 있어서 하극의 영역이였음 (１９８３）- 천과 아크릴 물감을 사용- 캔버스의 천과 아크릴 물감을 사용하여 여성의 특유의 관심: 바느질, 퀼트 등이 하급미술이였지만 이것을 격상시키고자 한 것이 샤피로의 작품의 특징 (1984) 캔버스에 천과 아크릴 물감- 화려, 꼼꼼 등 여성성을 나타내고 있음2) 바바라 크루거♣ 바바라 크루거 작품의 특성- 상업용 광고 디자인 형식- 흑백사진, 빨간 테두리, 글자- 풍자와 은유: 여성의 상황에 대한 비판 / 자본주의 사회 (1981)- 여성에 대한 남성의 시선조차도 여성의 뺨을 때린다는 것. 성적대상으로 쳐다 보는 것을 비판적으로 은유적으로 표현- 사진은 복제하는 것: 더니즘은 독창성을 강조하는 것. 포스트 모더니즘에서는 복제 하는 성향을 가진 사진을 선택함 (1987)- 흑백사진의 이미지를 사용, 글씨는 빨간색 광고의 이미지 같은 느낌. 자본주의사회에서의 소비하는 현대인의 면모를 비판적인 입장에서 풍자하고 있는것자본주의 사회에 대한 비판적 시각: 백화점 내부 (1987)- 자신을 돌아보게 하는 문구- 여성의 존재, 자본주의 사회에서 살아가는 현대인의 삶 등 자신을 돌아 보게 하는 것 (1987)- 여성이 입을 벌리고 절규 하는 것- 여성이 겪었던 슬펐던 역사에 대한 암시적인 문구 (1989)- 여성의 육체에 대한 성적인 대상에 대한 것을 비판- 사진의 이미지와 메시지에 글귀를 보고 생각하도록 함(개념미술적인 성향이 조금 있음)3) 신디 셔먼♣ 신디 셔먼 작품의 특성- 본인의 초상화사진- 다양한 크기의 흑백과 컬러사진- 영화의 스틸장면- 고정된 이미지에서 벗어난 여성의 다양하고 복합적인 존재 부각함: 남성처럼 여성도 그런존재(연령, 국가 등) (1978)- 자신의 모습을 분장 후, 찍는 것- 70년대 작품에서는 영화 속의 주인공 같은 모습- 지적 이미지를 부각시키는 것연기자: 여인의 다양한 정체성과 역할 (1980)- 컬러 사진으로 작업- 드라마틱한 모습을 엿보는 듯- 왼쪽 여인: 걱정 스러움 / 오른쪽: 상류층 여인셔먼 (1981)- 도로 한 복판에서의 셔먼의 모습- 드라마틱한 영화속 주인공 같은 모습셔먼 (1981)- 셔먼의 다양한 동작과 구성을 볼 수 있음- 다양한 각도를 취함- 가발, 화장술 사용- 자기를 끊임 없이 다양한 여성의 이미지로 부각- 같은 1981년 이지만 소녀의 모습, 직장인의 모습 다양하게 나타냄- 다양한 포즈와 동작으로 자신이 마치 연기자처럼 보이도록 함셔먼 (1982)- 마를린 먼로가 나온 잡지를 참고한 셔먼- 셔먼은 유명 연예인을 떠올리게 함셔먼 (1985)- 아름다운 여인의 모습으로만 자신을 표현하지는 않음- 성적 압박에 피해여성의 모습셔먼 (1985)- 자신의 모습을 이끌어 내기 위해 인형을 사용하기도 함- 왼) 아랍계통의 여성이 억압된 모습을 보여줌- 오) 포르노적인 모습, 여성의 성과 연관된 다양한 역할 등을 암시적으로 표현함 (1990) / 카라바지오 (1596)- 포스트모던주의는 독창성 보다는 복제- 카라바지오 작품 모습을 따라 함 (모티브를 본 땀)- 바쿠스(신): 남성의 상징-포도, 술잔--> 자신을 바쿠신 신으로 왜곡 시킴 남성과 여성의 이분법적인 모습을 보여줌 (근육..)- 바르코시대의 가발 사용.- 남성의 모습으로 위장하기도 함- 플라스틱을 사용하여 가슴성형을 생각 토록 함- 남성성, 여성성을 생각도록 하는---------------------------------------- 다양한 남녀노소를 보여주지만 모든 주인공은 셔먼 자신 (본인의 초상화 사진)Ⅱ. 미국 포스트모더니즘 미술1) 데빗 살리2) 재프 쿤스3) 장 미셀 바스키아1) 데빗 살리♣ 데빗 살리 작품의 특성- 일상의 진부한 이미지- 현대사회: 인간의 혼란한 삶- 복합 절충주의 : 사진(흑백)과 회화, 추상과 구상- 기존의 미술양식 차용(풍경, 정물, 인물화 차용) (1984)- 겹치기 기법(여성의 몸과 선으로 그려진 드로잉 작업)(여성의 몸과 초상화)- 여성의 누드라는 전형적인 주제를 다루지만 기이한 포즈를 취함으로써 한 번 더 관심을 가지게 함- 혼합 겹치기 기법살리 (1986)- 사진매체를 사용- 그림안의 그림: 단순한, 일상에서 볼 수 있는 그림- 흑백과 대조를 이루는 살색을 사용한 손동작- 겹치기 혼합법 사용- 이질적인 여러 요소가 합쳐진 복합성 (1987)- 포스트모더니즘의 특성이 잘 부각 되는 것- 여러 화면으로 분할 된 것 (초상화적 사진, 나무아래 남녀가 즐기는 모습, 