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삼국시대 무용의 종류

1. 무용의 정의일반적으로 무용은 무용의 동기와 목적에 따라 예술무용, 교육무용, 오락무용, 유희무용, 체육무용으로 구분할 수 있으며 무용의 형태와 내용, 형식, 체계, 해석, 정서, 시대, 지역 등에 따라 다양하게 분류된다.한국무용이란 역사 이래 오늘날까지 한국에서 생성되고 전승되었던 무용을 그 일체를 가리키며, 한국적 미 형식을 바탕으로 한 현대의 창작무용까지를 포함하는 개념이다.오늘날 우리나라에서 정의하는 무용의 범주는 근대 이전에 연원을 둔 전통무용과 근대 이후 전통무용에 바탕을 두고 새롭게 전개된 신무용, 서양의 기법에 바탕을 둔 현대무용 등이 주를 이루며, 우리나라의 대학교육에서 수용하고 있는 발레 등을 함께 아우른다.2. 삼국시대의 무용1) 고구려고구려 무용에 관한 내용은 지금까지 발굴된 고분벽화와 ≪삼국사기≫ 등 몇 가지 문헌에 전하는 단편적인 자료에 근거하여 그 모습을 엿볼 수 있다.≪삼국사기≫ 악지에 소개된 고구려의 무용은 악기 연주자들의 반주에 맞추어 4명의 무용수가 둘씩 짝을 지어 추는 것으로서 무용수와 악사들의 복식이 서로 다르다.즉, 악공들은 붉은 비단모자에 새 깃털로 장식을 하였고 저고리는 노란색 긴소매와 자주빛 비단띠를 갖추었으며, 아랫도리는 통이 아주 넓은 바지를 입었다. 그리고 붉은색 가죽신에 오색끈을 달아 신었다.그런가 하면 4명의 무용수들은 모두 머리를 뒤로 묶고 붉은 빛깔의 수건으로 머리를 동이고 여기에 금실로 장식을 하였다. 그리고 짝을 이루는 2명의 무용수는 끈이 길게 내려오는 저고리에 붉은 바지를 입고 다른 2명의 무용수는 붉고 노란 빛깔의 저고리에 바지를 입었는데, 모두 긴소매를 착용하였으며 검은색 가죽신을 신었다고 되어 있다.이와 같은 내용은 중국의 역사서인 ≪구당서≫의 내용과 일치하는 것으로서, 고구려 고분벽화 중의 통구 무용총 무악도에 나타나는 고구려 춤의 모습과 매우 비슷하다. 즉, 양자의 내용을 비교하면 연주자와 무용수의 복식 및 4명의 무용수가 짝을 이루어 춤을 춘다는 점이 공통적으로 나타나는 것이다.위와 같은 문헌내용과 고분벽화로 알 수 있는 고구려 무용의 특징은, 오늘날 한삼의 구실과 비교할 수 있는 긴소매 저고리를 입고 어깨를 으쓱이며 엉덩이를 뒤로 약간 내민 채 추는 것으로 집약할 수 있다.한편, 황해도 안악고분의 후실벽화에는 코가 큰 무용수가 다리를 ‘X’자모양으로 꼬고 손뼉을 치며 춤추는 모습이 보이는데, 이것은 무용수의 외모라든지 춤사위, 반주악기 등으로 보아 서역에서 전래된 당시의 외래무용이라고 판단된다.이와 같은 춤 이외에도 고구려의 여러 고분벽화에는 다양한 춤과 재예의 모습이 묘사되어 있어 당시의 춤문화를 간접적으로 시사하여준다.2) 백제백제의 무용에 대하여 알 수 있는 자료는 너무도 소략하다. 중국과 일본의 역사기록에 의하면 백제의 춤문화가 고구려나 신라에 비하여 그리 뒤쳐져 있던 것 같지는 않지만, 이를 뒷받침해줄만한 근거자료가 발견되지 않고 있다.중국문헌인 ≪통전≫을 인용한 ≪삼국사기≫ 악지에서는 무용수 2명의 복식에 관하여 언급하였을 뿐이다. 즉, 백제의 무용수들은 붉은 빛깔의 긴소매가 달린 치마 저고리를 입고 머리에는 장보관을 쓰며 가죽신을 신었다는 것이다.이 복식 기록만으로 볼 때 백제의 무용수가 장보관을 썼다거나 발목이 짧은 ‘이’ 계통의 신을 신었다는 점에서 춤의 계통이 고구려와 다른 것임을 짐작하여 볼 수 있다.한편, 백제의 춤과 관련하여 매우 주목을 끄는 점은 〈기악무〉에 관한 기록이다. ≪일본서기≫에 의하면 7세기초 백제인 미마지가 오나라로부터 〈기악무〉를 배워 일본에 전하였다 하였고, 이 춤의 전승에 대해서도 간단히 언급하였다.뿐만 아니라 이 기악무는 일본의 여러 사찰을 중심으로 연행되어왔기 때문에 이 춤에 사용되던 가면이 나라의 도다이사에 전하고 있고, 13세기경에 편찬된 고마치카자네의 ≪교훈초≫에는 〈기악무〉의 각 과장이 설명되어 있어 백제춤의 색다른 면모를 알 수 있게 한다.3) 신라신라의 무용은 가야금과 노래연주와 함께 연출된 것이 가장 대표적이다. 그리고 ≪삼국사기≫ 등의 기록에 의하면 신라에서는 일반 백성들이 생활 속에서 집단적으로 참여하는 가무와 무격의식과 관련된 춤문화가 매우 성하였음을 알 수 있다.뿐만 아니라 신라시대는 백희가무의 형태를 띤 기예도 적지 않게 연행되고 있었다고 기록되어 있어, 삼국 가운데 춤문화에 대한 기록이 가장 많은 셈이다.물론, 이와 같은 춤문화가 신라의 독자적인 특징이라기보다 기록의 정도 차이라고 볼 때, 금·가의 반주에 맞추어 추는 춤의 형태라든지 민간에서의 집단적인 가무형태, 백희가무와 같은 기예의 형태, 무격의식과 관련된 춤의 형태는 삼국 모두가 누리고 있었던 공통적인 문화였으리라고 짐작하여 볼 수 있다.