조형 예술과 윤리 ? 유니버설 디자인1. 유니버설 디자인의 정의유니버설 디자인은 장애인, 노인, 어린이, 임산부, 외국인 등 사회구성원 모두가 무리 없이 이용할 수 있도록 제품, 시설, 환경, 서비스 등을 설계하는 것을 의미한다. 유니버설 디자인의 대표적인 정의로는 미국의 건축가 로널드 메이스(Ronald L.Mace. 1985)가 제창한 ‘장애 유무나 성별, 나이, 국적 등과 관계없이 모든 사람이 안전하고 편리하게 이용하도록 고안된 디자인’을 들 수 있다. UN 장애인 권리 협약(UN Convention on the Rights of Persons with Disabilities, CRPD, 2006)에서는 유니버설 디자인을 ‘별도의 개조나 특별한 디자인 없이도 가능한 한 모든 사람이 사용할 수 있는 제품, 환경, 프로그램, 서비스 디자인’이라고 정의하고 있으며, 유니버설 디자인은 ‘장애가 있는 특정 그룹을 위한 보조 장치가 필요한 곳이라면 그것을 배제하지 않아야 한다’고 언급하고 있다. 디자인 포 올 유럽(Design for All Europe Foundation)에서는 유니버설 디자인을 ‘인간의 다양성, 사회통합, 평등을 위한 디자인’으로 정의하였다.2. 유니버설 디자인 원칙유니버설 디자인에는 7가지의 원칙이 있다. 첫 번째는 ‘동등한 사용 (equitable use)’이다. 디자인은 서로 다른 능력을 갖고 있는 모든 사람들에게 유용하고 구매 가치가 있도록 해야 한다는 것이다. 두 번째는 ‘사용상의 유연성 (flexibility in use)’이다. 디자인은 광범위한 각 개인의 선호도와 능력에 부합해야 한다. 다음으로, 디자인의 사용은 사용자들의 경험, 지식, 언어 기술, 집중력 등에 구애되지 않고 이해하기 쉬어야 한다는 ‘단순하고 직관적인 이용법 (simple and intuitive use)’과 사용자들의 지각 능력이나 주위의 조건에 구애되지 않고 필요한 정보를 효과적으로 전달시키고자 하는 ‘정보 이용의 용이 (perceptible information)’가 있다. 또한, 고려하지 않았거나 우연히 한 행동에 의한 역효과와 위험을 최소화하는 ‘오류에 대한 포용력 (tolerance for error)’과 디자인은 피로를 최소화하고, 좀 더 효과적이고 안전하게 사용될 수 있어야 한다는 ‘최소의 물리적 노력 (low physical effort)’ 이 포함되어 있다. 마지막으로 ‘접근과 사용을 위한 충분한 공간 (size and space for approach and use)’이 있다. 디자인은 사용자들의 체형이나 자세 그리고 기동성에 관계없이 접근하고, 닿고, 조작하고, 사용할 수 있도록 적절한 사이즈와 공간이 제공되어야 한다는 것을 의미한다.3. 사회변화에 따른 유니버설 디자인 적용 방향성사회 구성원 간 공존의 가치를 추구하게 되면서 장애인을 비롯한 다양한 사용자층을 고려한 국가적 노력은 지속하여 왔으며 앞으로는 그 범위 단계별로 넓혀 보다 다양한 사용자층과 사회 영역을 고려하여 유니버설 디자인이 구현될 수 있는 기반을 마련하고 있으며, 시행규칙으로 정하는 세부기준 또한 더욱 전문적이고 실효성 있게 수립될 것이다. 유니버설 디자인은 추구하는 방향이 공익의 추구에 맞물려 있어 유니버설 디자인은 공공영역을 중심으로 확산해 왔다. 