정물화로 그려진 물고기): 초상화, 정물화, 풍경화 이질적인 요소를 면을 분할하여 절충혼합주의 형식으로 나타냄 (1998)- 추상화, 정물화,- 다양한 요소가 존재하기 때문에 한 번 더 의문을 가짐: 관람자를 끌어 들이는 방법- 겹치기 기법, 절충혼합주의 (1997)- 인물, 정물, 추상- 겹치기 기법, 절충혼합주의2) 재프 쿤스♣ 재프 쿤스 작품의 특성- 포스트모더니즘의 특성- 일상과 광고 이미지- 모방과 패러디- 절충 혼합주의- 예술과 키치의 경계- 모든 매체사용: 회화, 사진, 조각 , 설치- 성인의 통속적인 성적 갈망과 어린아이의 순진무구함(토끼소녀)- (1980): 유리박스안의 상품 (뒤샹의 레디메이디를 떠올리게 함)--> 소비상품을 유리 박스안에 넣어 상품의 가치를 높임 (뒤샹, 존스, 워홀 등 팝아트의 특징이 녹아있음) (1985)- 균형의 원리- 물리학의 노벨상 수상자인 Richard Feynman과 테크닉 연구--> 쉬운 것 같은 일상의 이미지와 함께 진보된 테크닉이 뒷받침 된 것 (1986)- 슈퍼마켓의 싸구려 토끼풍선- 고급스런 금속 재질- 일상이미지 + 전문적인 고도의 테크닉+ 공장제 수공업의 말끔함 (1988)- 완성도를 위하여 이탈리아의 전문도자기 업체에서 제작- 일상스러움을 제품처럼 만들어내는 것이 쿤스의 특징- 워홀 등 바통을 이어 받아 작업 중 (1988)- 쉽게 구할 수 있을 것 같지만 팝아트의 입술의 모티브 등을 엮어 내어 고급스러운 품질 보증

학교| 2014.01.07| 10페이지| 1,500원| 조회(239)

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현대미술의 이해 13주차

13주차 1) 미니멀리즘: 도널드 저드 / 로버트 모리스 / 댄 플래빈13주차: 미니멀리즘 / 개념미술-대표작가1) 도널드 저드: 사물성 강조2) 로버트 모리스: 형태의 변경 가능성3) 댄 플래빈: 물체의 영역에서 빛의 세계로♣ 미니멀리즘 특징- 최소로 단순화된 미술- 공장에서 주문제작 (작가가 제작x)- 산업용 재료: 합판 스테인리스 알루미늄, 유리섬유 플라스틱 튜브 형광등- 관람자의 적극적인 관람 유도--------------------------------------- 1965년 비평가인 바바라 로스와 리처드 볼 하임이 미니멀리즘 언급- 추상표현주의와 팝아트에 대한 반작용- 공통점: 최소한의 형식(뒤샹의 변기, 존스의 성조기를 최소한의 형식으로 사용한 것이 미니멀리즘의 선레)Ⅰ. 미니멀리즘1) 도날드 저드: 미니멀리즘의 개척자♣ 도널드 저드 작품의 특성- 특수한 물체: 회화도 조각도 아닌 ‘삼차원의 작품’- 산업용 재료 사용- 사물성 강조- 매끄러운 표면과 견고한 구조- 명백하고 단순한 기하학적 형태의 반복- 다양한 각도에서의 관람: 재료의 물성과 크기, 빛과 그림자 (1963)- 모더니즘 회화의 평면성에 주목- 그림은 완전 평편하지 않음. 캔버스는 틀의 두께를 가지고 있음- 비평가에 의해 완전 평면에 도달하려고 노력했지만, 저드는 그림이라는 구조는 즉 캔버스는 두께를 가지고 있다는 것- 그림과 같은 속성과 함께 캔버스의 속성도 나타남특수한 물체: 회화도 조각도 아닌 ‘삼차원의 작품’ (1969)- 10개의 알루미늄 박스를 주문.- 명백 단순한 형태를 위아래로 쭈욱 붙임- 회화와 조각사이의 특징을 보여주는 것무제 (10개의 구리)- 물체적인 속성을 그대로 감상하라는 것- 다양한 질감의 속성을 그대로 받아들이는 것- 멀리서 볼 때. 가까이서 볼 때 키큰사람이 볼떄 작은 사람이 볼 때 모두 다름- 구리의 앞, 옆, 윗, 아랫면이 모두 다르기 때문에 다양한 각도에서 볼 필요성 (1966) (1971)- 조각의 영역으로 나아감- 왼) 4개의 박스: 입방체의 형태이지만 어느 각도에서 보냐에 따라 다르게 느낌. / 회색의 색채와 파란색 띠가 다양한 요소. 미니멀리즘이라는 것이 처음으로 본다면 볼 것이 없고 지루하지만, 집중에서 다양한 시각에서 본다면 흥미로움- 다양한 크기와 재료 등- 같은 것 박스이지만 색상이 다르거나, 조금씩 다름- 어느 각도에서 보냐에 따라 다름 (1972-82) 텍사스의 시골마음 마파 MAFA- 디아재단의 후원으로 텍사스 마을에서 전시회를 열수 있었음- 사물의 물체성을 강조하다 보니 무제인 경우가 많음- MAFA까지 가기가 힘들지만 많은 사람들이 마파를 찾아 저드의 작품을 감상한 사람들은 감동을 느낌- 알류미늄 박스는 반사의 효과를 가짐- 빛과의 예민한 작업이 일어남저드의 야외조각 마파 (1971-82)- 단순하고 재미없을 것 같은 형태들이 자연과 유기적인 관계(빛, 그림자, 태양등으로 인한 다양한 것들이 미술 작품의 감상요소)- 변화무쌍한 요소를 풍요롭게 느낄 수 있음2) 로버트 모리스· 과정으로서의 미술“ 미술이란 지속적인 변화의 행위이며, 무방향적, 불확정적, 비지속적 행위이며, 우연성과 비결정성이 존재하는 과정의 전 영역이다.”