≪삼국사기≫ 악지에 의하면 가야의 악사였던 우륵이 신라로 망명하면서 금·가·무의 연출형태를 신라에 전한 것으로 되어 있다.즉, 552년(진흥왕 13) 신라로 망명한 우륵은 신라의 세 젊은이 계고, 법지, 만덕에게 각각 가야금과 노래와 춤을 가르쳤으며, 이것이 뒤에 신라의 궁중연악으로 채택되었던 것이다. 이와 같은 금·가·무의 연출형태는 통일신라로 전승되었으며 중국·일본 등과의 교류에서도 신라를 대표하였다.한편, 백성들의 집단가무 형태에 대한 단편적인 기록으로는 제3대 유리이사금 시대 〈도솔가〉에 관한 것과 한가윗날의 〈회소악〉과 관련된 것, ≪삼국사기≫에서 향인들이 즐겼다고 하는 여러가지 악곡이름 등을 들 수 있으나, 구체적인 춤의 내용에 대하여는 알 수 없다.이 중에서도 〈덕사내〉·〈석남사내〉·〈내지〉·〈백실〉·〈사중〉 등은 무격의식과 관련된 것으로 추측되며, 이 춤들은 물론 춤과 음악이 함께 수반되었으리라고 본다.3. 전통무용의 갈래와 종류전통무용은 춤추는 목적과 그 춤의 사회적 기능에 따라 분류해 보면 크게 종교의식무용, 민속무용, 교방무용(기방무용), 궁중무용 등으로 나누어진다.1) 종교의식무용종교 의식춤은 원시적이고 소박한 민간 신앙적 차원을 넘어서 좀 더 종교의식으로서 체계적이고 형식화되어 있는 춤을 말한다.즉, 무속 의식춤, 불교의식춤, 유교의식춤, 장례의식춤이 그것이다. 무속춤인 경우 무당이 춤추고, 불교춤은 승려들이 추며 유교의 춤은 궁중예인인 무동들이 추었다. 또한 장례춤은 상두꾼이나 무가사람들이 춘 것이다. 따라서 종교의식춤은 민중의 춤이 아니고 특정한 종교예인들의 춤이다.무속춤은 크게 나누어 강신무당이 신이 되어 추는 춤과 세습무당이 추는 축원춤이 있는데 이들의 춤에서 강신무당의 춤을 주로 신령과 접신하기 위한 춤, 신령이 노는 춤, 주술적 춤, 신의 복을 주는 춤을 추며 세습무당의 춤은 주로 신을 맞이한 춤, 신을 즐겁게 하는 춤, 신을 보내는 춤이 있다.그런데 이러한 춤들은 서울지역을 비롯하여 경기 및 충청지역, 경상도 및 강원도의 동해안지역, 한강이북지역, 제주도지역 등 6개 지역에 따라 움직임이 다르다.불가에서는 불교무용을 작법춤이라 한다. 작법춤은 49재를 비롯하여 백일재, 예수재, 수륙방생재, 영산재 등에서 춘 의식춤으로서 범패와 같이 재식절차에 따라 추어진다.작법춤의 종류는 바라춤, 법고춤을 비롯하여 착복춤로서 나비춤(서울지역의 춤)과 고기춤(전라도지역의 춤) 그리고 타주춤 등이 있다.2) 민속무용민속춤이란 민족의 기층 문화의 한 영역을 차지하는 예능이라고 말할 수 있다. 민속춤을 즐겼던 계층은 농민, 어민, 상인과 천민 등 소위 피지배 계층인 서민 대중이었으며 감상을 하기보다는 직접 참여하여 춤추는 것이 일반적이었다.민속춤은 개인적 사고보다는 온 겨레가 오랫동안 생각해서 창조한 춤이기 때문에 춤의 창작자는 개인이 아니라 다수이며 따라서 그들의 미의식에서 나온 공동 창작춤이라 할 수 있다.이렇듯 민속춤은 자연발생적으로 만들어졌기 때문에 소멸되지 않고 민중에게 공감을 주는 춤이 된 것이다. 이러한 뜻에서 민속춤은 대동춤, 누리춤, 우리춤, 마을춤, 민중춤, 서민춤, 대중춤이라는 말을 곁들여서 쓰기도 한다.농악은 경기 및 충청농악, 영동농악, 영남농악, 호남우도농악, 호남좌도농악 등 5개 지역에 따라 가락과 춤이 다르다. 예컨대 경기농악의 춤은 무동들의 춤과 8법고춤, 부들상모의 부도춤, 진풀이 등이 특색적이고 영동농악은 8법고춤, 농사풀이춤 등 특색이 있다. 영남농악은 채상모춤, 부들상모의 부포춤, 진풀이, 북춤, 소고잡이 등의 채상모춤과 거리기춤, 수박춤, 북춤 등이다.호남우도농악은 진풀이를 비롯하여 쇠꾼 등의 발림춤과 부포춤, 장고춤, 고깔소고춤, 채상모 소고춤, 잡색 등의 가면춤 등이 특색적이고 호남좌도농악은 쇠꾼 등의 부포춤, 장고춤, 채상모 소고춤, 무동춤, 잡색 등의 가장놀이춤 등이 있다. 탈춤은 크게 보아 서낭제탈놀이 계통을 비롯하여 산대극 계통이 있다.서낭제탈놀이 계통인 경우 하회별신굿 탈놀이춤은 주지, 초랭이, 백정, 할미, 부네과 중, 양반, 선비, 부네 등의 배역에 따른 춤이 있고, 강릉관소가면놀이의 춤은 장자마리, 양반광대, 소매각시, 시시딱딱이 등의 배역에 따른 춤이 있다.또한 북청사자놀음의 춤은 배역 전원의 장기춤, 사자춤이 있다. 산대극탈놀이 계통의 춤은 대체적으로 승려역을 비롯하여 천미역, 반인반수역, 문둥이역, 동물역, 포수역, 양반역, 영감역 등의 춤들이 있다.소리춤 계통의 춤은 남성춤인 경우 대표적인 춤은 지계목발춤이라 할 수 있고 경기도나 경북지방에는 논뚝밟기춤들이 있었다고 한다. 그러나 여성들의 춤은 전라도 남해안 지방에 강강술래를 비롯하여 여러 가지 다양한 춤들이 분포되어 있으며 이 밖에 서해안과 동해안 지방과 안동 지방에도 몇 가지의 춤이 남아 있다.3) 교방춤(기방춤)