그러나 갈수록 민간 영역에서의 유니버설 디자인 실현을 통한 실생활에서의 체감이 중요해지면서, 유니버설 디자인의 적용 범위는 공공영역에서 민간영역으로 확장될 것으로 예상된다. 또한, 유니버설 디자인을 적용할 수 있는 분야를 디자인 영역을 중심으로 보면, 환경, 커뮤니케이션, 제품, 정보 기술, 서비스 등의 영역으로 적용 영역이 다양화될 것이다.조형 예술 작품 분석1. 신주쿠 지하철역 Hand Rail왼쪽의 사진의 신주쿠 지하철 계단의 핸드 레일이다. 도시 환경에서의 공공시설물 디자인 중 하나인 핸드 레일은 평균적인 높이로 제한되어 있었다. 그러나 왼쪽의 핸드 레일은 시민들의 키 높이에 맞추어 2단으로 설치하고 시민의 손이 맞닿는 부분에는 친환경 소재인 천연 목재로 마감하여 장애인, 노약자 그리고 어린이들이 안전하게 사용할 수 있도록 개선되었다.신주쿠 지하철역의 핸드 레일을 위의 원칙에 근거하여 분석해 보자면 다음과 같다. 먼저, 신주쿠 지하철역의 핸드 레일은 시민들의 키 높이에 맞추어 제작되어 누구나 사용하는 데 용이하기에 ‘동등한 사용’과 ‘사용상의 유연성’을 충족하고 있다. ‘단순하고 직관적인 이용법’과 ‘정보 이용의 용이’를 살펴보자면, 별도의 조작 없이 보통의 핸드 레일과 동일하게 사용할 수 있다는 점에서 편리성과 조작성을 갖추고 있다. 또한, 사진에서 ‘접근과 사용을 위한 충분한 공간’이 제공되고 있으며, ‘최소한의 물리적 노력’으로 충분히 이용할 수 있음을 알 수 있다. 또한, 부드러운 목재를 이용하여 사고의 위험을 줄였다는 점에서 ‘오류에 대한 포용력’을 살펴볼 수 있기에 유니버실 디자인의 7원칙을 고루 갖추었다고 볼 수 있다.2. 일본 도쿄 배수로 덮개왼쪽의 사진은 일본 도쿄 배수로 덮개이고, 오른쪽의 사진은 흔히 볼 수 있는 배수로 덮개이다. 왼쪽의 배수로 덮개는 휠체어 장애인, 유모차, 지팡이를 짚은 노인들이 보행하다가 다칠 위험을 줄여줄 수 있는 디자인인 반면, 오른쪽의 배수로 덮개는 그렇지 않다.일본 도쿄의 배수로 덮개를 위의 사례와 같이 7원칙에 근거하여 분석한 내용은 아래와 같다. 기존의 배수로 덮개보다 사고의 위험을 줄일 수 있고 모든 사람이 보다 편리하게 이용할 수 있다는 점에서, ‘오류에 대한 포용력’과 ‘동등한 사용’, ‘사용상의 유연성’을 갖추게 되었다. 또한, 배수로 덮개 위를 지나갈 때 사용자가 별도의 행동을 취하지 않아도 되기에 ‘단순하고 직관적인 이용법’과 ‘정보 이용의 용이’, ‘최소의 물리적 노력’이 잘 드러난다. 기존의 배수로 덮개보다 사용하는 데 있어 접근과 이용의 공간에 많은 제약이 들지 않으므로 ‘접근과 사용을 위한 충분한 공간’이 잘 확보되어 있어 유니버설 디자인에 걸맞은 디자인이다.
[ 데이비드 호크니 ]“나는 항상 그림이 우리로 하여금 세상을 볼 수 있게 만들어준다고 생각해왔습니다.” 데이비드 호크니(1937~)는 팝아트 작가들 중 20세기의 어떤 영국 미술가들보다도 큰 명성과 상업적 성공을 거두었으며 가장 일상적이면서도 독특한 예술 세계를 보여준다. 호크니의 작품에 나타난 끊임없는 실험 정신, 천진난만한 순수성과 개방성은 쉬운 방식으로 대중에게 다가가 끊임없는 사랑과 관심을 모았다.데이비드 호크니가 작가로서의 역량이 본격적으로 드러난 것은 1953년 영국의 브레드포드 예술학교에 입학하면서부터이다. 이 시기는 전 세계적으로 추상 표현주의가 지배적인 영향을 끼치던 시기였다. 