♣ 로버트 모리스 작품의 특성- 산업용 재료: 견고한 재료(유리섬유)에서 유동적인 펠트로- 관람자의 적극적인 경험: 재료의 물성, 형태의 비결정성과 변경 가능성 유도 (1967)- 반원형 형태가 맞물려있는 부분 빈툼에 빛이 스며드는 장치- 완전한 원형을 이루지 않을까?라는 관람자가 생각하도록 함: 재배열의 가능성: 관람자의 적극적 감상을 유도하는 것이 모리스의 의도 (1965)- L자의 형태. 3개의 형태- 같은 L이지만 다양한 형태로 나타남: 적극적인 재배열의 가능성: 관객이 생각하도록 함 (1967)- 적극적인 관람객의 생각을 유도함- 딱딱한 재료 (1968)- 부드러운 천으로도 작업함- 국수자락 같이 풀어진 것을, 유동적인, 딱딱하지 않은 형태는 관람자로 하여금 더 재배열의 가능성을 생각하도록 함 (1970) (1983)- 펠트 천조각의 형태를 관람자가 생각하는 것이 모리스 작품의 포인트3) 댄 플래빈♣ 댄 플래빈 작품의 특성- 산업용 재료(형광 튜브) 사용- 물체의 영역에서 빛의 세계로- 비물질적인 사변적 성향 (1963)- 형광등이라는 재료를 사용함- 필수적인 생활의 도구- 모서리에 작품전시 (1964)- 초록색 형광등- 다양한 위치에 전시 (1968)- 형광등의 색채를 다양하게 사용함 (1969)- 다양한 색채를 사용함 (1971)- (1972)- 빛이 반사되면서 물질적인 것에서 사변적인 관점으로 바꾸는 것.- 다양한 양상으로 전시, 1개, 2개,- 외부와 격리된 공간 플래빈의 빛으로 가득 참- 빗물직적인 세계, 사변적인 세계로 인도Ⅱ. 개념미술- 성립배경: 미니멀리즘에 대한 반작용, (물체의 속성에 대한 반작용) 아이디어(개념)로서의 미술- 대표작가1) 솔 르윗: 기하학적 형태의 원리 유도, 작품 배후의 개념2) 온 카와라: 시간3) 조셉 코주스: 언어현대미술의 화두를 준 뒤샹 (1917)은 엄청난 영향을 미침: 미니멀리즘, 개념미술, neo다다“나는 그 누구도 생각하지 못한 것을 미술작품을 선택할 수 있는 아이디어 가짐” : 기성제품을 미술로 선택할 수 있는 생각을 함.-----------------------------♣ 개념미술의 공통점- 작품의 제작행위 대신 아이디어로서의 미술 강조Ⅱ. 개념미술1) 솔 르 위트 (르윗)♣ 솔 르 위트 작품의 특성- 미니멀리즘 형식(사각형 입방체)에서 개념미술로- 기하학적 형태의 원리 유도- 작품 배후의 개념 강조- 작품의 지시사항 제시: 아이디어 제공 (1967)- 미니멀리즘 적인 성향을 보여줌- 단순, 명백, 기하학적인 형태가 반복르 위트(1967) 생각하게 한다 /저드(1969) 단순히 바라본다- 공: box형으로 기하학적인 형태- 저드: 재료, 배열 등 반복적임. 물체적인 속성을 보는 것- 르윗: 1번 맨밑, 2번 두 번째 3번엔 맨 위에 닫혀져야 되지 않냐고 생각하는 것이 일반적임. 르윗은 이러한 원리에서 벗어남르 윗- 6개의 입방체 기하학적 형태- 우리가 일반적으로 생각하는 원리, 원칙에서 벗어나서, 다시 한번 작품의 구도를 생각하게 하는 것- 미니멀리즘의 입방체 형태를 사용하는 것 + 다시한번 생각하게 하는 것-> 개념미술로 넘어감 (1968)- 미니멀리즘 적인 입방체 형태에서 빈 배열을 통해 생각하게 함: 개념미술 요크셔 공원- 수학적이고 논리적인 개념미술이기 때문에 다시 한번 생각하도록 하는 것- 무제이지만 한번 생각할 수 있도록 하는 것- 원칙을 지키다가 하나만 원칙배열에서 벗어나 다시한번 생각하도록 하는 것- 재 배치 보다는 수학적 비례가 적용되지 않는가 - 숨어있는 아이디어를 찾도록 함(논리적 사고의 영향)작품의 전시장 - 상상의 욕구를 가지게 함- 아이디어의 선의 흐름을 이끌어 내는 어느 방향인가 유추시키는 것 (1975)- 많은 선들이 교차하는 것을 통해 아이디어로서 글로서 재시하는 것- 르윗의 작품에 대한 지시사항에 따라 조수들이 작업을 함르 윗의 벽그림 제작과정: 작품에 대한 지시사항 제시, 조수들의 작업- 아이디어로서의 색채를 선택하고, 각도, 양, 사이즈, 크리 등을 제시하면, 실제 전시장에서 조수들이 작업을 하는 것.