예체능| 2023.10.23| 4페이지| 2,000원| 조회(201)

무용, 예체능, 한국무용, 무용의 정의, 삼국시대의 무용

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한영숙류와 강선영류 태평무 비교

1. 서론태평무는 나라의 풍년을 기원하고 태평성대를 바라는 뜻을 담은 한국의 전통 민속춤이다. 한성준이 경기도당굿의 무악과 무무를 바탕으로 창작한 작품으로, 그 가락이 다채롭고 장단의 흐름이 매우 복잡한 것이 특징이다. 타 민속춤에 비하여 춤사위와 발디딤이 개성적이며 예술적 가치를 인정받아 중요무형문화재로 지정된 이후에는 현재까지 꾸준히 전승되고 있다.현재 전승되는 대표적 태평무는 한영숙류 태평무와 강선영류 태평무이며, 전통 민속춤을 대표하여 꾸준히 전승·시연되고 있다. 이 두 가지의 태평무는 한성준에 의해 파생되어 뿌리는 같다고 할 수 있지만, 춤사위에서 분명한 차이점을 보이고 있다. 따라서 움직임의 뼈대가 되는 장단과도 밀접한 관계가 있다고 할 수 있다. 모두 경기도당굿의 장단을 공유하면서도 장단의 구성에서 달라지거나, 서로 사용하지 않는 장단을 활용하여 특징을 나타내고, 가락의 운용에서도 차이가 드러난다. 본 레포트에서는 각 유파별 장단을 자세히 알아보고, 그 차이를 비교해보는 것을 목표로 한다.2. 태평무1) 태평무의 형성배경 및 특징태평무의 파생설에는 정재에서의 파생, 재인청에서의 파생, 무속에서의 파생 등 여러 가지 설이 있으나 근거가 부족하고 추측성 자료가 많아 확실하지 않으나, 태평무의 장단 구성이 경기도당굿의 굿거리에서 쓰이는 터벌림이나 올림채 장단을 중심으로 구성되었다는 점과 경기도당굿에서 사용되는 발 디딤새와 춤사위과 유사하게 나타나는 점을 생각해 보았을 때, 경기도당굿의 영향을 상당부분 받았을 확률이 높다.태평무에 사용한 복식은 왕과 왕비의 것이고 무속 장단의 다양한 박자와 발디딤의 기교가 우아하면서도 절도를 가지고 있어 정중동의 미적 형식을 갖춘 춤이라고 할 수 있다. 태평무는 한국의 민속춤 중에서도 장단이 가장 화려하고 다채로우며 경기도당굿의 무악과 춤이 합쳐서 높은 예술적 가치를 지니고 있다.2) 태평무 장단 및 설명태평무는 한성준의 손녀인 한영숙과 제자인 강선영에 의해 전승되어 현재 대다수가 두 가지의 유파로 전승·시연되고 있다. 하지만 두 유파가 장단의 구성에 있어서 차이점을 보이고 있는데, 한성준에 의해 창작될 당시에 태평무의 기반이 되었던 터벌림과 올림채 장단을 전개부로 기준하여 도입과 결말을 추가하며 보다 완성도가 있는 형태로 정착되었다. 도입부에서 한영숙류는 푸살, 터벌림, 봉등채 장단, 강선영류는 낙궁 장단을 사용하고, 결말부에는 두 유파가 모두 도살풀이와 도살풀이몰이 장단을 사용하나 한영숙류는 자진굿거리 장단으로, 강선영류는 터벌림으로 마무리한다. 각 유파의 장단 구성을 도입-전개-결말로 나누어 분석하면 아래와 같다.? 한영숙류 장단 구성한영숙류 태평무의 도입부는 가야금의 새가락별곡 반주형태로 구성되어있다. 푸살, 터벌림, 봉등채의 순서로 15박부터 10박, 5박으로 줄어들다가 다시 타악기로만 구성된 전개부의 터벌림으로 넘어간다. 전개부는 터벌림을 시작으로 올림채, 올림채몰이, 천둥채, 발뻐드레, 겹마치기 등 다양한 장단으로 구성되었으며 전반적으로 20장단을 넘기지 않고 간결하다.결말은 도살풀이 장단으로 시작해 도살풀이몰이로 넘어가고, 발뻐드레 장단을 사용하여 자진굿거리로 마무리된다. 느린 장단에서 빠른 장단으로 박자가 변화하여 연결된 자진굿거리는 경기시나위 선율과 섞여 춤의 흥과 신명을 띄워준다.표 1 한영숙류 장단 구성구성장단횟수소요시간도입부푸살102:12터벌림91:05봉등채140:47전개부터벌림, 몰이151:20올림채100:22올림채몰이80:14넘김채10:02천둥채70:14겹마치기40:08발뻐드레90:17결말부도살풀이13.50:52도살풀이몰이50:18발뻐드레100:21자진굿거리200:40? 강선영류 장단 구성강선영류 태평무의 도입부는 길군악 선율에 맞춰 낙궁 장단으로 시작한다. 