예술가들은 자기 자신만의 독창성과 개성을 예술 창조의 가장 중요한 신조로 삼게 되었고 인간의 본질을 집약한 추상 형태로써의 인간 내면 세계의 탐구에 주력하였다. 하지만 데이비드 호크니는 이러한 추상표현주의의 형식적 측면과 함께 늘 ‘내용’을 담아내고 싶어했다. 호크니의 이러한 지향과 맞물려 1960년대 중반, 영국의 미술계는 대중 문화와 강하게 접목되는 양상을 보인다. 주변의 일상적인 이미지들이 새로운 의미의 예술로서 인식되기 시작한 것이다. 예술은 개성의 표현이 아닌 사회의 표현이라는 미학으로 옮겨가게 된 것이다.왕립 예술 학교에 입학하면서 그는 염색한 금발머리에 올뺴미 안경을 쓰고 금색 조끼를 입고 다니는 등 세계적인 스타로 급부상한 비틀즈와도 같은 시대 풍조를 고스란히 담고 있었다. 뿐만 아니라, 그의 작업 역시 일상적인 소재와 대중 예술에서 크게 영향 받고 있었으며, 그런 팝아트적이면서 로맨틱하고 그래픽적인 요소들은 계속해서 그의 독특한 작품 세계를 형성해 나가게 된다.1960년 런던의 테이트 갤러리에서 있었던 피카소의 개인전은 호크니에게 커다란 감명을 주었으며 은 특히 자극이 되었다. 1961년에는 뉴욕을 방문하여 느낀 이국적 인상들을 호기심을 가지고 표현하였다. 샤워하는 장면과 동성애적 주제 등이 그것이었다. 1962년에는 왕립예술학교를 졸업하고 이태리를 거쳐 베를린에서 생활하였다. 더욱더 실험적인 창작에서의 가능성을 보여주게 되는 계기는 1980년 을 통해서이다. 무대 디자인과 극장에서 일을 하는 것이 타인과의 많은 타협을 요구한다고 느낀 호크니는 회화 작업으로 돌아가기를 결정하고 게네스 테일러를 만났다. 그의 작업실에서 펄프를 이용한 작품과 함께 그 작업실 옆에 있는 수영장에 흥미를 느끼게 되어 을 제작하게 된다.데이비드 호크니는 사진 작품에서도 두각을 드러낸 인물이다. 과거 호크니는 사진 큐레이터인 알란 세비지와의 대화에서 다음과 같이 사진의 모순을 지적했다. “사진은 오랫동안 계속 해서 볼 수 없다. 보통의 사진은 30초이상 계속해서 볼 수 없으며, 다른 기회에 다시 보아도 결국은 똑같은 이미지로 밖에 보이지 않는다. 이것은 전통적 인 사진이 대상을 순간적으로 정지시킨다는 것을 의미한다.” 그러나 4일간의 논쟁에서 알란 세비지의 설득은 받아들여졌고, 이는 호크니가 사진의 새로운 매체로서의 가능성을 인식하는 계기가 되었다. 호크니의 스냅사진의 주요 대상은 일상의 풍경이었다. 1963년 초 그는 ‘Holiday Snap’을 만들었다. 이것은 여러 개별 스냅사진을 붙인 사진첩의 페이지를 액자에 넣어 만든 것으로 호크니 주변을 담고 있었으며, 친근한 개인의 일상을 편안히 감상할 수 있게 했다. 이때까지도 그는 양감과 볼륨에서의 표현 수단으로는 카메라가 실제 그림 보다 하위에 있다고 생각했다.그러나 1982년 다각적 시점의 시도, 즉각적 이미지 반영, 설계대로의 진행, 속도의 조절 등 폴라로이드의 매력에 빠지게 된 호크니는 이때부터 그림 그리는 것을 멈추면서까지 사진작업에 매달리게 된다. 호크니는 그의 열정을 쏟아 석달 사이 수천의 폴라로이드 사진을 찍고 접합함으로써 수많은 폴라로이드 콜라주를 만들었다. 호크니는 자신의 폴라로이드 카메라를 통해 드로잉의 의미를 생각했으며, ‘카메라에 의한 드로잉' 이라고 자신의 폴라로이드를 불렀다.“예술의 기반은 대중성이어야 한다.”는 호크니의 말에서 나타내주는 것처럼 그의 작품은 그가 어떠한 계획에 착수학 때마다 모두 소비적, 산업적, 대중적인 것 그리고 이미 널리 알려져 있었던 소재를 작품의 주제로 다루었다는데 특징이 있다. 