--> 제작행위가 아니라, 아이디어로서의 미술을 제시해야 함: 이것이 예술이고 미술임2) 온 카와라: 뉴욕에서 작업하는 일본 작가♣ 온 카와라 작품의 특성- 과 연작- 시간의 개념: 쉬지않는 시간의 경과,존재의 덧없음- 작가의 존재를 감춘다: 자필대신 주로 타자기 사용, 인터뷰 거부 연작- 1966년 1월 4일 시작- 매일 한 개의 패널에 년도, 월, 일 기입- 빨강, 파랑, 검은색의 바탕과 흰색 아크릴 물감- 8개의 크기 사용: 작은크기 (20.5cmX25.5cm)큰 크기 (155X266CM) 연작연작: 날짜와 해달일의 신문기사- 여행 중 신문과 함께 연작

학교| 2014.01.07| 9페이지| 1,500원| 조회(192)

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현대미술의 이해 12주차

12주차: 앤디 워홀12주차: 앤디 워홀- 미국 팝아트의 대표작가- 존스와 라우센버그의 영향 (neo-dada)- 실크스크린 기법: 대량생산과 복제- 반복과 차이(색, 음료의 양등)- 주제: 유명인과 소비상품, 죽음과 재난- 예술철학: 상업주의와 출세주의- 사후의 명성과 유산 ↑- 피츠버그 출생- 1942년 아버지의 사망: 가난한 어린시절- 1949년 뉴욕으로: 상업미술가/패션잡지,광고디자인 (1948)- 실내의 물건들을 여러 각도에서 배열 (1956)- 뉴욕으로 가서 상류층 여성의 구두를 디자인 한 것- 상업 미술미술로의 전향1) 1960년 만화그림: 리히텐스타인의 만화그림 인식 후 포기2) 일상의 상업적 소재: 캠벨수프깡통, 코카콜라1960년대의 워홀● 주제- 유명인물 (먼로, 엘비스, 리즈, 재클리)- 자본주의 사회의 소비상품● 유명해진 워홀- 1968년 독일의 카셀 도큐멘터 참여- 1960년대 후반 전 세계의 화랑에서 초청- 1967, 1970 세계박람회의 미국관에서 전시●워홀의 펙토리- 모든 유명인들의 사교장- 벨벳 언더그라운드, 록밴드의 연습장 (예술 후원)- 살아있는 예술 현장 (1960) (1961)-만화를 그려 쇼윈도으로 장식을 하는 워홀- 하지만, 워홀은 리히텐스타인이 역량을 보고 포기함 (1962)- 약간 깡통을 변화시킴- 네오다다 작가인 재스퍼 존스가 이미 사용한 주제 존스는 상표라벨은 자기가 그림- 뒤샹(일상사물사용)-> 재스퍼 존스(행위흔적남김)->워홀(3차원이 아니라, 평면적인 작업을 남김)밑그림이 있는 실크 등의 천을 틀에 고정시킨 후, 인쇄되지 않은 부분에 종이, 아교, 아라비아 고무액을 입혀 잉크가 통하지 못하게 한 다음 잉크를 부어 롤러로 민다.- 강하고 선명한 색상- 반복과 차이- 복제성: 인쇄된 사진을 바탕그림으로 사용- 유일성과 원본성 부정- 작업의 익명성: 첵토리(공장)의 조수작업- 자본주의 사회의 대량생산기법 (1962)- 실크스크린 기법으로 다양한 캠벨수프 깡통을 만듦 찢어진 라벨, 열린 깡통 등.으로 대성공을 거둠.- 자신의 그림이 인기가 있다는 것을 앎.- 실크스크린 기법은 그냥 밑그림만 있으면 되기 때문에 대량복제가 가능했음. (1960)- 색이 번진 스케치적인 코카콜라 (1962)- 실크스크린 기법으로 라벨과 코카콜라를 찍어냄 (1962)- 수직적, 수평적인, 꽉찬 콜라, 빈콜라등 다양한 콜라로 나타냄- 실크스크린 기법은 여러 개의 작품이 제작 되지만, 하나도 똑같은 것은 없음. 왜냐하면 밀어내는 힘과 물감의 양이 다르기 때문- 반복적인 실크스크린 기법으로 나타내지만 부분적으로, 약간씩의 차이를 알 수 있음.- 라우센버그, 존스가 일상과 미술의 간격을 좁혔음.- 워홀 또한 자본주의 사회에서 슈퍼에서 살 수 있는 소비적인 상품을 작품으로 나타내고 있음- 폴록의 경우, 캔버스를 두고 작업을 함. 땀과 열정을 분출함(열정적인 행위)- 밑그림을 두고 찍어내는 것. 워홀은 FACTORY라고 표현함. 조수들이 이 작업을 수행함.--> 워홀의 작업들이 독창적인 아이디어가 없고, 스스로 작업하는 것이 아니라 조수들이 하는 것이 워홀을 비난함. --> 워홀 曰 반복적으로 찍어내는 기법은 실제 자본주의 사회를 반영하는 것. 그 시대를 반영하는 것이다. (1962)- 콜라, 깡통 외에도 달러도 소재로 사용- 같은 화면 아래지만 밝고, 어두움 부분이 교차함- 똑같은 부분 없음.1) 상업주의: “돈을 버는 것이 예술이며, 일하는 것이 예술이다. 좋은 사업은 최상의 예술이다.”2) 출세주의: “미술가란 하나의 직업일 뿐이다. 