전개부의 터벌림은 64장단으로 장단의 수가 한영숙류에 비해 4배 이상 많으며, 올림채와 올림채몰이 장단은 비교적 짧다. 전개부의 마무리는 발뻐드레 장단이며 달고, 맺고, 푸는 형태의 장단을 3번 반복하는데 이를 ‘발뻐드레 24박’이라 칭한다. 결말부의 도살풀이는 터벌림 다음으로 많은 62장단으로 구성된다. 도살풀이 몰이장단으로 넘어가 점점 빠르게 변화한 뒤 터벌림으로 마무리한다.표 2 강선영류 장단 구성구성장단횟수소요시간도입부낙궁30:39전개부터벌림, 몰이645:50올림채40:08올림채몰이4.50:10넘김채20:04발뻐드레200:37결말부도살풀이624:00도살풀이몰이201:02터벌림50:373) 태평무 장단 비교분석표를 통해 두 유파의 장단 구성을 비교하면 장단의 횟수에서 규칙적인 장단의 흐름이 다르며 반 장단씩 추가된 것을 한 부분씩 발견할 수 있다. 한영숙류의 도살풀이에서는 첫 장단을 한 장단 전체를 사용하지 않고 반 장단을 연주한 후에 한 장단으로 시작한다. 이는 경기도당굿에서 쓰이는 형태가 춤 반주에 그대로 차용된 것으로 보이며, 다른 민속춤과 비교했을 때 보편적으로 한 장단 전체를 시작 신호로 하는 것과는 다르지만 이는 태평무 장단의 특성으로 볼 수 있다.강선영류의 올림채몰이에서도 반 장단이 추가되어 있다. 올림채몰이 장단에서 넘김채 장단으로 변화하기 전 올림채의 10박 중 5박을 연주하지 않는다. 이는 장단의 흐름상 박자의 구조에 있어 연결이 자연스럽지 못하다는 평가가 있으나 무용의 동작에 박자를 맞춰 연주했을 것이라는 추측이 있다.위의 표를 통해서 두 유파의 사용 장단, 장단의 횟수 등 확연히 드러나는 차이점을 볼 수 있다. 강선영류가 한영숙류보다 터벌림과 도살풀이의 장단 수가 많은 반면에 한영숙류는 5가지 이상의 장단을 사용하여 다채로운 구성을 만들었고, 전체적으로 보았을 때는 강선영류가 장단의 수가 많다.? 도입부두 유파의 도입부 장단은 선율을 중점으로 연주하기 시작하여 변형된 장단이 거의 없으며, 기본형 위주로 연주된다는 공통점이 있다. 한영숙류는 음량이 크지 않은 가야금에 특성에 맞춰 약하고 가볍게 연주하는 반면에 강선영류 태평무는 왕의 행차 음악으로 사용되었던 낙궁(길군악)의 특성에 맞게 위엄이 넘치는 느낌으로 강하게 연주된다. 전개부의 터벌림으로 넘어갈 때 한영숙류는 속도의 변화 없이 봉등채장단의 리듬을 살리며, 강선영류는 장단을 확실히 마무리짓는 느낌과 함께 전개부로 넘어가는 것을 볼 수 있다.? 전개부전개부는 두 유파 모두 터벌림 장단을 중심으로 하여 올림채와 발뻐드레 장단을 구성했다. 같은 장단을 공유하면서도 가락의 구성이나 운용에 차이점을 보이는데, 한영숙류는 천둥채와 겹마치기 장단이 추가되어있으며 강선영류는 한영숙류에 비해 터벌림 장단의 비중이 크고 2배 이상의 변형 가락을 사용한다.올림채와 몰이장단은 각 유파의 터벌림 장단 이후에 사용된다. 터벌림의 상승되는 박자를 이어 올림채의 속도를 몰아 춤의 흥을 띄우는 것이다. 올림채와 몰이를 합쳐 한영숙류는 18장단, 강선영류는 8.5장단으로 구성하여 강선영류가 한영숙류에 비해 짧고 단순하게 연주하나 급격히 빨라지는 몰이장단이 특징이다.넘김채장단은 두 유파 모두에서 올림채장단과 붙어 사용된다. 한영숙류에서는 천둥채 전에 1장단, 강선영류에서는 발뻐드레 전에 2장단 사용된다. 장단 사이를 연결하는 특징에 맞게 기본형 위주로 연주되며 단순한 가락이 사용된다.천둥채는 한영숙류 태평무에서만 사용된다. 속도가 빠르고 다이나믹한 장단으로 이 가락과 어우러진 발디딤이 한영숙류 천둥채장단의 백미라고 한다. 빠르고 잔잔한 열채연주 중 궁채로 갑작스레 강박을 쳐 음량을 조절하는 것이 특징이며, 이 조절을 통해 천둥이 치는 소리를 표현한다.

예체능| 2023.10.23| 4페이지| 2,000원| 조회(643)

무용, 예체능, 태평무, 타악, 형성배경 및 특징

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한국 춤의 흐름과 발전을 통한 전통문화의 과거와 현재