그는 다양한 주제와 규정되지 않은 매체를 통해 대중들을 자신의 작품 속에 몰두할 수 있도록 하였으며, 근본적으로 대중들이 쉽게 접근할 수 있는 것에 바탕을 두고 작업을 하였음은 물론 그만의 독특한 상상력의 표현을 구사하였다. 호크니는 결코 하나의 형식이나 일정한 양식에 고찰되는 것을 거부하였다. 또한 형식과 함께 주제와의 균형을 염두에 두어 현대 회화가 가지는 내용의 부재라는 취약성을 극복하려 하였으며, 그의 그런 태도는 작업의 독특한 개성을 충분히 나태내주고 있다.호크니가 훌륭한 작가로서 인정받는 것은 다양한 기법과 유형들 그리고 동양과 서양, 고대와 현대를 초월하는 그의 광범위한 지식과 개방성, 열정에 의한 추진력 때문이다. 어떤 틀 속에 있기를 거부하고 끊임없는 단계들 속에서의 노력은 그에게 있어 가장 큰 작업의 원동력일 것이다.[ 데이비드 호크니 작품에 대한 조형적 분석 ](Christopher Isherwood talking to Bob Holman)오른쪽 작품은 한 거실의 풍경이다. 생각하는 사람, 앉아있는 사람, 옆모습의 사람 세 사람이 같은 장소에 모여 앉아 있다.이 작품은 데이비드 호크니가 1983년에 제작한 포토 콜라주이다. 2차원면에 3차원적인 화술을 압축하여 중첩시킨 것으로 이야기 전개식 포토 콜라주이다. 화면의 내용이 시간의 흐름에 따른 이야기의 연속적인 묘사이기 때문에 같은 얼굴이 서로 다른 모습으로 여러 번 등장하고 있으며, 이는 중첩 비율이 매우 높아지는 요인이 된다. “나는 이야기하는 방법을 표현하는 시도를 해왔다. 관찰자는 그 자신의 속도를 앞으로, 뒤로, 안에서 그리고 밖에서 자신의 판단대로 자신의 속도를 세울 수 있다. 공간을 통한 사람들의 움직임과 시간을 통한 이야기의 이동은 한 연속에서 다음 연속으로 완벽하게 흐른다.” 라고 호크니는 자신의 이야기 전개식 꼴라주에 대하여 말하였다.
현대미술사 2차 레포트* 레포트 주제: 디지털 시대의 예술 표현 경향 및 특성에 관하여 전반적으로 서술한, NFT예술의 구체적 사례 및 전망을 자유롭게 서술하시오.Ⅰ. 디지털 시대의 예술 표현 경향 및 특성디지털 시대의 예술 표현은 기술의 발전과 디지털화의 영향을 받아 혁신적인 변화를 겪고 있다. 다양한 디지털 도구와 플랫폼이 예술가들에게 창작과 공유의 새로운 방식을 제공하고, 예술 작품의 형태와 경험을 혁신시켜오고 있다. 이에 따라 디지털 시대의 예술 표현은 다음과 같은 특징과 경향을 보이고 있다.먼저, 상호작용과 참여의 특징을 지니고 있다. 디지털 기술은 예술 작품과 관객 또는 사용자 사이의 상호작용과 참여를 강조한다. 가상 현실이나 증강 현실과 같은 기술을 활용한 작품들은 관객이 작품 안으로 직접 들어가 참여할 수 있는 경험을 제공하며, 예술 작품의 경계를 모호하게 만들어준다. 또한, 인터랙티브한 웹사이트, 소셜 미디어 플랫폼, 온라인 게임 등을 통해 예술가와 관객 간의 상호작용이 이루어지는 경우도 어렵지 않게 찾아볼 수 있다.둘째, 다중 매체와 융합이 가능해졌다. 디지털 시대의 예술은 다양한 매체를 융합하여 새로운 형태를 창출하는 경향이 있다. 예술가들은 그래픽 디자인, 영상, 음악, 문학 등 다양한 예술 분야의 기술과 재료를 결합하여 창작하며, 이를 통해 시각적, 청각적, 인터랙티브한 경험을 제공한다. 