1930년대 ‘국제양식(International style)’의 미국적 변용 (The Americanization of the 1930s International Style)

서지정보

· 발행기관 : 한국미학예술학회
· 수록지 정보 : 미학예술학연구 / 49권 / 165 ~ 194페이지
· 저자명 : 손영경

초록

본 연구는 1930년대 미국의 유럽 근대조형운동 수용의 현장을 국제양식(International Style)의 성립과 그 영향을 중심으로 살펴보고 이를 통해 미국의 근대 프로젝트로서 모더니즘의 역할에 대해 논의한다.
유럽 대륙이 공유하였던 통일적 조형의지로서 근대건축운동(Modern Architecture Movement)과 미국 미술 제도를 통해 성립된 국제양식이라는 새로운 건축의 형식은 그 의미작용의 방식에서 분명한 차이점을 갖는다. 민족과 국가를 초월한 세계 인식으로서의 조형이라는 이데올로기에 기반한 ‘국제건축’은, 1925년 그로피우스가 바우하우스 총서 제1권으로 발간한 『국제건축 Internationale Architektur』에서 구체화된 개념이었다. 그리고 7년 후인 1932년, 미국의 미술사가 히치콕과 모마의 큐레이터 존슨은 비교 방법론적으로 1920년대 이러한 건축양식의 명확한 정의를 확립하고 이를 국제양식(International Style)이라 명명하였다. 전자는 시대적 위기에 대응하는 반응으로 후자는 근대예술의 제도화라는 목적 아래 형성된 것이었다. 그럼에도 불구하고 이 두 개의 현상은 조형 활동이라는 것이 근대 사회에 있어서 부여받은 역할이나 근대 건축이 공동체의 이념을 위해 나아가야 할 방향에 대해 묻고 있다는 점에서는 동일하였다.
이러한 이해를 전제로 본고는 당대 미국의 사회문화적 맥락에서 새로운 예술형식이 수용되고 전이되는 과정에 주목한다. 모마를 중심으로 한 문화수용주체들은 모더니즘의 형식과 개념을 수용함에 있어 유럽 모더니스트들이 가지고 있었던 원칙과 실천 사이의 경계를 극복하고 그것을 일상의 미학으로 전환시켰다. 동시에 그들은 제도가 만들어낸 하나의 양식을 국유화 즉, 미국화(americanization)함으로써 예술을 일종의 집단적 소유로 되돌려 미국 중산계급이라는 공동체의 가치로 연결시켰다. 그리고 이러한 전략 속에서 국제양식은 예술의 제한적인 특권을 넘어 인간의 주변 환경을 형성하는 조형적 사물들의 거대한 네트워크가 되었다.
본 연구에서는 통상적으로 언급되어온 문화정치의 내셔널리즘이라는 고정된 틀을 넘어 인간생활에 실천적으로 개입하는 예술의 가능성으로서 국제양식을 재독해한다. 아마도 이것은 모더니즘에 대한 입체적 시각을 제안하려는 시도이자 근대사회를 형성시킨 예술의 원동력에 대해 다시 질문하는 작업일 것이다.

영어초록

This paper reviews the succession of the modern European sculpture movement in the 1930s U.S., with a focus on the establishment of the International Style and its influence. In this process, we discuss the role of modernism in the American Modern Project.
There is a clear distinction, in terms of significance, between Modern Architecture ― a unified kunstwollen that was present in all of the European continent ― and the International Style, a new form of architecture established by the American art system. ‘International Architecture,’ founded on the ideology of a unified world picture of sculpture transcending nation and race, was a concept that was developed from International Architecture, the first volume of the Bauhaus books by Walter Gropius. As for ‘International Style’, the term was coined seven years later in 1932, by Henry-Russell Hitchcock, the American architectural historian, and Philip Johnson, the curator at the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, who set a clear definition of the 1920s architectural style using comparative method. In other words, the former had developed as a response to the crisis at the time, whereas the latter had formed under the purpose of systemizing modern art. But despite their differing starts, the two phenomenons had a commonality in that they both questioned the given role of the sculpture movement in the modern society, and the direction they should be heading for a unified ideology on modern sculpture.
These facts being given, we focus on how these new artistic forms were accepted and spread, in the context of the American society and culture at the time. The main agents of culture, centered around MoMA, accepted the form and the concept of modernism by overcoming the borders of principality and practicality that the European modernists had, thus transforming it to practical aesthetics. At the same time, they nationalized ― or “americanized” ― this form born out of a system, and by doing so, returned the ownership of art to the en masse and extended it to the communal value called the American middle-class. And under this strategy, International Style overcame the limited privileges of art, and formed a colossal network of figurative objects that make up the human surrounding.
This paper re-interprets International Style as a form of art wither potential to overcome its common reference to a fixed frame of nationalism in cultural politics. It instead interprets it as having a potential to intercept into the practicality of the human life. This may be viewed as an attempt to suggest a multi-dimensional view on modernism, or a re-questioning of the energy that formed the modern society.

참고자료

· 없음