1. 한국 무용의 정의한국 무용이란 우리나라 고유의 전통 문화를 바탕으로 하여 만들어진 모든 종류의 무용을 말한다. 한국무용은 크게 궁중무용·민속무용·가면무용·의식무용·창작무용 등으로 나눌 수 있다.2. 한국 무용의 특징한국무용의 초기 형태는 국가적 의식 끝에 있는 축제의 흥이 어깨에서 구체적으로 나타나, 장단가락과 박자에 맞추어 온몸으로 퍼지는 춤사위를 한국적인 멋으로 승화한 것이라 이야기할 수 있다. 그러나 시간의 흐름에 따라서 한국무용의 특성은 변형되었는데, 고려시대와 조선시대의 윤리와 사상이었던 불교와 유교의 가르침에서 육체의 노출을 금기시했기 때문이다. 이러한 영향으로 한국무용의 특성이 변형된 것을 궁정무용이라고 할 수 있다. 이와는 대비되는 민속무용은 한국무용 고유의 원형을 살리고 중국의 무용을 흡수한 것으로 경쾌하며, 우아하면서도 변화가 거침없는 무용으로 발전하였다.1) 궁중무용춤의 테마를 동작이 아니라 노래로써 설명한다는 점이 가장 큰 특성이 된다. 동작으로 보면 그 가락이 우아하고, 선이 고우며 몸가짐이 바르고, 동작의 변화가 적으며 다양한 편은 아니다. 급하고 촉박한 것이 금기시되는 것만 보아도 궁중무용의 느낌이 어떤지 알 수 있는 대목이다.2) 민속무용제약을 많이 받아 단조로운 가락으로 고정된 궁정무용과는 달리 원초의 자연스러운 가락이 잘 보존된 것이 민속무용이다. 한국의 민속무용은 민간신앙의 잔재인 각종 제사와 세시풍속 사이에서 자연스럽게 발생했다. 그렇기에 민중과 호흡을 같이하고, 서민들의 생활반경 속에서 뿌리를 내린 채 오랫동안 성장해왔다. 민속무용은 궁중무용과 달리 어떠한 격식이나 일정한 법도가 필요하지 않으며, 서민들의 정서와 소박한 감정을 적나라하게 표출한다는 데에 그 특징이 있다.3. 한국 춤의 흐름과 발전1) 상고시대의 무용한국무용도 다른 부족국가의 무용과 마찬가지로 상고시대의 종교의식에서 기원되어 발달해 왔다. 음악과 무용은 우리의 선조들이 하늘처럼 받들던 정치 및 종교와 비슷한 관계였기 때문에 고대에 있어서는 음악과 시가와 무용이 구별되지 않고 종합예술로서 성립하였다. 즉, 음악과 무용은 이른바 삼위일체가 되어, 음악이 있으면 반드시 무용이 수반되어 이것을 악樂이라 규정했던 것이다.2) 삼국시대의 무용삼국시대에는 무요예술이 상고시대보다 더욱 진보하였으며, 모든 영감이 신화에서 시작되었다. 고구려에서는 무용 지서무, 호선무, 고구려무가 탄생했으며 백제에는 미마지라는 무용가가 중국의 오나라에서 기악을 배워와 한국에 가면무용극인 산대도감놀이를 창시하였을뿐만 아니라 이를 일본에 소개하여 불교극 기악무를 전파케 하였다. 신라에서는 가면무인 처용무가 오늘날보다 세런된 형식으로 추어졌다.3) 고려시대의 무용고려시대의 무용은 초기 삼국시대의 무용이 그대로 전승되었으며, 종교무용이 수입되며 더욱 번성하였다.4) 조선시대의 무용고려를 계승한 조선시대는 무용이 한층 융성해지며 조선왕조는 건국 당초부터 예술과 악을 국정의 요체 삼았다고 한다. 세종대왕은 무악의 정리와 신작에도 힘을 기울였으며 세조와 성종 등 개국창업의 좋은 조짐과 왕조의 위용을 자랑하기 위한 기념비적 의의로 무용에 많은 심혈을 기울였다고 한다. 하지만 조선조 후기에는 그 양상을 크게 달리하여 조선 순조 때 효명세자가 부왕과 왕후를 위하여 무용에 힘썼는데, 익종이 남긴 20여 편의 가작이 그 흔적으로 이는 한국이 낳은 희귀한 안무가이며 아직도 현존하는 약 50종의 궁중무용 중 거의 절반의 작품이라고 한다.5) 개화기 이후의 한국무용상고시대부터 내려온 행사의 놀이가 종교를 앞세운 외세로부터 침식되면서 하층계급의 전유물로 변하고, 시간이 지남에 따라 이러한 놀이 자체도 외래적 영향을 받아 복합적으로 수용되어갔던 과정이 발견된다. 따라서 종교적 성격과 오락적 성격이 결합된 민중희나 무용이 생겨났다.6) 한국무용의 현황상고시대부터 유구히 전해오던 우리 무용은 개화 이후의 외세 유입과 일정 36년을 거치는 동안 수난과 고초를 겪는 가운데 위축되었으나 광복과 함께 회생되었으며, 현재에는 많은 무용인이 양성되어 전통무용의 보전과 전승이 진행되고 있다.7) 오늘날의 무용현재에 이르러서는 한국무용뿐만 아니라 서양에서 수입된 현대무용이나, 다양한 음악 장르가 수입되며 생겨난 밴드로부터 이어진 아이돌(KPOP)산업, 거기서부터 생겨난 코레오그래피 등 다양한 무용의 형태가 발견된다.7-1) 현대무용우리나라에 현대무용이 소개된 시점은 일제강점기인 1920년대로, 일본의 현대무용가가 1926년 내한공연을 하면서 이에 자극을 받은 사람들이 일본 유학길에 올랐다. 이들이 귀국하여 1930년대에 개인발표회를 하기 시작하였으나, 이는 서양의 현대무용을 그대로 가져왔다기보단 일본에서 한번 재해석된 현대무용을 가져왔다고 평가된다. 이후 1960년대에 이르러 서양의 현대무용을 직접적으로 교육받은 무용가가 등장하고, 이화여자대학교에서 최초로 체육과에서 무용과가 분리되어 개설되었다. 이후 전국적으로 대학 무용과의 현대무용 전공생들이 전문적인 무용가로 양성되었다. 그리고 1980년 비로소 한국의 현대무용이 비상하며 다양한 무용가들이 창작 일선에서 활동을 시작하고, 무용계 안에서 자급자족하던 예술의 공급과 소비의 유통 구조가 일반 관객에게도 개방되었다. 20세기 말에 이르러서는 한국의 현대무용이 국제화 추세에 발맞추어 세계의 무용시장과 폭넓게 교류하고 있다. 외국의 무용단이 내한공연을 하고 국내 무용가들이 해외로 진출하는 등 우리 무용계와 세계 무용계의 거리는 점점 좁혀지고 있다.7-2) 아이돌 산업 및 댄서의 탄생