또한, 예술과 기술의 융합을 통해 신기술을 활용한 작품들도 등장하고 있다. 그 예로, 인공지능을 활용한 예술 작품, 3D 프린팅을 이용한 조각 작품 등이 있다.셋째, 디지털 시대에서는 대량의 데이터가 생성되고 수집되는데, 이를 예술 작품의 소재로 활용하기도 한다. 데이터 시각화는 복잡한 정보와 추상적인 개념을 시각적으로 표현하는 도구이다. 데이터 시각화 예술은 통계 데이터, 소셜 미디어 활동, 기후 변화 등 다양한 주제의 데이터를 시각적으로 변환하여 이해하기 쉽고 매력적인 작품으로 제시한다. 이러한 작품들은 시각적으로 아름답거나 독특한 시각적 표현을 통해 복잡한 데이터를 시각화하고, 우리의 생활과 사회 현상을 시각적으로 이해할 수 있도록 돕는다.넷째, 공간의 제약이 사라진다. 디지털 기술은 예술 작품의 형태와 경험을 혁신시키는 데 큰 역할을 한다. 가상 현실(VR)과 증강 현실(AR)과 같은 기술은 예술가들에게 현실과 가상의 경계를 넘나드는 창작 환경을 제공하며, 새로운 시각적, 청각적 체험을 가능케 한다. 디지털 아트는 컴퓨터 그래픽, 인터랙티브 인스톨레이션, 가상 현실 작품 등 다양한 형태로 나타나며, 예술가들은 디지털 도구와 기술을 통해 독창적이고 실험적인 작품을 만들어낸다.즉, 디지털 시대의 예술 표현은 예술가들에게 더욱 자유로움과 창의성을 부여하면서도 동시에 기존 예술 형식과 경험을 변화시키고 혁신시키는 역할을 한다. 디지털 기술의 발전과 예술가들의 실험과 창의력을 통해 예술의 경계를 확장하고 새로운 시각과 경험을 제공한다. 이러한 변화는 예술가와 관객 간의 관계를 재정립하고, 예술의 역할과 의미에 대한 질문을 던지기도 한다. 디지털 시대의 예술은 예술과 과학, 기술, 인문학 등 다양한 분야와의 융합을 촉진하며, 여러 기술을 활용하여 예술과 기술의 경계가 모호해지고 서로 상호작용하면서 새로운 예술을 만들어낸다. 디지털 시대의 예술은 우리의 문화와 사회에 대한 이해와 표현을 확장시키는 동시에, 우리의 삶을 더욱 풍요롭게 만들고, 우리의 사회를 더욱 다양하고 포용적인 공간으로 변화시킬 수 있는 강력한 도구이다. 앞으로의 디지털 시대는 예술의 영역에서 더욱 다양하고 혁신적인 변화를 가져올 것이다. 예술가들과 관객, 기술, 사회가 함께 협력하여 예술의 힘을 발휘하고, 우리의 문화와 사회를 더욱 풍요롭게 만들어 나갈 것이라 기대된다.Ⅱ. NFT 예술의 구체적 사례 및 전망2021년 3월11일 크리스티의 온라인 경매에서 비플이라는 작가가 2007년부터 매일 한 작품씩 그려 올린 작품들 전체를 하나로 콜라주해서 NFT로 만든 (Everydays: The First 5000 Days)이 약 765억원에 팔리면서 NFT 예술은 곧바로 미술계의 새로운 화두가 되었다. 블록체인 기술을 기반으로 한 NFT(Non Fungible Token)는 ‘대체불가능토큰’으로 번역한다. 디지털상의 모든 대상은 파일 복사를 통해 원본과 완전히 동일한 복제가 가능하다. NFT란 무한 복제가 가능한 디지털 대상에 원본임을 증명하는 NFT 꼬리표를 붙여서, 추후 아무리 많은 복제 파일이 돌아다녀도 대체가 불가능한 원본의 가치를 인정받도록 한 것이다. 메타버스 같은 가상공간이 대중화하면서 디지털자산 거래가 함께 활성화되었고, 이들 자산의 원본성을 증명할 필요를 해결한 것이 바로 NFT이다. NFT는 주로 블록체인 기반의 암호 화폐로 거래된다. NFT 예술은 디지털화한 이미지에 NFT를 붙여 미술품처럼 거래하는 대상을 뜻한다.