어떤 이름이 나더라도 명성이란 좋은 것이다.” (1962)- 먼로는 1962년 수면제 과다로 죽음- SEX의 상징--> 당시 핫이슈- 워홀은 이를 작품의 대상으로 선택 (실크스크린이라서 그림이 모두 다름) / 현대에선, 젊은 먼로를 생각 할 수 있음------------------------------------------- (1962)- 추상적, 성적인 분위기- 워셀만, 먼로 팝아트의 성에 대한 관심이 공통점 (1962)- 엘비스의 다양한 모습을 나타냄- 총을 들고있거나..-------------------------------------------1962년 L.A의 전시에서 핫이슈.여배우 엘리자베스(리즈) 테일러 (1963) (1965)- 눈썹위의 색채의 변형- 얼굴 각도의 차이- 같은 그림에도 불구하고 약간의 차이를 발견할 수 있음 (1963) (1964)- 케네디 대통령이 사망하자 부인 재클린의 장례식 장의 모습을 모티브로 얻음.- 재클린의 다양한 표정을 그림으로 담은 것은 인간의 일생을 보여주는 것. (남편의 죽음을 슬퍼하는 )-------------------------------------------자본주의를 대표하는 상품뿐 아니라, 미국의 유명 스타를 사용함으로써 워홀 또한 스타덤워홀 曰 자본주의 사회에서 콜라, 깡통, 먼로, 재클린 등 모든 사람이 공유할 수 있는 것이 가장 민주적인 주제이다. (1964)- 브릴로는 비누- 라면 박스같은 상자를 작품으로 나타냄- 존스의 백주 깡통 캔(슈퍼에서 누구나 살수 있는)을 선택 한 것처럼, 워홀도 상자를 직접 제작한 다음, 브릴로라는 상표를 실크스크린 기법으로 찍어 냄.- 전시장에서는 창고에서 쌓인 듯하게 전시함워홀의 박스들(1964)- 하인즈의 토마토케챱 박스- 델몬트 쥬스 박스--> 현대 미술의 화두를 이끌어냄: 어디까지 예술로 받아 들여야 하는가? 박스를 예술로 받아 들일 것인가?- 폴록의 작품은 비평가로부터 인정받기는 했지만, 큰 인기를 누르지는 못했음- 워홀은 일상의 소재를 다룸으로써 일약 스타덤으로 엄청난 돈을 벌게 됨. (1964) / (1972)- 상품, 사람만 주제로 다룬 것은 아님- 식물 도감 책에서 양귀비 꽃을 사용- 이것 또한 큰 인기- 팩토리는 점점 커짐.- 사업가의 워홀로 변함.1965년 10월 필라델피아의 워홀 전시: 워홀 曰“정말 대단했어. 작품 없는 전시회라니.”워홀의 인기로 많은 사람들이 전시회로 찾아와, 작품을 치웠음.워홀의 또 다른 주제: 재난과 죽음톰 워셀만 (1963)- 삶의 어두운 측면을 볼 수 는 없음- 자본주의의 긍정적인 면만 볼 수 있음익명의 자살: (1963) / (1963)- 엠파이어스테이트 빌딩에서 자살한 소녀를 실크스크린 기법으로 표현함- 떨어지는 행위에 초점을 맞춤. (1963)- 자동차 사고를 연작함.-- 로젠퀴스트의 나는 포드자동차와 너를 사랑한다. -> 자본주의사회에서 좋은 자동차를 타고 싶어하는 사람들의 심리를 반영- 반면, 워홀은 자동차의 이면을 자동차의 사고로 보여주고 있음.- 자본주의 사회의 좋은점이 많지만, 이면을 포착하고 있음. (1976) / (1978)- 죽음에 대해 생각을 많이 한 워홀 (1963)- 범죄자를 고문하던 고문의자- 취조실에 놓인 전기의자 묘사- 삶의 부정적인 면을 보게함 (1964)- 여러 가지 색을 통해 변형적인 전기의자를 보여줌- “ 난 이시리즈를 연작으로 제작할 거다. 우리 집 커튼 색과 어울리면 무슨 색이든 상관없다.”- 인간의 존엄성과 전기의자를 생각하게 하면서, 색을 생각하게 하는 이면성 (1964)- 뉴욕주 전시관의 대형작업- FBI 범죄기록의 지명수배자들의 전단- 우체국과 경찰서: 얼굴의 정면과 측면사진- 소수민족에 대한 인종차별: 대부분 이탈리아인, 더 이상 수배자가 아닌 인물들

학교| 2014.01.07| 9페이지| 1,500원| 조회(146)

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현대미술의 이해 11주차