예체능| 2023.05.01| 3페이지| 2,000원| 조회(237)

전통문화, 전통무용, 한국 춤

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무용치료 요법의 효능

1. 서론오늘날 무용은 미디어에 다양하게 노출되며 일반인들에게도 선풍적인 인기를 끌어오고 있다. 하지만 그만큼 무용에 관해 떠올려보라고 한다면, 대부분 무대 위에서 춤을 추는 사람들을 떠올리는 것이 현실이다. 하지만 무용의 역사를 한 번이라도 배워본 사람이라면 무용의 뿌리가 남에게 보여주기 위한 것만은 아니라는 사실을 알고 있을 것이다.오늘은 다양한 무용의 모습 중 무용을 이용한 치료에 대해서 알아보고, 그 효능에 대해 이야기해 보도록 하자.2. 무용치료요법의 정의무용치료요법은 음악, 미술, 드라마 등과 함께 신체의 움직임을 사용하여 개인의 신체, 정서, 인지, 사회적 통합을 위한 심리 치료의 한 분야로, 개인의 감정과 정신, 신체를 통합시키는 것이다. 움직임 상호작용을 통하여 개인의 일상적인 자각과 내부에 존재하는 무의식적 정신과정을 이해하고, 창의적이고 표현적인 개념들을 정신 치료의 통찰력과 결합시키는 데에 초점을 둔다.3. 무용치료요법의 역사와 발전춤은 인류가 시작되면서부터 제례의식이나 종교와 함께 존재해왔다. 그들은 언어로 표현할 수 없는 공포, 경외, 숭배 등을 춤으로 표현하며 집단적으로 공유했다. 치료로서 유용한 종교적 춤의 유형은 춤추는 행위자가 일으키는 엑스터시로서 원시부족 시대부터 존재했다. 이러한 엑스터시의 치료적 가치는 춤에 의해 유도된 황홀경의 상태에서 억눌린 감정의 격렬한 발산을 통해 정화되는 경험을 갖는다. 즉, 원시사회에서는 신들의 노여움을 달래거나 그들을 경배하기 위해 고안된 의식들 내에서 춤의 역할을 부각시키고 있다.춤이 카타르시스를 일으키며 치료의 수단으로 사용된 것은 춤의 역사만큼이나 오래되었는데, 최근의 여러 연구에서는 한국의 민속춤, 그 중에서도 무당들이 추는 춤이 심리적 치유를 하는 기능이 있다고 밝히고 있다. 미국의 한 댄스 테라피스트는 “춤은 개인이 자신을 표현하고, 그 감정을 타인에게 전달하며 자연과 교감하는 수단이 되었으며, 무용 의식은 개인과 사회의 통합뿐만 아니라 개인적 통합을 촉진하는 역할을 한다”고 한 바 있다.1920년대에 정신분석학자들이 언어를 통해 무의식의 표현을 시도하였을 때, 무용수들은 신체 동작을 무의식의 표현 수단으로 사용하기 시작하였다. 이러한 시대적 배경에 따라 1940년대부터 무용치료가 시작되었다. 이 시기의 무용치료는 주로 병원에 입원한 조현병 환자를 대상으로 이루어졌다. 특히 제2차 세계대전 이후 정신적 피해를 가진 환자들이 급증하며 비단 춤뿐만 아니라 작은 움직임을 통해서 치료사와 환자의 관계를 발전시키고 나아가 환자의 대인관계를 증진시키는 데에 도움을 주었다1단계2단계3단계4단계진단 및 평가치료 목적 및 목표 설정치료 목적에 따른 치료 계획 적용치료 적용에 따른 대상자의 반응 평가- 초기 면담: 대상자의 발달, 개인적·사회적 배경, 병력 조사- 심리검사: 심리검사를 통한 대상자 이해- 동작관찰분석: 움직임 관찰을 통한 대상자의 신체, 정서, 인지, 사회발달 수준, 움직임 수행능력, 의사소통 수준 관찰- 장기 및 단기 치료목표 설정- 회차별 치료목표 설정- 치료목표에 따른 치료적용계획서 작성- 프로그램의 적용- 동작관찰 분석을 통한 사전, 사후 변화 보고- 평각 소견서 작성: 대상자 및 보호자의 만족도 조사4. 무용치요요법의 진행 단계5. 무용치료요법의 효능그리스의 사람들은 무용과 카타르시스를 동격시했을만큼 무용은 사람들에게 유쾌한 에너지를 전달해 준다. 무용에서의 빠른 회전 동작을 감상하는 것만으로도 의식의 변화를 가져다주고, 높이 뛰어오르는 동작은 무한한 가능성을 느끼게 하며, 여러 사람과 춤을 추며 애정이 증진될 수 있게 한다. 이 모든 것이 스트레스로 연결될 수 있는 환경에서 벗어나 심신의 평온함과 안락함을 가져다준다. 그리고 뇌와 뇌하수체에서 분비되는 엔도르핀이 신체활동을 통해 작용하며 신경 안정제의 역할까지 해내는 것이다.또한 무용을 통해 분비되는 노르에피네프린이라는 호르몬은 최근 늘어나는 자살의 주 원인인 우울증의 치유에 큰 도움을 준다.하지만 여기서 간과할 수 없는 점은, 움직임을 통해 개인 내면세계의 상징적인 면이 직접적으로 표출되기 때문에 무용과 연습을 치료에 적용시켜 심리적 갈등에 의해 생긴 신체적 부조화를 춤과 행위를 통해 해소시킬 수 있는 기회를 반드시 제공해야 한다는 것이다.