앞서 말한 (Everydays: The First 5000 Days) 외에도 수많은 NFT 예술이 있다. 구체적인 사례는 다음과 같다. 먼저, 미국의 그래픽 디자이너인 키 아렌스가 제작한 ‘221 Dryden Street comes이다’. 실제하는 집을 기반으로 만들어진 이 작품은 구입을 통해 미술작품 뿐만 아니라 집도 구할 수 있다. 주택과 NFT아트는 대체가 불가능하다는 공통점을 가지고 있으므로 이 작품을 구매하면 모두 대상을 명확하게 소유할 수 있는 것이다. 이것은 주택의 판촉에 NFT아트를 이용한 형태이다. NFT 아트의 대체불가능한 특징은 디지털 아트와 물리세계를 연결하는 역할도 할 것으로 기대되고 있다.다음으로는, 뱅크시 ‘SPIKE’이다. 이는 뱅크시가 2000년에 팔레스타인을 방문했을 당시 주웠다고 하는 팔레스타인 분리벽의 콘크리트 조각이다. 그는 이 조각에 SPIKE라는 글자를 새겨 아트작품을 만들었다. 작품은 스캔되어 디지털데이터로 경매에 부쳐졌다. 이로써, 세계적으로 유명한 현대미술 작가인 뱅크시도 NFT아트시장에 참가한 것으로 NFT아트에 대한 관심이 한층 더 고조되는 계기가 되었다.마지막으로, 트위터 CEO의 첫 트윗이다. 디지털의 형태라면 무엇이든 NFT아트가 될 수 있다. 무려 트위터 조차 상품으로 거래되고 있다. 트위터의 CEO인 잭 도시는 ‘Just setting up mytwtr’라는 트위터의 텍스트를 내놓았는데, 이 트윗은 사상 처음으로 트위터상에 게재된 트윗이었다. 이 약 20문자 정도의 트윗은 무려 290만 달러 한화 약 33억의 가격에 낙찰되어 큰 화제를 불러 일으켰다.NFT 예술은 예술 시장의 혁신, 예술 작품의 가치 인정, 작품의 디지털화와 보존, 예술과 기술의 융합이라는 결과를 가져왔다. 앞으로의 NFT 예술의 전망은 아래와 같이 기대된다. 먼저, 작가에게 지속적인 수익 창출 기회가 될 것이다. NFT가 작가에게 지속 수익 창출의 기회를 만들고 소비자는 합리적인 수수료를 지불하여 NFT 활성화된다면, 예술가의 권리를 보장할 수 있게 될 것이다. 또한, 미술 작가 발굴과 육성에도 도움이 될 것이라 판단된다. 작가와 작품의 노출이 용이하고 플랫폼을 통한 작품 전시로 인해 많은 사람들이 쉽게 접할 수 있도록 도와줄 수 있다. 많은 작가가 알려지게 되면 자연스레 신규 미술 작가를 발굴하는 효과를 가져오고 꾸준한 작품 활동과 전시회를 거쳐 커리어를 끊임없이 쌓을 수 있도록 유도하는 역할을 NFT가 하게 되면서 미술계와 작가의 발전에 시너지 효과를 만들어 줄 것으로 기대한다. 마지막으로, NFT 예술은 행위자들 사이에 네트워크를 형성하여 하나의 지속가능한 예술 장르로 자리 잡을 수 있을 것이다. ‘창작자-작품-관람자-콜렉터-미술시장’ 까지 아우르는 총체적 네트워크로써 기존미술계의 전통적인 가치들을 확장한 것으로 평가할 수 있다. 이를 통해, NFT 예술은 잠깐의 유행이 아닌 예술의 새로운 분야로써 예술의 새로운 흐름으로 볼 수 있을 것이다.REFERENCE[1] 김주옥, 『인공지능 시대의 인간과 예술』, 그레파이트온핑크, 2019[2] 김현돈, “현대미술에서의 디지털매체연구.” 국내석사학위논문 조선대학교 대학원, 2006[3] 임현찬, 『디지털 미디어와 저널리즘 4.0』, 한국학술정보, 2019
조형 예술과 윤리 / 유니버설 디자인