11주차: 네오 다다- 성립배경: 추상표현주의에 대한 반작용으로 구상을 미술소재로 이끌어옴11주차: 네오다다 : 제스퍼 존스 / 로버트 라우센 버그- 특징: 일상의 사물과 형상의 재현- 영향: 마르셀 뒤샹, 존 케이지- 대표작가(1) 제스퍼 존스(1930-)(2) 로버트 라우센버그(1925-)♣ 네오 다다의 특징1) 제스퍼 존스- 일상의 사물- 예술행위로서의 제작과정 강조2) 로버트 라우센버그- 일상의 사물- 컴바인 페인팅: 오브제 + 행위의 흔적 (슈비터스영향)- 무관한 이미지의 우연한 만남뒤샹 (1917): 일상의 레디메이드 선택후, 제목을 붙이는 것(기존 미술형태에 도전장): 기발한 자신의 아이디어 / 2차세계대전 후 다시 주목을 받음존 케이지 (20c 전위 음악가)1) 1952년 연주회 : 4분 33초동안 아무 음악이 흐르지 않음. 하지만, 케이지는 4분 33초라는 연주되지 않는 시간동안의 일상의 소움, 침묵자체가 음악이라고 표현2) 선불교의 영향아래 우연을 중요시한다. “예술의 목적은 예술과 인생의 차이를 흐리게 하는데 있다.”(1) 제스퍼 존스(jasper johns 1930~)존스 (1954-55)- 추상표현주의 (폴록, 루이스)와 비교할 때, 존스의 작품은 추상이 아니라, 구상이다(누구나 알수 있는 것): 구상으로서의 형상을 재현 중: 추상표현주의에 대한 반작용- 실제의 미국 성조기와는 다름. (별의수, 줄무늬) ->손자국의 흔작을 두면서, 과람자로 하여금 작가의 손길을 느끼게 함(루이스와는 전혀 다름)존스 (1960)-일상의 소재를 사용하여, 자신이 라벨만 그림 (뒤샹의 영향: 일상의 상품을 가져옴)but, 차이점은 분명있음. 예술가로서의 행위의 흔적음 남김(라벨은 그리다던지..)존스의 말“보이지만 자세히 눈 여겨 보지 않는 것들에 열중한다.” : 일상의 사물을 미술의영역으로 가져옴(2) 로버트 라우센버그- 존케이지의 영향라우센 버그 (1955)- 침대위의 이불(기성품)에 물감을 부어 흘러내리는 기법을 사용함: 추상표현주의와 기법이 유사함- 일상의 오브제를 사용함(침대, 이불)- 예술가로서의 행위의 흔적을 남김(물감칠하기)로버트 라우센버그 (1955-59)- 팔레트 위, 박제된 양에 타이어, 얼굴에 색을 남김- 모순된 이미지(양, 타이어)가 공존하고 있음 (초현실주의 살바도르 달리의 영향)라우젠 버그 (1958)- 나무박스와, 코카콜라 빈병, 박제된 새의 날개 (상호 모순된 이미지가 만나고 있음)- 박스에 적힌 알파벳은 작가의 흔적 오브제와 제작행위의 흔적- 뒤샹의 일반적인 물건을 사용함- 슈비터스의 폐품도 사용함 (일상과 예술을 공유함)라우센버그의 말:“예술과 삶 사이의 틈에서 작업하고자 한다.”학습목표2: 팝아트1) 성립배경- 1960년대 미국의 풍요로운 자본주의 사회- 소비적인 대중 미술- 존스와 라우센버그의 영향- 일상셍활의 이미지2) 대표작가- 로이 리히텐스타인: 만화그림- 톰 워셀만(1931-2004): 혼합매체 재료- 제임스 로젤퀴스트(1933-): 조립된 광고이미지- 클레스 올덴버그(1929-): 거대한 조각♣ 팝아트의 특징- 미국 자본주의 사회의 풍요로운 생활- TV와 영화, 광고 이미지- 성적 욕구(1) 로이 리히텐스타인(1923-1997)♣ 로이 리히텐스타인 작품의 특성- 거대한 크기의 만화- tv와 신문의 주제 (전쟁, 남녀의 사랑에서 모티브)- 통일된 디자인 (이야기의 줄거리 보다는, 통일된 디자인을 나타내는건 왜냐면 예술가니까)- 망점, 줄무늬, 대화풍선의 시각적 효과리히텐스타인 (1961)- 자신이 보는 아들이 만화에서 모티브를 얻음리히텐스타인 (1961)- 만화와 만화를 그린 리히텐스타인의 그림의 차이: 거대한 크기로 확대: 하나의 장면을 통해서 통일된, 조형적인 요소로서 이끌어냄, (1962)- 전쟁 중 상황 blam, takka takka등을 그림을 통해 나타냄(의성어 사용): 청각적 요소를 사용남녀의 사랑: , (1962)- 드라마, 영화의 줄거리에서 모티브를 얻음연속화면: 리히텐스타인 (1963)- 만화를 보듯, 줄거리 내용을 상상, 박진감있게 화면을 볼수 있도록 리히텐스타인이 이끌어냄62년 작품에서는 하나지만, 62년 작품에서는 연속적인 화면으로 시간적 흐름을 읽도록 함.줄무늬 기법: 리히텐스타인의 1965년 그림들- 색선의 효과를 잘 사용.- 벤데이 망점과 리본 등을 파,빨,노,흰 색깔의 줄무늬를 사용하면서 색채의 효과를 가져옴61년 단선학 윤곽선에 비해, 62년 그림에서 색채, 망점, 줄무늬, 화려한 색채의 조화를 통해 풍요로운 화면구성으로 발전.루이스의 색채효과를 적용하고 있음(2) 톰 워셀만♣ 톰 워셀만 작품의 특징- 중산층의 풍요롭고 편안한 일상- TV와 영화의 광고이미지- 혼합매체- 여성 누드의 탐닉적 분위기: 중상층 미국인이 누린 풍요로운 일상을 그림- (1962) : 오브제가 부착되어있음 (손잡이, 수도꼭지 등), 식사 시에 필요한 요소 등 - 존스와 라우젠 버그의 영향 /- (1962) : 무엇이 그림인지, 오브제인지 헷갈림. 