예체능| 2023.05.01| 3페이지| 2,000원| 조회(319)

무용, 무용요법, 무용치료

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고전 발레의 3대 걸작

1. 서론순수무용 중 가장 대표적이라고 할 수 있는 발레는 예전부터 현재까지 이어지는 긴 역사 속 아름다움을 유지해 온 장르 중 하나이다. 오늘은 발레의 종류 중 하나인 고전 발레에 대해 알아보고, 그 중에서도 3대 걸작으로 불리며 무용에 종사하지 않는 사람이라도 한 번은 보고 들었을 작품 세 가지에 대해 이야기해보려고 한다.2. 고전 발레란?고전 발레는 낭만 발레/무용과는 대조적으로 창조적 자유보다는 명료성, 조화, 대칭 및 질서와 같은 형식적 가치에 중점을 둔 안무 형식이다. 감정적인 표현과 기교보다는 테크닉 상의 완벽함을 강조하였기 때문에 좀 더 전문화된 무용수들이 늘어났다는 것이 특징이다. 또한 이 시기에는 고전발레의 아버지라 불리우는 마리우스 프티파에 의해 3대 발레가 형성되었다. 그는 디베르티스망 무용을 개발하고 막의 구분을 스펙타클한 극적 구성으로 표현하였으며 마임, 연극, 솔리스트, 듀엣, 소수집단의 춤, 대형 앙상블, 기하학적 형태로 구성된 민족춤과 스텝들이 포함된 성격춤 등 다양한 안무 형식을 만들었다. 또한 마지막에 출연진 전원이 등장하는 피날레를 통하여 화려하고 웅장함이 극에 다다르는 연출을 선보였는데, 이것은 눈부시고 화려한 르네상스 음악의 특징과 루이 14세 때의 바로크/음악적 궁정발레/무용의 재현이었다. 또한 차이코프스키의 뛰어난 음악도 프티파의 3대 발레의 완성의 큰 기여를 했다. 이러한 뛰어난 안무 형식으로 프티파는 고전발레 시대의 거의 모든 작품을 안무하였다 보아도 무방하며, 그러한 이유로 고전발레시대의 형식과 프티파의 안무 형식은 동일하다 평가된다.3. 차이코프스키의 3대 발레1) 백조의 호수국립발레단이 를 공연하는 모습백조의 호수는 1877년 모스크바에 초연된 작품으로 3대 걸작 중 가장 처음 작곡된 작품이다.① 이 작품의 탄생우리에게는 지그프리트 왕자와 오데트 공주의 사랑 이야기를 그린 동화로도 많이 알려져 있다. 모티브는 동화 이다. 작곡은 1875년 차이코프스키가 친구인 작곡가 림스키 코르사코프에게 보낸 편지에서 볼쇼이 극장의 베기체프에게 신작 발레 작곡을 의뢰받아 승낙했다고 밝혀져 있다. 안무는 마리우스 프티파와 공동 안무가인 레프 이바노프였는데, 처음 등장했을 때는 음악이 발레에 어울리지 않는다는 혹평을 받았다. 프티파는 주역 무용수들의 마임과 회전 테크닉으로 음악과 춤을 조화시켰으며 이바노프는 짝짓기의 철을 맞은 백조들의 아름다운 날개짓을 오랫동안 관찰한 뒤 오데트와 백조소녀들의 안무를 완성했다고 한다.② 이 작품의 줄거리이 작품의 줄거리를 간단하게 소개하자면, 지그프리트 왕자가 우연하게 악마 로트바르트의 저주에 걸려 낮에는 백조의 모습으로 있어야 하는 여인 오데트 공주와 만나 사랑에 빠지는 이야기이다. 그러나 오데트에게 저주를 걸어가면서까지 그녀를 탐낸 악마 로트바르트는 자신의 딸 오딜을 보내 왕자를 유혹하게 했고, 왕자는 계략에 걸려 오딜에게 사랑을 고백해버린다. 그 탓에 자살하려는 오데트를 지그프리트가 말리며 사랑을 고백하고, 그 직후 로트바르트가 나타나 오딜과의 결혼을 강요하지만 이를 거부하고 오데트와 지그프리트가 함께 춤을 추며 호수에 몸으르 던진다. 이 순간 오데트의 저주를 풀리게 되며 로트바르트는 몰락하고, 둘은 영원한 행복의 나라로 여행을 떠나게 된다.③ 이 작품의 특징- 오데트와 오딜 역은 주역인 프리마 발레리나가 1인 2역으로 소화한다. 본래는 각각 다른 발레리나가 맡도록 되어 있었지만 19세기 말에서 20세기 초에 활동한 발레리나 피에리나 레냐니가 이 역할을 소화해낸 후에 1인 2역으로 굳어지게 된 것이다. 그로서 선과 악을 오가는 연기가 필수적이게 되면서 이 역할을 담당하는 발레리나들의 표현 방법, 해석 등이 상당히 달라 관람에 흥미를 더해주는 요소이다.- 오데트의 의상이 발레리나의 대명사로 인식되는 데 기여했고 차이코프스키의 곡 중에서도 손꼽히는 인지도를 가지고 있기 때문에 대부분의 발레단이 백조의 호수를 매년 고정 레퍼토리로 올리고 있으며, 주역 데뷔를 위한 필수 코스라 해도 과언이 아니기 때문에 많은 발레 단원들이 솔리스트를 맡기를 꿈꾼다고 한다.- 이 작품의 가장 보편적인 결말은 오데트와 지그프리트가 함께 죽음을 맞이하는 동시에 로트바르트의 저주가 깨지는 것이나, 극장과 연출자의 해석에 따라 다른 결말을 채택하기도 한다. 