목소리들의 극 - 마르그리트 뒤라스의 『에덴 시네마』 분석 (Le Théâtre de voix - Analyse de l’Eden Cinéma de Marguerite Duras)

서지정보

· 발행기관 : 한국불어불문학회
· 수록지 정보 : 불어불문학연구 / 92호 / 407 ~ 440페이지
· 저자명 : 전선형

초록

Comme on désigne souvent l’œuvre de Marguerite Duras comme un réseau d’intertextualité, on groupe les quatre œuvres, Un barrage contre le Pacifique (1950), L’Eden Cinéma (1977), L’Amant (1984), L’Amant de la Chine du Nord (1991) sous le titre « cycle du Barrage » qui relate en commun l’histoire familiale et l’adolescence de l’auteure dans l’Indochine française.
L’une d’entre elles, L'Eden Cinéma, est une adaptation pour le théâtre par Marguerite Duras elle-même, de son roman Un barrage contre le Pacifique. Le récit romanesque y est condensé mais métamorphosé en une nouvelle version. Malgré ces divers liens intertextuels par lesquels L’Eden Cinéma et Un barrage contre le Pacifique sont rattachés, on peut aussi trouver une multiplicité de contrastes et d’ambivalences entre le roman réaliste et le texte dramatique.
Cette étude a pour but d’éclaircir les transformations narratologiques et la spécificité que L’Eden Cinéma comporte par rapport à la version romanesque Un barrage contre le Pacifique. Ce qui compte le plus, ce sont les stratégies littéraires de Marguerite Duras en détruisant les précédents de la représentation et l’intention finale de l’auteure qui va être révélée après la réalisation de ces stratégies. Comme nous l’avons vu, Duras essaie de mettre en scène un espace vide et des personnages creux, dont les identités sont difficiles à saisir. Duras ne s’attache pas aux règles grammaticales avec le choix du temps, qu’elle décide à l’instant où elle écrit. Par le croisement du temps d’écriture et le temps de la mémoire, le présent de la scène et le passé de l’histoire se mêlent souvent au même plan. Aussi, la musique et le silence rendent la frontière du temps imprécise et effectuent le glissement libre du temps.
De plus, Duras donne plus d’importance aux voix et au silence qu’à la représentation visuelle sur scène et qu’au dialogue des acteurs. Tandis que le texte contient plusieurs narrateurs, (Suzanne, la voix de Suzanne, Joseph, la voix de l’auteure, c’est-à-dire la didascalie omnisciente), la mère, qui était un grand personnage dans Le barrage contre le Pacifique perd de l’importance, et reste la plupart du temps passive, indifférente et silencieuse.
La multitude de voix qui se traduit dans le langage singulier et le dédoublement de Suzanne sur la scène (Suzanne et la voix de Suzanne) nous déroutent, mais nous font aussi écouter attentivement ce que les voix disent.
Sur la scène, il n’y a aucune certitude. L’espace, nu, ne donne aucune information. On ne peut pas percevoir facilement quand et où l’action se passe. Les personnages tendent à se taire. Ils ne se regardent guère. Ils se parlent rarement, s’adressent plutôt aux spectateurs. Le vide est omniprésent!Comme Duras le dit, paradoxalement : « au théâtre, c’est par le manque à voir que l’on donne à voir. », c’est le vide qui camoufle le sous-entendu, qui nous permet d’entendre et de voir l’implicite. D’un autre côté, il risque d’être incompréhensible pour les spectateurs. Malgré ce risque, elle ose faire voir la vie indicible par le vide, le manque et le non-dit. C’est parce que Duras a déjà compris l’impossibilité de représenter suffisamment la réalité absurde de la vie humaine sur scène. Même si le titre de cette pièce est Eden Cinéma, l’action ne se déroule pas autour de cette salle de projection. Elle n’est même pas représentée sur scène. De plus, la majorité des répliques sont prononcées non par un des acteurs, mais par la voix de Suzanne qui sort en coulisse. Ainsi, Duras fait d’Eden Cinéma le référent vide et donne la clé majeure de la narration aux voix invisibles. C’est ce qu’elle nous fait voir, les yeux fermés, comme si c’était l’ombre qui nous permettait de voir la lumière. Car le rôle principal du vide semble être d’exprimer ce que les mots ne peuvent pas et de montrer ce que la scène ne peut pas. C’est le vide qui met en question la stabilité de la pensée, et qui nous aide à cerner une réalité profonde en élargissant infiniment l’imaginaire.
En conclusion, nous voyons que L’Eden Cinéma est « le théâtre d’écoute » et aussi « le théâtre du vide » où l’on n’entend que des voix. C’est l’inexplicable de la vie que Duras tente de mettre en scène par le vide.