냉장도 외에는 그려진 것. 혼합된 그리기 법. 실제로 부엌의 느낌 (식사재료, 커피, 창밖의 풍경)- 정물 (1962): 담배, 햄버거, 우유, 풍경 이미지 : 당시 미국사회의 생활만족도를 보여줌- 워셀만 (1963): 욕조와 목욕도구 등 / 몸과 벽은 평면작업(페인팅), 봉 수건 붉은색 커튼은 실제 사물사용 : 욕실이라는 삶의 일부분을 재현하고자 함.- (1962): 입술과 유두 부분을 강조하여 성적 요소- (1967): 입술, 휴지, 담배 등 일상의 대상을 이끌어 냄. 풍요로운 색채를 사용하여 관람자의 눈길을 이끌어냄- (1967): 풍요롭게 살고 있는 미국인의 삶과 성적 탐닉을 많이 그림 / 아름답게 그리기 보다는, 성적인 욕구의 대상으로 탐닉하는 분위기로 그림(3) 제임스 로젠퀴스트(1933-)- 뉴욕의 미술학교: 존스와 라우센버그 사귐- 상업용 포스터, 광고판 제작자로 활동 (1957-60) :상업용 디자인 전문가- 1960년경 화가로 활동♣ 제임스 로젤퀴스트 작품의 특징- 광고 이미지 착용- 미국 중산층의 소비생활- 성적 욕구- 단편적인 이미지들의 조합- 친숙하면서도 낯선 화면 효과 (1960)- 케네디 얼굴과 자동차 사이 여성의 손이 나타남 (1961)- 여러 단편적인 요소를 혼합하는 것이 특징- 남성의손, 하이힐신은 여인, 버튼, 여인의 네일한 손톱 --> 연상해서 보는 관람자의 태도를 유도 (1961)- 포드자동차, 여인, 스파게티 면 가락등이 익숙한 이미지이지만 세 개가 혼합된 것이 관람자입장에서는 낯섬. 이것이 로젠퀴스트의 의도,

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현대미술의 이해 10주차

10주차: 미국 추상표현주의210주차: 미국 추상표현주의2 1) 색면회화: 마크 로스코 / 바넷 뉴먼2) 1960년대의 후기 회화적 추상: 모리스 루이스 / 줄스 올리츠키1) 액션페인팅: 폴록, 윌렘 드 쿠닝, 프란츠 클라인2) 색면 회화3) 1960년대의 후기 회화적 추상1) 색면회화: 명상과 신비의 체험- 마크 로스코: 바탕 색 위의 색면들- 바넷 뉴먼: 거대한 색면과 수직의 단선2) 1960년대의 후기 회화적 추상: 사라진 행위의 흔적 (손자국이 아니라, 간접적임 스프레이나 물감이 흘러내림)- 모리스 루이스: 염색기법- 줄스 올리츠키: 스프레이 기법Ⅰ. 색면 회화1) 대표작가(1) 마크 로스코 (1903-70)(2) 바넷 뉴먼(1905-70)♣ 색면 회화의 특성- 액션페인팅의 열정적인 추상에서 단순화된 기하학적 추상으로- 순수 색면의 명상 효과(1) 마크 로스코 (1903-70)♣ 로스코 작품의 특성- 바탕색 위의 색 면들: 층층이 떠돌며 미묘하게 변하는 색채- 색면의 방사효과: 비물질적인 빛의 효과- 명상과 신비의 체험을 유도함로스코 (19335)추상화가 아닌 구상화를 그림.많은 사람들이 사용한 여성의 몸을 그림.로스코 (1938)- 40년대가 되면서 많이 변함.- 수평, 수직 면분할을 체계적으로 하고 있음로스코 1940년대 세계 2차 세계대전 이후 많이 변함- 잭슨 폴록에게 영향을 미친 [미로]의 자동기술법의 영향을 받음을 확인할 수 있음.- 수채화가 흐르듯 사용됨을 볼 수 있음, 조심스러운 붓 터치, 미묘한 색처리- 1949 크게는 바탕색면을 그리고 다른 색선과 색면을 배열하는 특징- 주황색의 바탕면, 노란색면, 흰색면, 분홍색 면을 차례로 그림- ▶ 흐리게 그린 것은 모두 작가의 의도임.로스코 (1951)-로스코의 독특한 그림세계는 바탕 색면을 그리고 위에 다른 색을 올리는 것로스코 (1952)-노란색 바탕면위에 흰색면을 올리지만 노란색을 완전히 보이지 않게 하는 것이 아니라 스근하게 나타나도록 하는 것. --> 감정적인 붓터치가 아니라 섬세한 붓터치임.로스코의 말“나는 추상화가가 아니다. 나는 색채나 형태 등에 관심이 없고, 내가 관심을 갖는 것은 비극, 환희, 운명 같은 인간의 기본감성을 표현하는 것이다.”▶ 추상화가가 맞고, 색채에 매우 관심이 있음.로스코 (1955)- 색면 추상을 통해 인간의 감성을 표현 하는 것이 목표.- 두개 색면의 회화를 통해서 기본적인 감성을 느껴야 함- 은은한 색, 면 자체가 방사되는 듯함을 느껴야 함- 화면 아래부터 미묘한 색채가 뿜어 나오는 것을 알아야 함.