이는 차이코프스키가 작곡한 피날레 음악이 청자에 따라 비극적이거나 행복한 엔딩 등 다양하게 해석될 여지가 있기 때문이다.2) 잠자는 숲 속의 미녀숲속의 미녀는 귀족적이고 화려한 유럽풍의 무대, 무용수 전원이 보여주는 고난도의 기량으로 비단 발레 애호가가 아니더라도 보는 이 모두에게 충분히 매력적으로 다가온다. 화려한 장식의 풀로레스탄 왕궁과 여성미가 넘치는 아름다운 의상은 작품의 시작부터 관객을 압도하며 특히 3막의 결혼식 축하연에서는 온갖 동화 속 캐릭터들이 나와 다양한 볼거리를 제공한다. 또한 아름다운 군무는 형식미의 절정을 보여주는가 하면, 주인공의 그랑 파드되는 ‘고전 발레의 교과서’로 일컬어진다.① 이 작품의 탄생이 발레의 원작은 1697년 프랑스의 작가 샤를 페로가 쓴 동화 이다. 1888년 5월 러시아 상트페테르부르크 궁정 극장의 총재였던 이반 프세볼로지스키는 차이코프스키에게 페로의 동화 에 근거한 발레 음악을 작곡해달라며 편지를 쓴다. 당시 차이코프스키가 작곡한 발레곡은 가 유일한 작품이었으며, 그 작품마저도 당시에는 대중의 환영을 받지 못하고 있는 상황이었다. 차이코프스키는 같은 해 8월 프세볼로지스키가 쓴 각본을 손에 넣자마자 작곡에 착수하였고, 안무는 러시아 궁정발레의 탁월한 안무가이며 연출가인 마리우스 프티파가 담당하였다.② 이 작품의 줄거리발레 는 프로레이스탄 24대 나라의 오로라 공주를 중심으로 한 이야기이다. 오랫동안 자식을 낳지 못했던 왕비가 오로라 공주를 낳아 거국적인 축하 파티가 열리는 중에, 그 파티에 초대받지 못한 요정 카라복스가 오로라 공주는 어른이 될 무렵, 물레에 손가락이 찔려 죽을 것이라며 예언한다. 그러나 상냥한 리라의 요정이 나타나 공주는 아주 깊은 잠에 들 뿐이며, 이윽고 어느 왕자의 사랑에 의해 눈을 뜰 것이라고 축복한다. 왕과 왕비는 공주에게 위험이 될 모든 물레를 없애지만, 성인이 될 무렵 어느 방에 남아있는 물레를 건드리게 된 공주는 예언대로 깊은 잠에 빠져들게 된다. 그로부터 100년이 지난 후, 숲 속에 사냥을 하러 간 데자이어 왕자가 공주의 아름다움에 이끌려 그 이마에 입을 맞추자 오랜 잠을 자고 있던 공주를 비롯하여 궁전 사람들마저 눈을 뜨게 된다. 두 사람은 약혼을 하게 되고, 얼마 후 왕자와 공주의 화려한 결혼식이 전개되며 이야기는 막을 내린다.1890년 마린스키 극장에서 초연할 당시, 에 등장한 배우들③ 이 작품의 특징- 발레 는 1890년 1월 15일 마린스키 극장에서 초연되었으며, 당시 공연을 지켜본 관객들의 반응이 보다 훨씬 좋았다고 전해진다.- 는 차이코프스키 생전에 유일하게 성공한 발레라는 이름이 있을 정도로 시간이 갈수록 인기를 모았다. 하지만 차이코프스키가 1893년 세상을 떠나는 바람에 그는 이 작품이 해외까지 진출하여 대성공을 거두는 순간은 보지 못했다고 한다. 하지만 는 러시아 궁정극장에서 가장 인기있는 작품 중 하나로 사랑받았으며, 1921년 런던 공연에서 대히트를 기록하며 불후의 발레 레퍼토리가 되었다.3) 호두까기 인형의 2막 엔딩 장면① 이 작품의 탄생이 작품은 독일의 작가인 E. T. A. 호프만의 동화인 을 모델로 한 발레 작품이다. 원작의 작가인 호프만은 괴이한 환상을 자아내고 기지와 풍자를 많이 담은 여러 단편과 몇 개의 장편을 써 다양한 사람들에게 영향을 끼친 것으로 유명한데, 이 작품을 읽은 러시아 황실 극장장인 이반 브세볼로즈스키가 당시 마린스키 극장의 수석 안무가였던 프티파에게 발레 작품으로 만들어줄 것을 의뢰하며 탄생했다.② 이 작품의 줄거리이 작품의 내용은 크리스마스 전야에 ‘호두까기 인형’을 선물받은 클라라의 꿈 속 이야기로 전개된다. 마술사이자 클라라의 대부인 드로셀마이어가 선물해 준 호두까기 인형과 잠이 든 클라라는 꿈 속에서 거대해진 트리와 생쥐 군단과 맞딱트린다. 이때 나타난 호두까기 인형이 병졍들과 함께 싸우다 위기에 처하는데, 클라라가 신발을 던져 호두까기 인형을 구한다. 마침내 호두까기 인형은 생쥐 군단을 물리친다. 드로셀마이어의 마술로 클라라는 아름다운 여성으로, 호두까기 인형은 호두까기 왕자로 변신하고 클라라의 집은 눈송이들이 춤을 추는 눈의 왕국으로 변해 클라라와 왕자는 눈썰매를 타고 환상 속 과자 왕국으로 떠난다. 그곳에서는 클라라와 왕자를 위한 축제가 열리고 크리스마스 아침, 클라라가 행복하게 깨어나 크리스마스를 맞이하는 이야기이다.

예체능| 2023.05.01| 5페이지| 2,000원| 조회(648)

발레, 무용, 현대무용

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