영어초록

Comme on désigne souvent l’œuvre de Marguerite Duras comme un réseau d’intertextualité, on groupe les quatre œuvres, Un barrage contre le Pacifique (1950), L’Eden Cinéma (1977), L’Amant (1984), L’Amant de la Chine du Nord (1991) sous le titre « cycle du Barrage » qui relate en commun l’histoire familiale et l’adolescence de l’auteure dans l’Indochine française.
L’une d’entre elles, L'Eden Cinéma, est une adaptation pour le théâtre par Marguerite Duras elle-même, de son roman Un barrage contre le Pacifique. Le récit romanesque y est condensé mais métamorphosé en une nouvelle version. Malgré ces divers liens intertextuels par lesquels L’Eden Cinéma et Un barrage contre le Pacifique sont rattachés, on peut aussi trouver une multiplicité de contrastes et d’ambivalences entre le roman réaliste et le texte dramatique.
Cette étude a pour but d’éclaircir les transformations narratologiques et la spécificité que L’Eden Cinéma comporte par rapport à la version romanesque Un barrage contre le Pacifique. Ce qui compte le plus, ce sont les stratégies littéraires de Marguerite Duras en détruisant les précédents de la représentation et l’intention finale de l’auteure qui va être révélée après la réalisation de ces stratégies. Comme nous l’avons vu, Duras essaie de mettre en scène un espace vide et des personnages creux, dont les identités sont difficiles à saisir. Duras ne s’attache pas aux règles grammaticales avec le choix du temps, qu’elle décide à l’instant où elle écrit. Par le croisement du temps d’écriture et le temps de la mémoire, le présent de la scène et le passé de l’histoire se mêlent souvent au même plan. Aussi, la musique et le silence rendent la frontière du temps imprécise et effectuent le glissement libre du temps.
De plus, Duras donne plus d’importance aux voix et au silence qu’à la représentation visuelle sur scène et qu’au dialogue des acteurs. Tandis que le texte contient plusieurs narrateurs, (Suzanne, la voix de Suzanne, Joseph, la voix de l’auteure, c’est-à-dire la didascalie omnisciente), la mère, qui était un grand personnage dans Le barrage contre le Pacifique perd de l’importance, et reste la plupart du temps passive, indifférente et silencieuse.
La multitude de voix qui se traduit dans le langage singulier et le dédoublement de Suzanne sur la scène (Suzanne et la voix de Suzanne) nous déroutent, mais nous font aussi écouter attentivement ce que les voix disent.
Sur la scène, il n’y a aucune certitude. L’espace, nu, ne donne aucune information. On ne peut pas percevoir facilement quand et où l’action se passe. Les personnages tendent à se taire. Ils ne se regardent guère. Ils se parlent rarement, s’adressent plutôt aux spectateurs. Le vide est omniprésent!Comme Duras le dit, paradoxalement : « au théâtre, c’est par le manque à voir que l’on donne à voir. », c’est le vide qui camoufle le sous-entendu, qui nous permet d’entendre et de voir l’implicite. D’un autre côté, il risque d’être incompréhensible pour les spectateurs. Malgré ce risque, elle ose faire voir la vie indicible par le vide, le manque et le non-dit. C’est parce que Duras a déjà compris l’impossibilité de représenter suffisamment la réalité absurde de la vie humaine sur scène. Même si le titre de cette pièce est Eden Cinéma, l’action ne se déroule pas autour de cette salle de projection. Elle n’est même pas représentée sur scène. De plus, la majorité des répliques sont prononcées non par un des acteurs, mais par la voix de Suzanne qui sort en coulisse. Ainsi, Duras fait d’Eden Cinéma le référent vide et donne la clé majeure de la narration aux voix invisibles. C’est ce qu’elle nous fait voir, les yeux fermés, comme si c’était l’ombre qui nous permettait de voir la lumière. Car le rôle principal du vide semble être d’exprimer ce que les mots ne peuvent pas et de montrer ce que la scène ne peut pas. C’est le vide qui met en question la stabilité de la pensée, et qui nous aide à cerner une réalité profonde en élargissant infiniment l’imaginaire.
En conclusion, nous voyons que L’Eden Cinéma est « le théâtre d’écoute » et aussi « le théâtre du vide » où l’on n’entend que des voix. C’est l’inexplicable de la vie que Duras tente de mettre en scène par le vide.

참고자료

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