- 모네 (1981)- 짚더미에 반사된 표피적인 빛로스코 (1958)- 전시조건을 매우 소중하게 여김- 온 전시회장이 자신의 작품으로 구성되고 멍하니 앉아 자신의 작품을 감상할 때 느끼는 인간의 기본적인 감정을 중요시 여김.베르니니 (1644-47) 로마- 주제: 육체적인 고통이 있었지만 신의 사랑을 느낄 수 있었음. 황홀한 신앙 고백을 베르니니가 표현함▶ 황홀함을 표정으로 나타내지만, 20C 작가들은 추상적인 표현으로 관람객이 느끼도록 함.로스코 (1956)- 따스한 감성을 느낄 수 있음로스코 (1959)- 전체적인 어둡기 때문에 슬프고 비극적인 감정을 느낌▶ 똑같은 색면 이지만 색채에 따라 감정을 다르게 느낌.폴록의 작품에서는 다양한 색,선들의 움직임이 작가의 행위를 상상할 수 있음 / 로스코는 가만히 보고 있자면 인간의 내면에 있는 감정을 느낄 수 있음.▶ 액션페인팅이라는 격렬한 작가를 엿볼 수 있지만, 로스코는 조심스럽고 세심한 붓 터치. 같은 미국의 추상화지만 다름을 알 수 있음. 감상의 포인트-관람객의 曰 내가 이것이 무엇을 표현하는지는 모르겠지만 이걸 보고 있자니 왠지 조금은 슬프고 그렇네요 라고 말하니 로스코는 그럼 됐습니다. 라고 대답함▶ 이것이 로스코의 의도 (색으로 감정이 나타냄)- 작품과 작품은 전시하는 공간이 밀접히 관련됨.- 작품과 외부를 차단하는 것.(2) 바넷 뉴먼(1905-70)♣ 뉴먼 작품의 특성-거대한 색면과 수직띠-정신적 의미의 숭고미-색면의 만남과 분할: 개별성과 전체를 느낌-무한한 확장의 가능성뉴먼 (1945)- 2차 세계대전이 끝난 후 남긴 작품- 초현실주의자 [미로]의 자동기술법을 사용하고 있음: 유럽작가들이 뉴욕작가들에게 큰 영향을 미침뉴먼 (1949): 색면, 수직띠화면의 분절: 거대한 색 면을 통과하는 다른 색의 수직띠뉴먼 (1949)- 갈색조의 색면에 검은색과 색채의 띠가 수직으로 이끌어 지는 것을 볼 수 있음뉴먼 (1950-51)- 거대한 화면을 많이 사용함- 아름다움보다는 ㅅ니비로운 숭고함을 표현하고자 한다. 로스코는 감성을 표현하고자 했다면, 뉴먼은 숭고함을 표현하고자 함. 숭고함이란,블레이크 (1794)- 하느님이 세상이 탄생함을 표현함- 위대한 순간의 기분을 나타냄- 영적인 능력을 가진 신과 함께 신비스럽고 숭고함을 느낄 수 있음: 머리카락, 빛등을 통헤 세계가 완성되는 순간을 나타냈는 반면뉴먼 (1949)- 수직띠로서 숭고함을 나타냄거대한 색면: 무한한 확장의 가능성색면과 색면의 만남과 분할- 거대한 캔버스를 바라보아야 정신적 의미의 숭고함을 느낄 수 있음.신을 향한 느낌을 나타내는 고딕 성당의 건축 양식이 뉴먼의 커다란 색 면에서도 느낄 수 있음.뉴먼 (1966)-커다란 캔버스앞에 서서 순수한 색면을 맞이 할 때 인간을 압도하는 숭고의 미를 전달 받을 수 있음.두 개다 추상화임에도 불구하고, 작가의 의도를 파악하고 감상을 한다면 풍요롭게 감상할 수 있음.뉴먼의 평면성, 부드러움을 느낄 수 있지만, 클라인은 공간성 움직임을 알 수 있음.인내를 가지고 차분히 작품을 맞이 해야 함뉴먼 (1960) 숭고함: 수직의 상승 효과- 숭고한 요소를 조각을 통해 나타냄피라미드 형식의 사각 돌기둥,오벨리스크: 태양을 향해 솟구치는 것을 의미함프랑스 파리 콩코드 광장, 미국의 워싱턴 등 다양한 곳에서 오벨리스크를 볼 수 있음Ⅱ. 1960년대의 후기 회화적 추상(1) 모리스 루이스(2) 줄스 올리츠키♣ 특징- 순수한 색채의 추상- 사라진 행위의 흔적(작가의 직접적인 손행위가 아님, 간접적으로 나타남)- 회화의 완전 평면 도달(1) 모리스 루이스 (1912-62)♣ 모리스 루이스의 특징- 염색 기법 (염색공이라고 생각 할 정도)- 1954년경 초벌칠하지 않은 면포, 수용성 아크릴 물감을 사용한다.루이스 (1954)- 흘러내리는 듯한 느낌- 유화가 아니라, 수용성 물감을 사용하여 캔버스 천에 스며들도록 함- 붓을 가지고 그린 것이 아니라, 캔버스 천에 그대로 흘러 내리도록 하는 것.- 여러 단계로 흘러내리도록 함.- 받침목, 캔버스 천의 각도 조정을 하여 물감을 붓는 것- 물감의 양과 방향조절- 캔버스 천의 구겨진 부분에 물감 흘리기- 색채들의 다양한 움직임 성취- 색채 안에 존재하는 색채: 밝은 색은 나중에 부은 어두운 색 안에 존재 (:색의 순서에 따라 또 다르게 나타남)

학교| 2014.01.07| 8페이지| 1,500원| 조회(210)

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